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Este precio tiene las horas contadas...

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The Dawn Chorus: un homenaje al canto matutino de las aves

Música y naturaleza se unen de manera épica y encantadora en este cortometraje que recuerda los sonidos del alba. George Wu,director de cine y creativo londinense, abarca, con un fuerte enfoque conceptual, áreas como el cine, la instalación y el diseño gráfico. Graduado del Royal College of Art, ha colaborado para marcas como la BBC, y su trabajo ha sido reconocido y presentado en Serpentine Galleries, Household, DMY Berlin y Tokyo 100%, además de ser ganador de un León de Plata de Cannes en 2016, y multipremiado gracias a su cortometraje animado 'Chickens', que realizó al lado del ilustrador taiwanés Meng-Chia Lai, sobre la temida " friend zone" y que puedes ver completo bajo estas líneas.
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Percepción, píxeles y color en el arte de Quintessenz

El trabajo de los artistas alemanes Quintessenz buscan romper la línea entre lo digital y lo análogo a través del color. Quintessenz es un dúo de artistas alemanes multidisciplinarios cuyo trabajo se enfoca en la creación de coloridas instalaciones a gran escala. Combinando la esencia del arte urbano, con el arte cromático, la pintura, el arte cinético y el Op Art, buscan borrar la línea, a veces evidente y en otras ocasiones casi inexistente, entre el mundo digital y el real. Thomas Granseuer y Tomislav Topic conceptualizan la imagen digital combinando pintura e instalación para crear obras de arte en capas. Su instalación más reciente fue encargada por Paxos Contemporary Art Project en unas ruinas de 400 años antigüedad en el pequeño pueblo de Kagatika (Grecia). Los recuadros que la conforman están fabricados a partir de hojas de malla pintadas con spray, para las que han usando más de 120 tonos que conforman un círculo cromático caleidoscópico que han colgado de filas de cables para crear la ilusión de profundidad y de múltiples capas de píxeles reales.
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Ponte lentes oscuros para conocer las coloridas habitaciones de Kota Yamaji

'Rooms', donde los excesos y los colores atrevidos se dan cita con la arquitectura surrealista y un sutil minimalismo. Los coloridos espacios de 'Rooms' fueron creados por el artista digital, diseñador y director de videos, Kota Yamaji. Yamaji se inspiró en la cultura pop japonesa, repleta de colores brillantes, imágenes surrealistas y extrañas combinaciones de elementos: "mi cultura está llena de infinidad de colores. Tanto las ciudades, como la moda o el arte, están llenas de colorido y eso es muy inspirador para mí". El diseñador japonés cuenta con un background ligado íntimamente al arte surrealista, la moda, películas, videojuegos, y el manga; títulos como One Piece y Naruto lo ayudaron a iniciarse en esta disciplina y a lanzar su carrera.
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Wakuneko: los retratos gatunos realizados con needle felting

Esta artista japonesa ha encontrado en el needle felting la técnica perfecta para retratar a sus adorados felinos. Wakuneco significa, literalmente, gatos enmarcados y describe perfectamente el trabajo de esta artista japonesa que ha hecho del needle felting su herramienta para retratar adorables gatitos con un aspecto completamente realista y en tres dimensiones. La aventura de Wakuneco con los gatos comenzó en 2015 casi por casualidad, cuando esta amante de los felinos descubrió la técnica en una tienda de manualidades. No tardó en experimentar con el hilo y la lana, inspirándose en los gatos callejeros que siempre le habían llamado la atención.
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¿Quién le tiene miedo al arte conceptual?

Este documental es la manera más sencilla y divertida de aprender sobre el arte conceptual en menos de una hora. Frente la pregunta "¿qué es el arte?", resulta prácticamente imposible, para muchos, dar una respuesta atinada y otros empezarán el tórrido debate entre lo que sí es y lo que no es arte, harán la comparación entre bellos cuadros renacentistas y dudosas bolas de papel A4, siendo este último ejemplo el que hace referencia directamente al arte contemporáneo, al conceptual. Una corriente que el doctor e historiador James Fox nunca entendió realmente, y del que quiso buscar y encontrar respuestas con el documental, producido por la BBC, Who's Afraid of Conceptual Art? Antes del siglo XX, todo iba bien; el arte era identificable, hermoso, apreciable, a menudo caro, y con cierto grado de entendimiento. No fue hasta 1917, fecha en la que Marcel Duchamp creó 'Fountain' (metiendo un orinal firmado en una exposición afirmando que era arte), cuando se desató el infierno, generó dudas, objeciones y todo tipo de preguntas que colocaban en la cuerda floja la importancia del objeto por encima del concepto.
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3 vídeos de Andy Warhol que no te puedes perder

Con motivo del 90 aniversario de su nacimiento, recordamos el inmenso legado artístico del padre del Pop Art El 6 de agosto de 1928, Pittsburgh (Pensilvania), vio nacer a uno de los artistas visuales más importantes del siglo XX; genio y pilar en la creación y desarrollo del Pop Art: Andy Warhol. Han pasado más de tres décadas desde su muerte, pero su legado sigue intacto y podría decirse que no existe prácticamente nadie sobre la faz de la tierra que no conozca su obra. Estos días se conmemora el aniversario de su nacimiento y por eso hemos querido recopilar material audiovisual sobre el artista, mostrando al genio desde perspectivas a las que, quizás, estamos menos acostumbrados a verlo. A Day in the Life of Andy Warhol. Stephen Smith se reunió con amigos y confidentes de Warhol para acercarse al hombre detrás de la enigmática imagen pública, experimentando el día en la vida de la superestrella del Pop Art. Y es que, a pesar de que fue el creador de algunas de las piezas más memorables del siglo XX, hay quienes piensan que su mayor obra de arte era él mismo.
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¿Cuánto trabajo cuesta mantener el MoMA de Nueva York?

Esta serie documental que ha publicado el MoMA de Nueva York te descubre lo que se necesita para dirigir un museo. Seguramente todos, alguna vez, nos hemos preguntado qué hay detrás de una sala de exposiciones, de una muestra de arte o incluso de todo el museo. Pues, si te has sentido identificado con esta afirmación, te alegrará saber que los responsables del MoMA de Nueva York han publicado 'At The Museum', una serie documental de ocho episodios que muestra el "behind the scenes" de la institución artística. En este documental, que puede verse en el canal de Youtube del MoMA, el personal del museo nos enseña todo el trabajo que requiere un museo como este entre bambalinas, registrando el esfuerzo de muchísimas personas para diseñar, producir y abrir al público sus exhibiciones. El documental muestra tareas como el envío de documentación, las de restauración e instalación, y lo más grande: el embalaje y envío de cientos de valiosísimas obras de arte firmadas por Picasso, Cézanne, Rothko y Kooning.
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James Turrell: el mago de la luz, los colores y los espacios infinitos

Es más de medio siglo lo que James Turrell se ha encargado de honrar a la percepción, el espacio y la luz. Es difícil experimentar el verdadero significado de la palabra infinito, pero es aún más complicado tratar de encontrar ese significado por medio de la luz... James Turrell, un artista que transforma espacios, luces y neón en vida, lo ha venido haciendo, desde la década de los sesenta, con instalaciones que cuestionan nuestra comprensión sobre la percepción y la materialidad de la luz. "Uso la luz para explorar el significado de la percepción. Hago espacios que proyectan luz y la atrapan. Pero no hago la luz. La luz es un tesoro, una fuente de belleza y maravilla. La propiedad creativa no importa. Es como una sinfonía. ¿Cómo puedes ser el dueño de una sinfonía?" — Turrel para The Guardian, 2015.
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Aprende a pintar como Picasso, Kandinsky o Warhol... en 5 minutos

La Tate ha publicado una serie de vídeos para que aprendas a pintar como los grandes artistas del arte contemporáneo. Estamos acostumbrados a ver las obras de los grandes artistas desde lejos e incluso las hemos utilizado como fuente de inspiración, aunque no son muchos los que se atreven a emularles cuando hablamos no solo de estética, sino de las técnicas que estos artistas utilizaban para crear sus obras. Para poner remedio a esto y como un método de acercamiento al mundo del arte, la Galería Nacional de arte británico y arte moderno en Inglaterra (Tate) ha publicado una serie de vídeos en los que nos enseñan a pintar como Picasso, Kandinsky o Warhol ...¡en solo cinco minutos!
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Cuadros famosos reinterpretados en 3D

Algunos de los cuadros más célebres de la historia han sido reinterpretados y por una diseñadora 3D norteamericana. La maestría de sus pinceladas y su fabuloso uso del color nos mantiene todavía cautivados muchos años después de que famosos cuadros como los de René Magritte, Vincent van Gogh, Edward Hopper, Grant Wood o Andrew Wyeth hayan sido pintados. Son muchos los que han encontrado en estos lienzos su fuente de inspiración y han basado en ellos sus creaciones; como la artista norteamericana Yulia Pidlubnyak, que los ha recreado en tres dimensiones.
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Toco Toco TV: la serie documental sobre creativos japoneses

Lo mejor de la escena creativa japonesa abre sus puertas al mundo a través de una serie documental en Youtube. La cultura japonesa contemporánea es, posiblemente, una de las más interesantes y vastas en todo el mundo: anime, videojuegos, cómics, arte, diseño, arquitectura... A veces suele ser tanta información, que la que queremos conocer específicamente se dispersa, y por eso Toco Toco TV decidió poner manos a la obra y producir una serie web que nos acerca el trabajo de distintos creativos de Japón. Son pequeños cortometrajes documental cuya duración varía entre los 10 y los 20 minutos, abriéndonos las puertas a una de las escenas creativas más prolíficas e interesantes del mundo. La serie lleva ya cuatro temporadas y esta última estuvo inaugurada por Hisashi Eguchi, artista del manga y uno de los ilustradores de personajes femeninos más destacados de Japón, quien se confiesa fuertemente influenciado por el arte pop estadounidense a través del trabajo de Roy Lichtenstein y Andy Warhol. Hisashi ha descrito su estilo como simple: "Me gusta usar líneas organizadas. Cuantas menos líneas, mejor". Puedes ver el capítulo dedicado a Hisashi Eguchi aquí:
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Vermibus: disolviendo la moda para convertirla en arte

En el arte urbano contemporáneo ha surgido un nombre con un estilo que más que hacer, se dedica a disolver. Nacido en España pero afincado en Alemania, Vermibus es un artista contemporáneo que utiliza el espacio público como medio para criticar el valor estético de la sociedad de consumo y la deshumanización sobre la identidad de la persona para reemplazarla por una marca. Vermibus, que actúa de manera anónima, se apropia de los iconos de moda y utiliza los carteles publicitarios como lienzo. Su trabajo, o mejor dicho su técnica, consiste en intervenir estos gráficos utilizando con disolvente en lugar de pintura, eliminando los colores de la imagen existente para crear otra con nuevos caracteres. Con esta técnica desfigura las caras y deforma la piel de los modelos, así como los logotipos de las marcas que representan. El propio autor describe esta acción como una rehumanizanización de las figuras que, a su entender, ya se han vuelto impersonales, tratando de encontrar el aura del individuo, la personalidad que se perdió.
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El Museo van Gogh comparte cientos de obras del artista en alta calidad

El Museo van Gogh permite explorar y descargar buena parte de las obras del artista para uso no comercial. A pesar de haber vivido una corta vida, la actividad artística de Vincent van Gogh fue extensa; se sabe que pintó casi un millar de cuadros y son todavía más sus dibujos. Desgraciadamente, el reconocimiento no le llegó en vida, aunque hoy en día se le reconoce como uno de los principales exponentes del postimpresionismo y cualquiera reconocería sus pinturas como auténticas obras de arte. Su legado artístico está custodiado en museos y galerías entre las que destaca el Museo van Gogh de Ámsterdam, que da cobijo a centenares de pinturas y dibujos del artista neerlandés y que, además de exponerlos en sus paredes, ha digitalizado y compartido buena parte de la obra de van Gogh y nos permite explorarla a través de su catálogo.
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30 años después, Keith Haring vuelve a ver la luz en Ámsterdam

Después de permanecer cubierto durante más de 30 años, este mural de Keith Haring vuelve a ver la luz en Ámsterdam. Fue en marzo de 1986 cuando Keith Haring inauguró su muestra en el Stedelijk Museum de Ámsterdam. El artista había realizado una enorme y colorida pintura en el interior del museo, pero insistió también en crear una pieza que pudiese ser visible por el público general, y la galería le cedió uno de sus muros externos. Haring pasó dos días completos encaramado a un andamio, pintando una figura de líneas blancas sobre la fachada de lo que después se convirtió en un almacén. El mural permaneció expuesto a la intemperie, visible para cualquiera que pasase por delante, pero apenas unos años más tarde y por motivos de control de clima y temperatura de las mercancías almacenadas dentro del edificio, la obra de Haring fue cubierta con paneles metálicos.
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#noporamoralarte, una iniciativa para acabar con el trabajo no remunerado

Esta iniciativa busca defender el trabajo de los artistas visuales a recibir una remuneración justa por su trabajo. La expresión "por amor al arte" se utiliza en todo tipo de ámbitos y muestra que una actividad se realiza por el mero gozo de realizarla, sin esperar nada a cambio. Muchos profesionales del mundo del arte y la cultura, sin embargo, aunque aman su trabajo, todavía luchan por ver reconocidos sus derechos a percibir una compensación por el trabajo realizado, más allá de la tan socorrida promesa de obtener "visibilidad" y "repercusión". Y es por esto por lo que surgen movimientos como #noporamoralarte, una iniciativa impulsada por PAC (Plataforma de Arte Contemporáneo) en colaboración con Swinton & Grant, que busca dar visibilidad a las situaciones en las que, muchas veces, se ven inmersos los artistas gráficos y reivindicar el trabajo remunerado.
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Seis galerías en la Ciudad de México que no te puedes perder

Seleccionamos algunas de nuestras galerías destacadas de entre la oferta artística que ofrece la capital de México La Ciudad de México cuenta con más de 170 museos y galerías, convirtiendo a la capital mexicana en la segunda ciudad del mundo con mayor de número de espacios dedicados al arte. Con una oferta tan amplia, es normal que las opciones incluyan algunos de los más icónicos y clásicos, como el Museo de Antropología e Historia; otros que destacan por su propuesta arquitectónica, como el Soumaya; sin olvidarnos de los mundialmente reconocidos como Kurimanzutto. Pero existe una amplia oferta de espacios y galerías –usualmente más abiertos a presentar nuevas tendencias, corrientes y técnicas– cuyas propuestas mutan más allá de la simple sala de exposición, ofreciendo una relación directa entre los visitantes y artistas, impulsando el diseño y arte a través de talleres, tiendas, conferencias y archivos accesibles a todo tipo de público. Hemos hecho una pequeña selección de aquellos espacios consagrados al arte, de todos los tamaños y propuestas, que por una razón u otra, consideramos que merecen una mención especial dentro de la oferta cultural de la Ciudad de México:
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Lecciones de Guillermo del Toro para la vida creativa

El director mexicano ha ofrecido una serie de conferencias imperdibles acerca de la creatividad y cómo contar historias. Guillermo del Toro está haciendo de 2018 un año de gira en el que comparte su ingenio, sabiduría, experiencia y consejos alrededor del mundo. Resulta fascinante dejarse inspirar y poder aprender de uno de los genios contemporáneos más admirados y queridos, una persona que ha sabido encontrar las claves y aprovechar las oportunidades que se le han ido presentando. Algunas de esas citas tuvieron lugar en su México natal. Fue invitado de honor en el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) y posteriormente en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara (FICG) y en ambos ofreció sendas master classes que se convirtieron en un hervidero de ideas aplicables tanto en la vida cotidiana como en ámbitos más creativos. Y nos regaló perlas como estas, sobre cómo empezar a hacer cine (o cualquier cosa): "Muchas veces estamos esperando que venga alguien y que nos rescate. Si sólo tienes la cámara de tu iPhone, y eso es lo único que tienes, tienes más de lo que tenía cualquier persona en 1940. Con esa herramienta te puedes entrenar para contar una historia, aprender a fragmentar correctamente." ¿Lo mejor? Muchas de estas lecciones fueron grabadas y pueden verse en internet libremente. En este artículo recopilamos algunas de ellas.
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Pepe Gimeno: las leyes de la percepción visual para una composición perfecta

Pepe Gimeno, en este curso, explica cómo llevar a cabo una composición perfecta en cualquier proyecto visual. La trayectoria de Pepe Gimeno como diseñador gráfico, tipógrafo e ilustrador está plagada de éxitos. Su especial sentimiento y visión de la estética le ha abierto las puertas a trabajar la imagen de marcas de alcance internacional e instituciones como Roca, Lladró o la Fundación Bancaja y su tipografía, 'FF Pepe', le ha valido un Type Design Award otorgado por el Type Directors Club de Nueva York. Pero, como es lógico, incluso un maestro como Gimeno se apoya en principios perfectamente estudiados para dar forma a sus composiciones, especialmente en su faceta artística, que desarrolla a partir de desechos encontrados. Estos principios, que explica pormenorizadamente en el curso que imparte en Domestika, son Las leyes de la percepción visual: unidad, peso, equilibrio y movimiento.
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La mayor exposición sobre Frida Kahlo es de acceso libre

Google, con la colaboración de varios museos y galerías, ha puesto en marcha la mayor exposición sobre Frida Kahlo. El legado de Frida Kahlo es vastísimo; no solo su obra se puede encontrar en diversos puntos del globo, con el tiempo su figura y su obra se han convertido en objetos de culto y no resulta complicado reconocerla como fuente de inspiración en ámbitos que se relacionan con el arte e incluso en otros que difieren completamente de él. El arte de Frida Kahlo es un símbolo de México y es allí donde se encuentra la mayor parte de su obra, pero Google Art & Culture, el proyecto artístico de este gigante de internet, acaba de estrenar la exposición más grande sobre Frida Kahlo jamás organizada: las Caras de Frida.
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El arte urbano colorido y angular de Eltono

El encuentro inesperado con el arte forman parte del adn del trabajo de Eltono casi tanto como las formas y el color. La relación de Eltono con el arte comenzó como comienzan las de mucho otros artistas: en la calle. Fue allí, concretamente sobre la superficie fría de los trenes que pintaba clandestinamente en su París natal, donde aprendió a apreciar el valor del color y las formas. Su estilo ha evolucionado desde aquellos tiempos en los que se lanzaba a las calles con un bote de espray en la mano durante sus primeros años como grafitero; su personalidad se fue definiendo durante los años que vivió en Madrid, momento en el que empezaron a aparecer las características figuras angulosas y llenas de color que caracterizan su trabajo.
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El collage minimalista y retro de Cristiana Couceiro

Lejos de la imagen mental que nos hacemos hablando de collage, está el trabajo minimalista de esta portuguesa. Collage no es siempre sinónimo de un abarrotamiento de elementos de aquí y allá, combinados para dar forma a una nueva composición. A veces, el collage puede estar compuesto de un puñado de imágenes, figuras y formas que, sorprendentemente, culminan en una composición minimalista. Claro ejemplo de ello es el trabajo de Cristiana Couceiro, una ilustradora y diseñadora portuguesa que basa su trabajo de collage en las fotografías retro y las figuras geométricas.
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Explora los grabados de Escher en alta resolución

La Biblioteca Pública de Boston ha digitalizado varias decenas de grabados de Escher para que los podamos explorar. Enigmática y brillante a partes iguales, la obra de M. C. Escher es digna de admiración y estudio, por eso no resulta extraño que algunos de sus grabados pertenezcan a instituciones que las guardan a buen recaudo o las exponen para que el gran público pueda disfrutarlas. Una de estas instituciones es la Biblioteca Pública de Boston –la mayor biblioteca municipal de Estados Unidos– quienes han digitalizado casi una centena de estos grabados para que cualquiera, accediendo a sus archivos, pueda explorarlas y conocer todos los recovecos de las construcciones imposibles que Escher ideó y dibujó a lo largo de su carrera.
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Las pinturas bordadas de Cayce Zavaglia

Aunque perecen pinturas, estos retratos hiperrealistas han sido bordados con hilo, aguja y mucha paciencia. Es probable que te cueste creerlo, pero todas y cada una de las imágenes que acompañan este artículo han sido creadas con hilo y aguja. Parece pinturas, pero no lo son, aunque la artista que las ha creado, Cayce Zavaglia, sí se ha inspirado en su propia formación como artista plástica para tejer estos bordados hiperrealistas que tienen como protagonistas a personas de carne y hueso: familiares, amigos y otros artistas.
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Arte a partir de objetos encontrados

Para Meyer cualquier material es susceptible de convertirse en arte con la dosis exacta de orden y equilibrio visual. Como diseñadora de atrezo, la artista norteamericana Kristen Meyer está acostumbrada a trabajar con todo tipo de materiales, alterando su estado y su lugar natural para transformarlos en cosas que no son lo que parecen. Inspirada por la posibilidad metamórfica de los materiales y su belleza como materia prima para crear objetos inesperados, se ha lanzado a crear una serie en la que juega con elementos naturales como piedras, hojas, troncos, musgo o plumas (aunque en ocasiones también se atreve con ingredientes comestibles), ordenándolos hasta crear perfectas figuras geométricas o estudiadas composiciones.
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¿"Y si..." unas cartas impulsasen tu creatividad?

Una sencilla pregunta que te obliga a replantear algo que dabas por sentado podría ser el acelerador para tu creatividad. Una de las primeras temporadas de la serie animada Futurama, creada por Matt Groening y ambientada en un hipotético futuro en el que todo tipo de situaciones inverosímiles parecen posibles, el profesor Hubert J. Farnsworth inventa la máquina "¿Y si?", que les permite imaginar y descubrir que ocurriría si alguna de sus circunstancias actuales fueran de otra manera. Lo que propone Triggers es desarrollar esta imaginación del mismo modo que lo haría la máquina del profesor Hubert, aunque de una manera más rudimentaria y creativa: usando nuestro cerebro, intuición y una baraja de cartas exquisitamente diseñada.
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El arte urbano acerca los mandalas a la ciudad

Este artista urbano crea auténticos oasis en forma de mandala y los planta, de manera inesperada, en medio de la ciudad. En contraposición a la vida caótica y bulliciosa reinante en la mayoría de las ciudades, símbolo de la modernidad, se encuentran los vetustos mandalas unas representaciones gráficas espirituales del macrocosmos y el microcosmos, utilizadas en el budismo y el hinduismo para simbolizar el espacio sagrado y cuya representación está considerada como una de las múltiples técnicas de relajación orientales. El artista urbano Arthur-Louis Ignoré, más conocido como ALI, aúna estos dos conceptos por medio del grafiti.
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Collage multidimensional en 3D

El artista norteamericano, Alex Eckman-Lawn, nos abre las puertas al collage multidimensional lúgubre y surrealista. Más que simple collage, el de Alex Eckman-Lawn es un trabajo de arqueología de papel. No tanto por la profundidad a la que se sumerge para encontrar la materia prima para sus proyectos –proveniente de antiguos libros médicos o pinturas e ilustraciones más modernas– sino también por la multidimensión a la que sume al espectador cuando le invita a asomarse en lo más profundo de sus collages.
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Prótesis artísticas para luchar contra los prejuicios

El lienzo de esta artista es muy especial. Crea obras de arte prostéticas a partir de la personalidad de sus clientes. Lejos, muy lejos, de las prótesis ortopédicas que todos estamos acostumbrados a ver, está el trabajo de Sophie Oliveira Barata. Sus piezas cumplen la misma función, con la diferencia de que las que esta artista fabrica se adaptan perfectamente no solo a las necesidades físicas de quien las lleva, sino que sirven también para mostrar algo más acerca de su personalidad. Lo que Oliveira crea en The alternative limb project son obras de arte funcionales y únicas que ponen sobre la mesa la diversidad corporal.
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La abuela del píxel art ilustra con Microsoft Paint

Esta valenciana, nacida en los años 30, no necesita más que una versión antigua del Paint para crear obras de arte digital. Su nombre es Concha García Zaera y como indica su biografía en Instagram (@conchagzaera) es una señora de 87 años a la que le gusta pintar con el programa Paint. Esta mujer española está revolucionando las redes sociales y los medios de comunicación con sus ilustraciones digitales creadas con este rudimentario programa de edición de imagen. Su relación con la pintura inició de manera tradicional, siempre fue una aficionada del arte pero fue con 70 años, cuando se apuntó a clases, cuando comenzó a disfrutar verdaderamente de la pintura al óleo.
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'Mujeres que cortan y pegan': la comunidad del collage hecho por mujeres

Infinidad de mujeres se dedican al collage como forma de expresión artística, esta comunidad es para ellas. Mujeres que cortan y pegan es una iniciativa que comenzó un 8 de marzo como un simple post en godArt Creative Lab. En él Anna Roig, Javier Magerit y Natalia Romay homenajeaban a las "Mujeres luchadoras. Mujeres guerreras. Mujeres creadoras. Mujeres que utilizan el collage como medio de expresión", a las mujeres que han seguido el camino marcado por artistas como Hannah Höch, Grete Stern, Varvara Stepánova, Genesis Breyer P-Orridge o Valentina Kulagina y casi sin saberlo, con ese artículo estaban plantado la semilla de lo que que hoy es Mujeres que cortan y pegan.
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