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  • Kidpofy: una app para conservar la escritura infantil
    Diseño Web y App

    Kidpofy: una app para conservar la escritura infantil

    La caligrafía infantil es un tesoro que se pierde cuando nos hacemos mayores; ahora, una web nos propone guardarla para poder utilizarla en cualquier formato imaginable ¿Quién no ha revisado alguna vez una libreta o un dibujo de su infancia y se ha sorprendido al ver la diferencia entre su caligrafía infantil y la que ha ido desarrollando entrada la adolescencia y la edad adulta? Se trata de un recuerdo muy especial pero cuya conservación, si la limitamos al formato físico, puede correr peligro. Kidpofy es un proyecto de digitalización de caligrafías que quiere aprovechar la tecnología para ayudarnos a conservar la letra infantil de nuestros hijos, nietos, sobrinos... para poder utilizarla en postales, cartas, objetos decorativos o todo lo que se nos ocurra. El proceso es muy sencillo: en la web del proyecto (con acceso optimizado para móvil o tablet), los niños pueden escribir todo el abecedario siguiendo unas prácticas guías; luego, las letras se almacenan en la base de datos del proyecto.

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  • Un juego que te ayuda a mejorar tus habilidades de UI
    Diseño

    Un juego que te ayuda a mejorar tus habilidades de UI

    Ejercitar el buen diseño es posible y para ello hay que acostumbrar el ojo a observar los pequeños detalles que hacen grande una interfaz Además de por su técnica y conocimiento, un buen diseñador de interfaces se caracteriza por su atención por el detalle. A sus ojos jamás se escaparía un mal kerning, un alineamiento de objetos incorrecto o un uso inadecuado de los iconos. Entrenar el ojo para llegar apreciar los detalles y diferencias entre un diseño perfecto y uno que no lo es lleva años y mucho tiempo de observación. Afortunadamente existen maneras divertidas de llevar a cabo este aprendizaje, como en el caso de Can't unsee, un juego web para mejorar tus habilidades de UI. Un clásico reinventado Dos imágenes aparentemente iguales en las que el usuario debe buscar las diferencias y seleccionar la opción que, a su parecer, tiene el mejor diseño. Y el nombre elegido no podría ser más acertado; "can't unsee" se podría traducir como "no puedes no verlo" y es que una vez que te das cuenta del error tus ojos se dirigen automáticamente hacia él.

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  • La crítica social de SHSadler contra los estándares de belleza
    Fotografía

    La crítica social de SHSadler contra los estándares de belleza

    Fresh Meat: rostros empaquetados y cuerpos alterados como medio de expresión artística y crítica a los cánones de belleza SHSadler nació como una colaboración artística entre Julia SH –cineasta y fotógrafa sueca con estudios en cine, video y performance, además de una maestría en Bellas Artes– y Nic Sadler –director de fotografía inglés que ha realizado videos musicales, comerciales y largometrajes–. Julia proviene del mundo del arte conceptual, Nic del espacio fotográfico comercial y juntos forman una pareja creativa explosiva. En 2012 se reunieron para empezar a crear imágenes dramáticas que obligan al espectador a reevaluar el concepto de belleza y encontrarse con una estética nueva, fuerte y desafiante. Su inspiración directa es todo lo que les rodea, ambos están interesados en la dinámica de la cultura popular y el deseo de revelar el velo que cubre algunos de los mecanismos más oscuros de nuestra sociedad. Pero sobre todo buscan satisfacer un profundo deseo de provocar reacciones.

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  • Entrevista a Ji Lee, director creativo de Facebook e Instagram
    Diseño

    Entrevista a Ji Lee, director creativo de Facebook e Instagram

    Lee nos explica la importancia de los proyectos personales y la fuerza de las acciones sobre las ideas Una semana antes participar en Copa Domestika, una conferencia internacional de diseño que unirá fútbol y creatividad, en la que Ji Lee dictará una conferencia enfocada en los proyectos personales, nos concede esta entrevista para hablar sobre estos proyectos y cómo han influido en su carrera. Ji Lee cree fervientemente en la fuerza transformadora de los proyectos personales y en tomar acción sobre las ideas, capaces de alentar su creatividad y oxigenar su día a día. Lee también asegura que estamos en el mejor momento para ser creativos gracias a la democratización de la tecnología y al acceso a Internet. Tras ocho años como director creativo en Facebook e Instagram, actualmente su trabajo está enfocado en ayudar a que marcas y agencias creen diferentes tipos de campañas a través del móvil. Anteriormente, Ji Lee trabajó durante tres años como director creativo en Google. Además pasó por las agencias de publicidad Droga5 y Saatchi & Saatchi.

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  • Helena Garza pinta ideas poéticas, caos y la cultura de masas
    Ilustración

    Helena Garza pinta ideas poéticas, caos y la cultura de masas

    Hablamos con esta pintora mexicana sobre la curiosidad y experimentación para diversificar su arte y mantenerlo en constante evolución El trabajo de Helena Garza se enfoca en los arquetipos que genera la cultura de masas y recurre a la memoria y las emociones, siempre con una visión crítica e irónica que fluye en la pintura y el arte digital. Esta artista visual, que estudió en México y en New York y fue becada dos veces por el Instituto Mill Street Loft, contrapone el caos con la armonía donde busca reflejar cómo nuestras mentes perciben y crean recuerdos de una realidad sobresaturada. Compone escenarios de ensueño a través de texturas e imágenes yuxtapuestas de fenómenos sociales globales, personas y espacios comunes de la vida cotidiana.

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  • Vals: ilustración surrealista, obsesiones y Yayoi Kusama
    Ilustración

    Vals: ilustración surrealista, obsesiones y Yayoi Kusama

    Hablamos con Valeria Álvarez, la ilustradora encargada del cartel de la segunda edición de Cine Domestika Hoy 21 de marzo se proyectará Kusama: Infinity en la segunda edición de Cine Domestika en Ciudad de México, y Valeria Álvarez, mejor conocida como Vals (@vals421), ha sido la encargada de realizar el cartel del evento. Esta joven ilustradora ha hecho su medio de vida el gusto por el arte que tomó desde su niñez en talleres de pintura y grabado. Ese gusto se fue acrecentando, y la llevó a estudiar a estudiar Diseño y Comunicación Visual en la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM. Define su estilo como "dreampop gráfico". En sus ilustraciones busca interpretar y plasmar historias a través de la narración gráfica, creando una sensación surrealista entre formas fluidas y orgánicas, y usando paletas de colores cálidos. Conversamos con ella para conocer más de sus influencias, surrealismo y admiración por Kusama:

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  • Tutorial Photoshop: cómo recortar una foto para usar en animación
    Profesor 3D y Animación

    Tutorial Photoshop: cómo recortar una foto para usar en animación

    Aprende a siluetear y recortar fotos en Adobe Photoshop con el lazo poligonal y prepararlas para la animación en After Effects. La mejor herramienta para recortar fácilmente nuestras imágenes es Photoshop, el programa de edición fotográfica más popular del mundo. Con tus fotografías recortadas, podrás aplicarles cualquier otro fondo, corregir imperfecciones o combinarlas con otras imágenes para conseguir composiciones creativas. Aquí te explicamos cómo hacerlo paso a paso, incluso en caso de que apenas hayas utilizado el programa. Como no necesitarás bordes perfectos para tus collages animados, se trata de un ejercicio estupendo si te estás iniciando en esta técnica y temes no hacerlo absolutamente bien.

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  • Catalina Martín-Chico, nominada a World Press Photo of the Year 2019
    Fotografía

    Catalina Martín-Chico, nominada a World Press Photo of the Year 2019

    Solo cuatro mujeres han ganado el World Press Photo of the Year en 61 ediciones, la fotógrafa Catalina Martín-Chico es una de las nominadas este año y podría ser la quinta en conseguir el premio Considerado el más importante certamen de fotografía de prensa del mundo, el World Press Photo se ha convertido ya en una ventana al mundo que nos ayuda a tomar conciencia de lo que pasa en el planeta y a conocer la identidad de los fotógrafos que retratan, muchas veces, la cara menos amable de la actualidad. La franco-española Catalina Martín-Chico, una de las nominadas a World Press Photo of the Year 2019, es una de estas personas que recorren miles de kilómetros para encontrar historias como la del las excombatientes de las FARC, a quienes no les estaba permitido quedarse embarazadas mientras estaban alistadas (las mujeres eran obligadas a abortar o a abandonar a sus hijos) y con la firma del acuerdo de paz parecen estar experimentando un baby boom, un momento de renacimiento que ya cuenta por cientos las nuevas vidas. Catalina viajó a Colombia para retratar el final de un conflicto abierto desde hace más de medio siglo y decidió hacerlo desde el punto de vista de las mujeres guerrilleras, quienes le abrieron las puertas de sus casas hasta el punto de casi olvidar su presencia, compartieron sus historias y le hablaron del símbolo de paz que representan estos niños. Hemos hablado con ella acerca de su labor como fotoperiodista, la nominación al World Press Photo of the Year 2019 y sobre lo que implica ser mujer en esta profesión.

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  • Patricio Betteo: uno de los artistas detrás de Zima Blue en 'Love, Death & Robots'
    3D y Animación

    Patricio Betteo: uno de los artistas detrás de Zima Blue en 'Love, Death & Robots'

    El ilustrador mexicano Patricio Betteo ha creado los props, escenarios y personajes de una de las últimas producciones de David Fincher 'Love, Death & Robots' es una de las últimas apuestas de Netflix por la animación; una antología de cortometrajes con un hilo conductor que cumple lo que promete: esta producción de 18 capítulos trata sobre el amor, la muerte y robots. Detrás de 'Love, Death & Robots' están David Fincher (Seven, Fight Club, The Curious Case of Benjamin Button) y Tim Miller (Deadpool), quienes se han sabido rodear de algunos de los mejores profesionales para llevar a cabo la ejecución de cada cortometraje. Miramos con detenimiento el capítulo llamado "Zima Blue" para observar el trabajo del mexicano Patricio Betteo (@patriciobetteo) que se ha encargado de buena parte de los props, escenarios y personajes de este cortometraje del que ha hablado con Domestika.

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  • Boa Mistura: el arte como transformador social
    Arquitectura y Espacios

    Boa Mistura: el arte como transformador social

    Hablamos con el colectivo Boa Mistura sobre cómo generar nuevas conversaciones con el paisaje durante el segundo #DesayunosDomestika centrado en arte urbano Boa Mistura es el fruto de un colectivo de artistas de diferentes contextos (publicidad, arquitectura, diseño y bellas artes), que en 2001 decidió unir fuerzas para realizar acciones en comunidades con el fin de convertir las calles y los espacios públicos en lugares más humanos y cercanos a las personas a través del arte. Su metodología se basa en realizar obras que tengan un impacto social entre los habitantes y vecinos de una zona. Una manera diferente de entender el entorno que, a golpe de pintura, es capaz de generar nuevas conversaciones y perspectivas sobre el paisaje urbano, como ocurrió en el caso de su participación en el festival MIAU en Fanzara (Castellón, España). El colectivo ha participado en proyectos en todo el mundo (Sudáfrica, Brasil, México, Estados Unidos, Georgia, Argelia, Chile, Kenia...) y ha realizado varias conferencias sobre arte y transformación social en universidades y encuentros como el TEDxMadrid y más recientemente en los Desayunos Domestika. A continuación puedes ver la entrevista en vídeo que realizamos a Pablo Ferreiro, miembro del colectivo Boa Mistura durante el evento.

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  • La CDMX como musa del dibujo e historias de Emmanuel Peña
    Ilustración

    La CDMX como musa del dibujo e historias de Emmanuel Peña

    Con motivo de la inauguración de su exposición 'La Mirada Atenta' en Vértigo Galería, conversamos con este dibujante, narrador y observador de la capital mexicana Emmanuel Peña se dedica a hacer libros, diseña e ilustra. Es uno de los nuevos exponentes de la novela gráfica mexicana; observante, artista y creador que se inspira en la ciudad, sus escenas y los personajes que la habitan para darle vida a sus historias. Su trabajo es un un retrato cercano de la realidad del paisaje urbano. Publicó su primera obra como autor en 2011: El Libro del Metro. Fue becado por la Embajada de Francia en 2016 para hacer una residencia en La Maison des Auteurs, donde trabajó y concluyó su primera novela gráfica, Nada Aquí, ganadora del segundo lugar del Primer Concurso Latinoamericano de Novela Gráfica Ciudades Latinoamericanas. Y en 2018 publicó su segunda novela gráfica Color de Hormiga. Actualmente es becario del Fondo Nacional Nacional para la Cultura y las Artes.

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  • Breve historia del pictograma moderno: el emoji
    Diseño

    Breve historia del pictograma moderno: el emoji

    Los emojis se han convertido en un lenguaje digital global, conectando personas y culturas alrededor del 🌎 Concisos, coloridos e icónicos, usados por todos en casi cualquier dispositivo digital para expresar de la mejor manera lo que sentimos, pensamos o vemos. Divertidas y minúsculas imágenes que crearon un nuevo lenguaje del que pocos conocen su origen. Aunque pueda parecer una manera de comunicación moderna, la historia del pictograma (signo icónico dibujado y no lingüístico, que representa una expresión, objeto real o un significado), el emoji, cuenta con más de 160 años; desde la aparición de su predecesor el emoticon, hasta su apertura a la diversidad en la que cualquiera puede proponer un nuevo integrante. A continuación un breve repaso por el origen de este multicultural idioma, la breve historia del pictograma moderno:

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  • ¿Qué es el branded content?
    Escritura

    ¿Qué es el branded content?

    "Para mí, el Branded Content no es un formato, sino una forma de pensar". Carla González nos explica qué es este nuevo modelo de marketing Casi con total seguridad te has topado y has interactuado con el Branded Content, quizá no hace demasiado, puede que hoy mismo. Es muy probable que hayas escuchado el término y te hayas preguntado qué es el Branded Content, así que hemos hablado con Carla González (@carlagoon), copywriter digital especializada en este tipo de contenidos, para que nos despeje todas las dudas y nos aclare el origen, ejemplos y futuro del Branded Content.

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  • La Borrega Viuda: ilustrando la feminidad mexicana en tonos pastel
    Ilustración

    La Borrega Viuda: ilustrando la feminidad mexicana en tonos pastel

    Hablamos con esta talentosa ilustradora para conocer la fuerza y el camino que tomó para encontrarse así misma ilustrando belleza mexicana Bajo un seudónimo inspirado en una de las taquerías más famosas de la Ciudad de México, La Borrega Viuda es una de las artistas jóvenes más destacadas del país. Con un estilo sencillo, por momentos abstracto, comparte la belleza de las mujeres con curvas y tez morena, a las que añade siluetas exageradas y rodea de tonos pastel. Mafer López es diseñadora gráfica pero siempre quiso ilustrar. Desde niña tomó clases de dibujo y pintura, y las películas de Disney la motivaron a contar historias y desarrollar un gusto por la animación; que se ha traducido en éxito en forma de premio en el festival de animación Animasivo, por su cortometraje Moon.

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  • Fotograficante: luces, colosos y máscaras mexicanas
    Fotografía

    Fotograficante: luces, colosos y máscaras mexicanas

    Descubrimos la pasión que hay detrás de uno de los fotógrafos más importantes de la Lucha Libre Mexicana Originario de Guadalajara (México), Daniel Chavira –mejor conocido como Fotograficante– se crió entre máscaras, luces y la estructura sagrada de cuatro esquinas: el ring. Es hijo del famoso luchador El Salvaje de Jalisco y vivió parte de la época de oro de la lucha libre mexicana en la década de los 70, sus majestuosas funciones en la Arena Coliseo, los gritos, el sudor y la sangre que cubrieron de gloria uno de los deportes más importante de México. Comenzó a fotografiar a los 17 años, y en el 2000 asistió al Art Center College of Design en California, al mismo tiempo comenzó a estudiar Bellas Artes en una universidad comunitaria de Los Ángeles. Su trabajo empezó explorando las raíces latinas, pero poco a poco se fue enfocando en la doble vida de los héroes enmascarados, retratando el lado personal de los luchadores, el que se oculta debajo de la máscara. Este proyecto le ha llevado a fotografiar a grandes iconos como: Solar, Dos Caras, Sicodélico, El hijo del Santo, Blue Demon Jr., Villano, Cassandro, entre otros.

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  • Las texturas y pinceles para lettering de Daniel Hosoya
    Tipografía, caligrafía y lettering

    Las texturas y pinceles para lettering de Daniel Hosoya

    Descarga gratis, por tiempo limitado, el set de texturas y pinceles del diseñador Daniel Hosoya para la construcción y experimentación de letras Diseñador gráfico especializado en la creación de letras digitales, Daniel Hosoya (@danielhosoya) lleva más de más de diez años experimentando con tipografía, caligrafía y lettering para realizar diseños con fuerza y carácter, y ha colaborado con clientes como Absolut Vodka, Ford, Modelo y Grupo Expansión. Daniel comparte con la comunidad texturas para fabricar brushes o pinceles en Adobe Illustrator para crear tres tipos de pinceles para realizar y decorar letras, simular trazos de pincel tradicional, experimentar con textura, volumen y crear estilos únicos.

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  • Yerthekid: la simplicidad de las formas en armonía tipográfica
    Tipografía, caligrafía y lettering

    Yerthekid: la simplicidad de las formas en armonía tipográfica

    Experimentación y diseño con letras, conversamos con uno de los diseñadores más talentosos de México Este diseñador gráfico y publicista originario de Monterrey (México); decidió en 2008, dedicarse por completo a la exploración tipográfica. Su nombre Yerthekid se remonta a aquella época cuando desarrolló una marca para representar su trabajos personales, muy apegados a estructuras con aspectos muy futuristas (entre las opciones tenía Future Yer o Yerdelfuture, todas con "Yer" como hilo conductor). Finalmente, su idea evolucionó hasta crear un personaje base con la cualidad de adaptarse desde sus cimientos a diferentes contextos. El resultado final fue un personaje con el concepto de un niño, que puede saltar de estilo a estilo, de nombre a nombre, pero siempre con la capacidad de regresar a sus orígenes. Para saber más de su inspiración, procesos y letras, conversamos con él acerca de su trabajo:

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  • Frank Nitty deconstruye la publicidad por medio de gifs surrealistas
    Arte

    Frank Nitty deconstruye la publicidad por medio de gifs surrealistas

    Este creador combina el ingenio y el surrealismo con la fotografía de moda para crear lo inesperado Originario de los Países Bajos, este director creativo ha trabajado durante más de ocho años en Asia (especialmente en Japón y Hong Kong) bajo el seudónimo de FrankNitty o FrankNitty3000 en la industria de videos publicitarios y musicales. Aunque en los últimos años alcanzó reconocimiento como artista del gif, gracias a sus pequeñas piezas de animación surrealista y algunas campañas que realizó con Burberry y Gucci. Frank se graduó como diseñador industrial en Eindhoven, ciudad famosa por el arte conceptual de alta calidad aunque no fue hasta más adelante cuando descubrió su camino: trabajó en moda, publicidad, experimentó con diseño de producto y producción cinematográfica, adquirió experiencia en distintas ramas para finalmente apropiarse de una: "Diría que las academias son lugares para vincularse con compañeros y contemporáneos, descubrir quiénes son, qué piensan y cómo se relacionan con ellos. El arte es algo que se aprende en el campo."

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  • Diseña tu propio cómic con las viñetas de Iván Mayorquín
    Ilustración

    Diseña tu propio cómic con las viñetas de Iván Mayorquín

    Descarga gratis, por tiempo limitado, los formatos de viñeta de cómic que el ilustrador mexicano comparte con la comunidad de Domestika Para ayudarte a construir tus historias y promover la creatividad dentro del cómic, Iván Mayorquín (@ivanmayorquin) te regala la forma esencial para el contenido de tus historietas: los formatos de viñetas que él más usa, en el tamaño listo para que imagines, dibujes y exportes. Amante del diseño gráfico, la pintura y la dirección creativa, pero apasionado por el dibujo, Mayorquín es uno de los pilares más importantes dentro del mundo de la ilustración mexicana. Co-fundador de Pictoline, ha trabajado con Vice, Absolut, Pixar y el festival Vive Latino; además es host del podcast de cultura pop Club de Uno.

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  • Desayunos Domestika: conversaciones sobre arte urbano
    Profesor Domestika

    Desayunos Domestika: conversaciones sobre arte urbano

    Boa Mistura y el artista peruano Elliot Tupac nos hablan de su experiencia como artistas urbanos y reflexionan sobre el sector El pasado jueves 7 de marzo se celebró la segunda edición de Desayunos Domestika en la Central de Diseño_ Matadero Madrid. El evento, una combinación de desayuno, charlas con artistas, Q&A y networking buscó, una vez más, despertar a sus asistentes tanto literal como metafóricamente. Los invitados, en esta ocasión, fueron Pablo Ferreiro, integrante del equipo de arte urbano multidisciplinar con raíces en el grafiti Boa Mistura, y Elliot Tupac, artista del mural que ha llevado al terreno del diseño, la serigrafía y el arte urbano el arte popular de su Perú natal y de Sudamérica, revistiéndolo de colores vibrantes. Ambos explicaron su trayectoria en el arte urbano y debatieron sobre algunas de las cuestiones más actuales del sector, dentro de un tazón gigante de cereales. A continuación puedes ver un vídeo resumen del evento:

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  • Sole Otero nos habla sobre el proceso creativo de 'Intensa'
    Diseño

    Sole Otero nos habla sobre el proceso creativo de 'Intensa'

    La última novela gráfica de esta dibujante argentina habla de las relaciones sentimentales y amorosas desde la perspectiva de una extraterrestre recién llegada a la Tierra Sole Otero (@sole_otero) deja atrás la paleta cromática alegre y colorida a la que nos tiene acostumbrados con sus ilustraciones y su primera novela gráfica, Poncho Fue e inunda nuestros sentidos con una amalgama de tonalidades cyan y magenta para contarnos la historia de una extraterrestre que decide poner fin al tedio de la inmensidad de la galaxia acercándose a la Tierra para conocer los placeres terrenales por los que los humanos pierden la cabeza. En Intensa, la última novela gráfica de esta dibujante argentina, Sole Otero hace una reflexión divertida sobre las complicaciones de las relaciones sentimentales y la vida en pareja. Hemos hablado con ella para conocer más acerca del proceso creativo de Intensa y para que nos cuente qué le ha inspirado para crear esta historia de otro planeta:

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  • Mujeres programadoras en la industria del videojuego
    3D y Animación

    Mujeres programadoras en la industria del videojuego

    Hablamos con tres mujeres programadoras para descubrir sus trayectorias, los conflictos a los que se han enfrentado y reivindicar su papel en una industria que debe abrirse al talento femenino Solo un 5% del total de programadores de la industria global del videojuego son mujeres, según un estudio de la International Games Developers Association. Aunque en el resto del proceso de desarrollo el porcentaje femenino crece hasta el 22%, son datos que chocan de frente con la gran cantidad de mujeres gamers que existen: en España, por ejemplo, prácticamente la mitad de los jugadores (un 48%) pertenecen al sexo femenino, y un porcentaje similar encontramos en la escena del videojuego en México o en Colombia. Si parece ridículo negar que las mujeres están igual de interesadas que los hombres en los videojuegos, ¿por qué ese interés no se traduce en un mayor porcentaje de programadoras en la industria? Los motivos son muchos y pueden ir desde la tradicional asociación del sector de la informática a los hombres, pasando por los obstáculos que pueden encontrar las mujeres programadoras al entrar en la industria o la falta de role models para las niñas interesadas en programación. Hablamos con Marta Aguilera, Laura González e Irene M., tres programadoras españolas con distintos grados de relación con la industria del videojuego, para conocer su experiencia, descubrir sus consejos para aquellas mujeres interesadas en entrar en el sector y hacer balance de las exigencias de igualdad para un trabajo que, como cualquier otro, no debería depender de géneros.

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  • Susana Domínguez, referente de la encuadernación artística, en Domestika Maestros
    Craft

    Susana Domínguez, referente de la encuadernación artística, en Domestika Maestros

    La artista y ganadora del Premio Nacional a la mejor Encuadernación Artística en 2017, nos enseña la magia que hay detrás de sus obras Susana Domínguez es una de las mayores referentes de la encuadernación artística a nivel nacional e internacional. Instituciones como la Biblioteca Nacional de España, la Biblioteca Nacional de Escocia y el Museum Meermanno en La Haya albergan obras suyas. En España logró el máximo reconocimiento en su disciplina al recibir en 2007 el Premio a la Mejor Encuadernación Artística. La artista, autora en Domestika de los cursos Encuadernación artesanal sin costuras y 'Encuadernación sin pliegues de tu obra gráfica', nos recibe en Códex, estudio madrileño referente en la encuadernación artística que fundó en 2006 junto a Guadalupe Roldán, para explicarnos los entresijos de un oficio ancestral y que históricamente ha sido personificado por el género masculino.

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  • ¿Por qué el morado es el color del movimiento feminista?
    Arte

    ¿Por qué el morado es el color del movimiento feminista?

    En el Día de la Mujer, buceamos en los orígenes del movimiento feminista para preguntarnos cómo se asoció el morado con la lucha por los derechos de las mujeres En banderas, pancartas, camisetas, pañuelos y lazos, los distintos tonos de morado se han asociado tradicionalmente con el movimiento feminista e inundan hoy las calles para reivindicar la igualdad entre hombres y mujeres en ámbitos que van desde la vida profesional, con la equiparación de sueldos y responsabilidades, pasando por la educación, hasta llegar al reparto de tareas del hogar y cuidados. Pero, ¿en qué momento empezamos a identificar la lucha feminista con los tonos morados? Solo una cosa es segura: es un símbolo que el propio movimiento adoptó ya en sus orígenes, aunque el proceso exacto siga sin estar del todo claro a día de hoy. Exploramos tres de las teorías más populares al respecto.

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  • Conoce a la bordadora argentina Sofia Salazar
    Craft

    Conoce a la bordadora argentina Sofia Salazar

    La diseñadora nos explica su proceso creativo bordando con aguja Kantan y cómo ha convertido su pasión en su forma de vida Sofía Salazar es una joven diseñadora textil argentina que actualmente reside en Inglaterra. Crea bordados en diferentes prendas y formatos y realiza ilustraciones e impresiones en serigrafía. En sus diseños se aprecia rápidamente su amor por la naturaleza del cuerpo humano, por los rostros femeninos y por las formas geométricas. Desde hace algunos años, Sofía se dedica únicamente al bordado –con una aguja muy especial: la Kantan– y a la ilustración, pasión que ha convertido en su profesión y con la que quiere fomentar, sin ningún tipo de pretensión, el debate sobre la sexualidad, el género y los cánones de belleza establecidos. Hemos hablado con ella para que nos cuente cómo empezó en el bordado y cómo ha conseguido tener tanto éxito internacional a través de su cuenta de Instagram.

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  • Pamela Colman Smith: la artista que diseñó el tarot moderno
    Ilustración

    Pamela Colman Smith: la artista que diseñó el tarot moderno

    La fama que ha alcanzado la baraja del tarot en la cultura popular se debe, entre otras cosas, a las ilustraciones diseñadas por Colman Smith, que simplificó las cartas tradicionales para adaptarlas al siglo XX Todo el mundo reconoce las cartas del tarot. Aparecen en libros, películas, discos, videojuegos… y usarlas para adivinar el futuro es un pasatiempo que nunca pasa de moda. Pero, ¿quién dibujó originalmente a sus emblemáticos personajes? ¿Surgieron de un oscuro manuscrito medieval? Lo cierto es que la respuesta es más sencilla: en 1909, una joven ilustradora llamada Pamela Colman Smith decidió adaptar para el siglo XX la estética anticuada de las barajas de tarot de siglos anteriores. Su trabajo fue tan eficaz que hoy en día identificamos estas cartas directamente con sus dibujos. Esta es la historia de cómo Colman Smith consiguió convertir el diseño en magia.

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