La mayor comunidad creativa
Naranjalidad nos enseña diferentes técnicas para mezclar colores con pinceles o lápices acuarelables paso a paso La acuarela es un material con muchas posibilidades creativas y con el que, para empezar a dibujar, solo se necesita un pincel y unos cuantos pigmentos. El simple hecho de elegir los colores, los pinceles y las técnicas son claves para que la obra final cobre vida.
La bordadora Loly Ghirardi comparte gratis, por tiempo limitado, un cuaderno diseñado por ella misma para conocer lo más importante del bordado Señorita Lylo (@srtalylo) es artista, diseñadora y bordadora; lleva seis años entre agujas e hilos y en sus trabajos realiza una mezcla de diseño gráfico, ilustración y bordado. Con sus piezas interpreta historias y lugares, y acompaña cada puntada con colores, sueños y juegos. Ha realizado colaboraciones para libros y revistas como Diario de una volátil, de Agustina Guerrero y Wonderland, de Cristina Camarena. Además, su trabajo ha visitado Argentina, Portugal, México y Finlandia. Para incentivar la creación con hilo y aguja, Lylo le ofrece a la comunidad de Domestika un cuadernillo titulado 'Universo de Colores Bordados', en el que comparte información básica sobre los hilos, las agujas y las telas más utilizadas en el bordado. Además, explica brevemente y con sencillos dibujos, distintos puntos clave como: punto arena, punto de hilvanar, punto picot o punto escapulario, entre otros. Y termina con dos ejemplos prácticos para que bordemos una piña y un colorido helado.
Comparte qué te inspira el Día Internacional de la Mujer utilizando la técnica creativa que prefieras A lo largo de la historia el movimiento feminista ha ido creando y reclamando como propios algunos iconos visuales; es el caso de Rosie the Riveter (Rosie, la remachadora), que apareció por primera vez como protagonista de la canción compuesta por Redd Evans y John Jacob Loeb que inspiró numerosos homenajes como el famosísimo cartel con la leyenda We Can Do It! ("¡Podemos hacerlo!"). Este cartel surgió como un encargo de una empresa eléctrica norteamericana como medio para animar a sus trabajadoras, que asumieron las labores de producción durante la II Guerra Mundial y aunque inicialmente el cartel no tuvo más trascendencia, la imagen de esta mujer trabajadora se convirtió en todo un símbolo que identifica el movimiento de lucha por la igualdad de oportunidades.
Aprende una técnica fácil para vectorizar un boceto con las herramientas pluma y pincel de relleno de Adobe Illustrator
Esta cuenta de Instagram se encarga de sacar de la tumba algunos de los packagings mejor diseñados de las décadas pasadas Dicen que las modas son cíclicas y que todo vuelve, pero esa máxima no es aplicable únicamente al mundo de la moda, los diseñadores de packaging también echan la vista atrás para inspirarse en los trabajos de sus antecesores. Nuria Montoro acaba de terminar sus estudios como diseñadora y tiene esta lección grabada a fuego, tanto que en una visita a una casa antigua abandonada fue capaz de encontrar auténticos tesoros del packaging escondidos entre los objetos olvidados que ahora comparte en una cuenta de Instagram con un nombre de lo más sugerente: Zombie Graphics. Hemos hablado con ella para saber algo más acerca de este proyecto que une la belleza del diseño vintage con la estética minimalística más propia de las redes sociales de hoy en día: Una gran parte de mi público procede del ámbito creativo, o son coleccionistas, personas nostálgicas o jóvenes que se sienten atraídos por la historia.
Hablamos con la ilustradora española para descubrir los secretos del proceso que hay detrás de las ilustraciones de ‘El papel amarillo’, obra cumbre del cuento de terror recientemente editada en castellano. Cuando la escritora estadounidense Charlotte Perkins Gilman publicó, allá por 1891, su relato 'El papel amarillo', la acusaron de querer volver loca a la gente. Ella, que había atravesado varias depresiones a lo largo de su vida, plasmó en unas pocas páginas la historia de una mujer atrapada en una habitación de su propia casa, incapaz de comunicarse con sus seres queridos y obsesionada con el misterio del papel amarillo que recubre las paredes de su cuarto. La intención de Perkins Gilman con este relato, pionero tanto del género de terror como de la literatura feminista, fue ayudar a aquellas mujeres que estuviesen pasando por lo que había tenido que superar ella, mostrando cómo la espiral de la depresión, sin un tratamiento adecuado, podía tener consecuencias catastróficas. En 2017, la editorial española Bestia Negra decidió lanzar una nueva traducción de 'El papel amarillo'. Su edición, buscando hacerle justicia a una obra que hasta el momento había sido maltratada en sus ediciones en castellano, incluiría ilustraciones para incidir en el fuerte componente visual del relato. Y la artista elegida fue Maria Picassó i Piquer, ya reconocida internacionalmente por su particular estilo de caricatura constructivista. Ahora, Maria, cuya técnica puedes descubrir en el curso Retrato geométrico minimalista, se enfrentaba a su primer libro ilustrado. Incluso después de haber ilustrado para revistas como ICON o Zwölf o haber conseguido que su trabajo llegase a innumerables soportes (videojuegos, portadas de libros, ropa...), la ilustradora y caricaturista tuvo que aplicar sus dinámicas de creación a un nuevo tipo de encargo. Para conocer cómo lo hizo, hablamos con ella sobre el proceso detrás de las ilustraciones de 'El papel amarillo'.
De la editorial a la fotografía aérea, estos son los 10 proyectos fotográficos más valorados en febrero en Domestika En fotografía existen tantos puntos de vista como personas se ponen detrás del objetivo, aunque lo cierto es que la labor de un buen fotógrafo no empieza ni termina con un shooting o en el momento en el que se acciona el disparador. En Domestika todos los tipos de fotografía encuentran su sitio y en este mes de febrero hemos recopilado cuáles han sido los proyectos de esta disciplina que más os han gustado: editoriales, campañas publicitarias, piezas artísticas, hermosos paisajes, minimalismo... Estos son los proyectos fotográficos más valorados del mes de febrero en Domestika:
Ilustración, diseño, animación, concept art, editorial... estos son los proyectos que más os han gustado en el mes de febrero Este segundo mes del año ha venido cargado de numerosísimos proyectos creativos y en esta selección de los diez más valorados por la comunidad de Domestika podemos encontrar representación de las más variadas disciplinas: desde concept art a diseño 3D, pasando por ilustración tradicional, vectorial e incluso collage animado. Algunos de los mejores profesionales más importantes del sector comparten top 10 con creativos que nos muestran sus ejercicios y evolución a través de un cuaderno de dibujante. Estos han sido los proyectos favoritos de Domestika en el mes de febrero:
La talentosa fieltrista comparte gratuitamente con la comunidad de Domestika un original patrón para crear con lana y aguja Carolina Alles, conocida como @CaroIndy y originaria de Buenos Aires, es una fieltrista enamorada por las labores manuales desde su niñez, cuando empezó haciendo ropa para sus muñecas. Hace 7 años se interesó por la técnica del needle felting o fieltrado con aguja, y comenzó a practicarla de manera autodidacta gracias a tutoriales. Con un trabajo constante y laborioso fue descubriendo infinitas posibilidades de creación de personajes. La mayoría de sus creaciones son animales con aspecto antropomorfo conformados por fieltro, vellón de lana y pequeños botones, elementos que le dan vida a su colorido universo. Utiliza otras técnicas y materiales consiguiendo acabados y elementos únicos, como la pequeña ropa que confecciona a mano: Lo que más me apasionó, fue la posibilidad de crear personajes sólo con una aguja y un poco de vellón. Amo hacerles su ropa, ponerles accesorios y que tomen vida.
Zigor Samaniego, ilustrador, modelador y diseñador, nos descubre 5 artistas del 3D especializados en saltarse todas las reglas para ofrecernos algo inesperado La democratización del 3D, con programas que cualquiera puede usar desde casa como Cinema 4D o Maya, ha traído consigo toda una nueva generación de artistas del modelado en tres dimensiones capaces de plasmar su talento y obsesiones en este formato. Las redes sociales, sobre todo Instagram y YouTube, se han convertido en un enorme catálogo de artistas del 3D, que van desde la estética más clásica hasta la más rompedora y absurda. Para conocer a algunos de los representantes más destacados de la animación 3D más surrealista, preguntamos por sus favoritos a Zigor Samaniego, ilustrador, modelador y diseñador especializado en 3D y profesional detrás del curso Introducción exprés al 3D: de cero a render con Cinema 4D, que no duda en introducir el humor o lo inesperado en sus trabajos cuando es necesario. Really3D
Celebramos la semana del aprendizaje online preguntando a profesionales que imparten cursos en Domestika por las ventajas de este tipo de enseñanza como profesores pero también como alumnos Cuando Étienne Wenger definió las comunidades de práctica por primera vez lo hizo observando a un grupo de expertos en una materia que compartían su saber y experiencia trabajando juntos y a través de conversaciones que mantenían sobre su labor. Internet ha permitido que las comunidades de práctica trasciendan los límites del espacio y se construyan a partir de la experiencia de personas que viven a miles de kilómetros y no se han visto jamás. En 2012, la Alliance for Excellent Education estadounidense instauró la celebración del Digital Learning Day para difundir de manera activa las prácticas innovadoras de aprendizaje online, asegurando que todo el mundo tenga acceso a oportunidades para aprender sin importar dónde vivan. Las lecciones de alta calidad educativa, el feedback constante profesor-alumno y las oportunidades para aprender en cualquier momento y lugar son algunas de las constantes que facilita el aprendizaje online. En Domestika imparten cursos algunos de los profesionales creativos más relevantes del mundo de habla hispana, pero son muchos los que utilizan la plataforma no solo para compartir su conocimiento a través de las lecciones online, sino que aprovechan los recursos y el saber compartidos por sus colegas de profesión para seguir formándose. Hablamos con Mariano Rivas, profesor del curso Diseño y programación de videojuegos con Unity 5; Luz de León, profesora del curso UX: prototipado y diseño de una app de comercio electrónico con Axure 8; Javier Alcaraz, profesor del curso Diseño editorial automatizado con Adobe InDesign y Daniel Hosoya, profesor del curso Lettering digital con Illustrator y Photoshop, sobre lo que significa para ellos el aprendizaje online desde la perspectiva del maestro, pero también para conocer su punto de vista como alumnos de cursos de Domestika:
Los diseñadores mexicanos nos dan algunos consejos para usar los manejadores como un profesional y construir formas digitales perfectas Más allá del estilo que cada uno puede desarrollar a la hora de crear letterings, diseños e ilustraciones vectoriales es especialmente importante la limpieza y el control de los vectores. Tomando como ejemplo la digitalización de una letra, Sindy Ethel & Alan Rodríguez comparten con nosotros algunos trucos fundamentales que cualquier artista digital debería tener en cuenta a la hora de crear figuras vectoriales: las curvas de Bézier. Y es que, a la hora de unir dos puntos con una línea curva es ideal hacerlo de la manera que estos maestros mexicanos del diseño nos enseñan en el vídeo que acompaña este artículo.
En el Día Mundial de la Radio, preguntamos a la comunidad Domestika por sus podcast de creatividad favoritos. Aquí una lista de los 10 más destacados Escuchar podcast es una costumbre cada vez más común y el mundo de la creatividad y el diseño no es ajeno a esta tendencia. Son una gran herramienta, no solo de entretenimiento sino también de aprendizaje, y su facilidad de consumo es una buena opción para actualizarse desde casi cualquier lado, como los trayectos rumbo al trabajo, descansando en casa o en la ducha. Coincidiendo con el Día Mundial de la Radio, 13 de febrero, animamos a la comunidad Domestika a compartir su podcast preferido sobre diseño o creatividad. A continuación compartimos la lista con los títulos internacionales más interesantes, útiles y divertidos que se mencionaron:
La ilustradora nos desvela los secretos de su '36 Days of Type' y el proceso de sumergirse en un reto rodeada de monstruos y criaturas legendarias '36 Days of Type' es un proyecto que invita a diseñadores, ilustradores y artistas gráficos a expresar su interpretación particular de las letras y los números de nuestro alfabeto. El desafío es diseñar una letra o número para cada día, mostrando el resultado de la capacidad gráfica, simbólica y tipográfica de cada creador. Uno de estos proyectos es el realizado por Chaaya Prabhat, diseñadora gráfica, ilustradora y artista de letras, originaria de India. Influenciada por Jessica Hische, la película animada Spirited Away, las etiquetas vintage de productos hechos a mano, y la cultura india; Chaaya tomó el amor por las letras, los colores fuertes y su gusto por los patrones para darle salida a sus creaciones. Para su '36 Days of Type' diseñó las letras del alfabeto inspiradas en criaturas míticas y monstruos legendarios de diversas culturas mundiales, como la Hidra griega, el Jiangshi chino, la Banshee irlandesa o Godzilla. Conversamos con ella para conocer más sobre su proyecto:
Alex Trochut, Hey Studio, Futura, Mr. Kat, Ji Lee y otros de los mejores creativos de Latinoamérica y España se darán cita en Costa Rica en el primer evento que une diseño y fútbol El próximo 29 de marzo se celebrará en Costa Rica la primera Copa Domestika, un encuentro único entre creativos de dos continentes: América y Europa. Algunos de los profesionales más relevantes del panorama creativo latinoamericano y español se darán cita en una conferencia internacional de diseño y un encuentro de fútbol con un árbitro de lujo: el coreano Ji Lee, director global de estrategia creativa de Facebook e Instagram.
Descubrimos al fotógrafo que congeló la belleza los lugares abandonados a través de sus fotografías, capturando la majestuosidad que deja el paso del tiempo Michael Schwan, nacido en 1988 en Alemania, cuenta con 18 años dentro de la fotografía, por la que desde niño desarrolló una fuerte pasión debido a una pequeña cámara que le fue regalada. Mientras encontraba un estilo y definía su temática, realizó estudios de ingeniería en el campo de la ciencia de los materiales, rápidamente se convirtió en el punto de partida para encontrarse en la fotografía, y realizó un libro sobre las piezas del museo de su universidad. El contacto con reliquias y la antigüedad encendió una llama que lo llevó a fascinarse con sitios perdidos y lugares abandonados. Michael toma esas historias olvidadas para brindarles nueva magia a través de la belleza, la decadencia y la nostalgia. Un explorador urbano que viaja por toda Europa para capturar lo que se esconde detrás de las enormes puertas de un castillo en Polonia; la decoración barroca de una mansión francesa; las majestuosas escaleras de un hotel en Portugal; o el viejo proyector de un cine belga.
La dibujante argentina María Luque nos habla de algunas de la sus novelas gráficas favoritas y nos revela cuáles fueron las que la impulsaron a empezar a contar sus propias historias ilustradas Para una ávida consumidora de historias en viñetas como es María Luque (@mariajluque) hacer una selección de sus novelas gráficas favoritas es una tarea ardua; sin embargo, la autora de La mano del pintor (Sigilo, 2016, L'Agrume Éditions 2017), Casa transparente (Sexto Piso, Premio Novela Gráfica Ciudades Iberoamericanas) y Noticias de pintores (Sigilo, 2019) se ha atrevido a compartir con Domestika una pequeña selección de las que considera imprescindibles y que en gran parte son las culpables de que hoy podamos disfrutar de sus increíbles historias ilustradas. No importa si eres novato en el formato o ya cuentas con unos cuantos títulos en tu colección, estas cinco novelas gráficas imprescindibles seleccionadas por María Luque seguro que te servirán de inspiración:
Manipulando pieza por pieza, este artista logra un impresionante efecto explosivo en sus fotografías El trabajo del artista suizo Fabian Oefner empezó a destacar desde hace algunos años, gracias a su brillante fotografía macro en flores de algodón. Posteriormente fue consolidándose con imágenes microscópicas creadas mezclando ferrofluido con agua de colores y colocando todo en un campo magnético. Actualmente ha llamado la atención por sus "collages de explosión". Mitad arte, mitad ciencia, su trabajo se ha desarrollado siempre sobre esa línea creativa; sobre todo el más reciente, donde Oefner examina nuestra percepción de la realidad a través de la fotografía con una serie formada por retratos en blanco y negro que parecen ser destrozados por un disparo. Aunque parece ser una imagen genuina de un momento efímero se trata sólo una ilusión.
Las históricas 10 nominaciones de 'Roma' a los Oscar se deben al duro trabajo de un equipo de talentos mexicanos que, junto a Alfonso Cuarón, podrían irse a casa con varios galardones este domingo. Actores, técnicos, productores... te hablamos de ellos Se tiende a dotar de una responsabilidad absoluta a los directores de cine, pero lo cierto es que una película es un esfuerzo colectivo: decenas de artistas y técnicos trabajando, cada uno en su especialidad, para traer a la vida de la forma más brillante posible lo imaginado por su director. En 'Roma', este esfuerzo colectivo ha conseguido elevar la película hasta lo que muchos consideran la categoría de obra maestra. Conoce a todos los talentos mexicanos que, por su trabajo en 'Roma', el lunes podrían levantarse con el galardón más importante del mundo del cine bajo el brazo. Alfonso Cuarón (nominado a Mejor Película, Mejor Película Extranjera, Mejor Dirección, Mejor Guion y Mejor Fotografía)
Llegó con ideas frescas y una visión joven a renovar las campañas creativas de una conocida marca de calzado. Descubre la evolución de su universo y cómo lo aplica al trabajo diario Diseñador de moda y director creativo, nacido en 1982, Romain Kremer desarrolló su interés en el diseño desde muy joven. Estudió arte y danza durante seis años, pero con la mayoría de edad se mudo a París a estudiar Diseño de Moda en la ESAA Duperré. Sin embargo, nunca abandonó su amor por la escultura, fotografía, artes aplicadas, música y teatro. En 2006 debutó en la Fashion Week parisina con su marca homónima, desde ese momento su visión y estética demostraban vanguardismo y futurismo, y si bien, enfocó su trabajo al menswear, generó una tendencia hacía lo unisex. Concebía la ropa como si se tratara de una escultura y se acercaba a ella como si planeara un performance, fomentando una visión única de la moda única, esto llamó la atención de Thierry Mugler, quien le ofreció llevar sus colecciones masculinas.
La aventura de dos iconos artísticos franceses fue la pieza inaugural del primer ciclo de cine Domestika El jueves 21 de febrero se celebró la primera edición de Cine Domestika en la Ciudad de México, un evento para refrescar ideas y recibir inspiración proveniente de increíbles películas y grandes documentales sobre diseño, arte y creatividad. La sede fue el Cine Tonalá localizado en la Colonia Roma (Ciudad de México), un espacio cultural dedicado al cine, las artes escénicas, la música y la comedia stand up. A las 8 de la noche en punto, una parte de la comunidad Domestika se reunió allí para disfrutar de Visages Villages, documental francés dirigido por la veterana cineasta Agnès Varda y el fotógrafo y artista gráfico urbano JR. La cinta, del año 2017, ha sido ganadora del Independent Spirit Award y del premio L’Oeil d’Or como mejor documental en Cannes; por ello fue elegida para inaugurar este ciclo de cine por su relevancia en el arte y la creación.
El amor al arte, el diseño y la ilustración impresa en tinta, papel y talento mexicano Si disfrutas de la ilustración y además eres asiduo al coleccionismo, quizá conozcas a la Sociedad Anónima de Reproducción Autosugestiva (SARA); una joven imprenta mexicana, liderada por los hermanos Lucía y Rodrigo Alarcón. Han obtenido reconocimiento gracias al trabajo que realizan con su máquina Riso, la cual brinda un sistema de impresión similar a una copiadora, pero con resultados similares a la serigrafía. Su visión, trabajo y apoyo a la comunidad creativa mexicana, se refleja en la oferta de impresiones de calidad sin invertir demasiado dinero. Lo mejor es que van a producir una serie de risografías que se darán como un regalo a los asistentes de la primera edición de Cine Domestika, un ciclo de películas sobre arte, diseño y creatividad en la Ciudad de México. Para conocer más de su filosofía, técnica de impresión y sus próximos proyectos, conversamos con Rodrigo:
Te presentamos tres aplicaciones que te servirán como herramientas para conocer mejor el material fotográfico Empezar en el mundo de la fotografía puede ser sinónimo de invertir una gran cantidad de dinero sin haber entendido todavía los parámetros principales de una cámara. Y es que, para comprender su mecánica y dominar todas las variables que existen antes de tomar la foto es importante tener un buen equipo entre las manos. Afortunadamente existen alternativas para quienes quieran probar un producto antes de lanzarse a comprarlo o para aquellos que duden entre varios objetivos en el caso de renovar su equipo. A continuación te mostramos tres simuladores de cámara disponibles en versión web y una aplicación de VR, que te permitirán probar funciones básicas, como la apertura, la velocidad de obturación, la sensibilidad ISO o la distancia focal, entre otras.
Desde un viaje por la galaxia, hasta ser uno con la Fuerza, reunimos algunos de los mejores cortos live-action de la industria del gaming A lo largo de la historia de los videojuegos, las productoras y distribuidoras han puesto suma importancia en la forma en que venderán su producto, siendo los tráilers un elemento clave que en los últimos años ha llegado a alcanzar el presupuesto y recursos de casi una película. Estos avances funcionan para presentarle a los medios y al consumidor cómo se ve y se siente el juego, y así, lograr posicionarlo en una lista de espera que idealmente se transformará en ventas exitosas. Una de las mayores tendencias para darle magnitud al juego y presentar su mitología es el tráiler live-action: su concepción es compleja, el presupuesto de producción supera muchas veces lo destinado a publicidad tradicional, y casi siempre se requiere a expertos de cine. Con la salida de Anthem: Conviction, decidimos reunir algunas de las mejores propuestas, ya sea por su despliegue de efectos especiales, historia o nostalgia.
Hablamos con el ilustrador para empaparnos de sus 'Dosis Diarias', su ingenio, viñetas y sentido del humor Diseñador gráfico, artista plástico e ilustrador; ese es el amplio currículum del ecuatoriano Alberto Montt(@albertomontt) quien lleva toda su vida dedicada a este arte y cuenta con más 20 años de experiencia profesional. Empezó su carrera como ilustrador en Chile y obtuvo reconocimiento en toda Latinoamérica en 2006 gracias a la publicación diaria de una viñeta en la que plasmaba situaciones cotidianas a través de sus diversos personajes, 'Dosis Diarias'. Además ha ilustrado libros infantiles y ha publicado diversos libros de ilustración. Inspirado por sus primeras lecturas en la infancia como Mafalda, Condorito, Calvin & Hobbes o Charlie Brown, comenzó esta tarea creativa diaria, tratando de mantener su estilo, humor, genio y calidad a lo largo de los años. Conversamos con él para conocer más de su increíble proyecto:
Descubrimos el proyecto de este padre, declarado fan de los garabatos imaginativos de su hijo, que decidió hacerlos realidad con Photoshop Hay que reconocer que la creatividad y la imaginación durante la niñez son prácticamente infinitas, pero no todo lo que hacemos resulta una obra maestra. Algunos padres guardan todo nuestro imaginario en un portfolio, otros cuelgan nuestras mejores piezas en el refrigerador o las conservan en cajones; y hay quien, como Tom Curtis, las toma como referencia para crear imágenes propias, y visualizar el talento de su hijo aplicado al mundo real. Tom, que trabaja en marketing de contenidos, recurrió a Photoshop para recrear algunos de los personajes que su hijo de seis años había dibujado. Gracias a sus habilidades, cada línea, expresión, extremidad o rostro deforme fueron adquirieron cierta peculiaridad en 3D, con resultados extraños, algunos incómodos y otros divertidos, pero siempre interesantes.
Los estudios de diseño Serial Cut y Tavo Studio comparten su experiencia como creativos para el desarrollo de proyectos 3D El viernes 15 de febrero tuvo lugar la primera edición de Desayunos Domestika en TeamLabs, Madrid. El evento despertó la creatividad de los asistentes y los alimentó con las ideas de varios creativos. Los protagonistas fueron Serial Cut y Tavo Studio (quien imparte en Domestika el curso Dirección de Arte con Cinema 4D), que intercambiaron conversaciones sobre su experiencia profesional en 3D, dentro de un tazón gigante de cereales hinchable. A continuación puedes ver un vídeo resumen del evento.
Hablamos con Nomada Studio y descubrimos como surgió 'Gris': el videojuego que parece una ilustración en movimiento Cuando Conrad Roset, Adrián Cuevas y Roger Mendoza fundaron Nomada Studio con la intención de desarrollar un pequeño juego indie al que llamaron 'Gris', seguramente no se imaginaron que unos años después acabarían ganando premios internacionales por encima de otros nominados tan emblemáticos como 'God of War' o 'Tomb Raider'. En poco más de tres años, Conrad, Adrián y Roger, junto con su equipo de ilustradores, animadores y programadores, han producido uno de los videojuegos más importantes del panorama indie actual. Una narrativa minimalista y poética que quiere llevar a la pantalla las delicadas ilustraciones de Conrad, con una historia protagonizada por una misteriosa chica perdida en un extraño mundo, cuya misión será ir desbloqueando colores. La historia de la creación de 'Gris' es la historia de un ilustrador y dos programadores que deciden lanzarse a la aventura con un proyecto basado en sus pasiones compartidas. Descubre todos los detalles sobre cómo lo hicieron en el siguiente vídeo, donde entrevistamos a Nomada Studio:
Pasajes bíblicos, animales, música disco y extraterrestres, te presentamos al creador que ha ayudado a revolucionar esta famosa marca italiana La reciente campaña de Gucci para la temporada SS19, titulada #GucciShowtime, retoma el espectáculo teatral y cinematográfico de la época dorada del musical de Hollywood en los años 40 y 50. Películas legendarias como An American in Paris (1951), The Band Wagon (1953) y Cover Girl (1944), sirven como inspiración e influencia para el director creativo de la firma, Alessandro Michele, que las utiliza para realizar su visión de la moda de aquellas décadas. Creativos de todo el mundo, y seguidores de la firma en general, quedaron maravillados por la producción involucrada en esta brillante historia; trabajo realizado por la mano derecha de Michele, la mente encargada de concebir tan glamorosa idea: Glen Luchford.
Este dúo de aristas rusos crea increíbles y detalladísimas escenas en miniatura hechas únicamente con papel People Too es el nombre del estudio artístico formado por Alexei Lyapunov y Lena Ehrlich. Originarios de Rusia, el dúo trabaja entre la ilustración y la escultura con piezas increíblemente detalladas hechas en papel que representan escenas de la vida cotidiana, genios de la música y enormes cruceros. Si bien la mayoría de su trabajo es comisionado por diversas marcas y agencias publicitarias, cada pequeño detalle manifiesta el magnífico trabajo artesanal que hay detrás de sus proyectos: cada parte, cada personaje, cada accesorio... todo está cuidadosamente realizado de hojas de papel y cartulinas de colores. Y aunque para muchos trabajar con este material remite directamente a lo bidimensional, el trabajo de estos artistas llama la atención precisamente por su sustancia y volumen.
