Todas las caras del arte: tendencias, propuestas, perfiles e inspiración de todo tipo.
Asómbrate con el trabajo de estos artistas que usan las calles como lienzo En Argentina se ha formado una generación de artistas urbanos, llenando de color el asfalto y convirtiendo los espacios públicos en ambientes cargados de emociones y sensaciones. Mira a continuación una lista con creadores argentinos que, por medio de la pintura y el graffiti, han cambiado la forma en que percibimos el exterior.
Conoce la influencia de la estampa tradicional japonesa en la obra del pintor La fascinación del Occidente por lo oriental no es algo reciente. A finales del siglo XIX, la comunidad artística occidental cultivó un enorme interés por todo lo oriental. Vincent van Gogh (1853-1890) fue un gran amante de la estética y el arte tradicional japonés, que tuvo una gran influencia en su obra.
Conoce en línea la obra de la célebre pintora modernista Considerada una de las representantes más influyentes del modernismo estadounidense, Georgia O’Keeffe es además una de las pintoras más reconocidas en la historia del arte. Una de sus pinturas se vendió por más de 44 millones de dólares, el mayor récord para una mujer. Aunque los críticos afirman que la obra de O’Keeffe trata principalmente sobre temas sexuales, ella afirmó que solo estaba interesada en la forma y la belleza de la naturaleza. A lo largo de su vida luchó contra los prejuicios contra su género.
Inspírate con la obra del máximo expositor del art noveau en las artes gráficas Alphonse —Alfons— Mucha (1860-1939) fue un artista visual, pintor e ilustrador checo que se convirtió en una de las piezas clave del arte del nuevo siglo, La Belle Époque parisina y el art noveau. Incursionó en diseño gráfico, pintura, ilustración escultura, diseño de joyería, fotografía, decoración de interiores y empaque de productos. Fue una influencia innegable en el arte del siglo XX, y para celebrar 130 años de su nacimiento, recopilamos 5 claves en el desarrollo de su obra.
Encuentra cientos de miles de ilustraciones en la base de datos de ukiyo-e más completa La xilografía, o impresión en plancha de madera, es una de las formas de arte más famosas en Japón. Es una técnica elaborada que introdujeron los monjes en los templos para reproducir eficientemente textos budistas. En la actualidad la asociamos con el arte ukiyo-e, las ilustraciones de los siglos XVII a XIX que capturan escenas de la vida cotidiana: el teatro kabuki, geishas y cortesanas, luchadores de sumo, leyendas tradicionales y paisajes.
La tinta china ha sido esencial durante miles de años de historia en el país asiático que le da nombre Todos los materiales de dibujo que utilizamos tienen su historia, y algunas de ellas se remontan muchísimo antes de lo que podamos imaginar. Es el caso de la tinta china, usada en disciplinas que van desde el tattoo hasta el cómic, y cuya existencia está vinculada profundamente a la historia del país que le da nombre. Descubre en el vídeo a continuación todo lo que siempre quisiste saber sobre la tinta china: sus orígenes, los por qués de su importancia tanto en su país como en el resto del mundo, y su inesperada vinculación a aspectos que van desde lo político hasta lo económico, llegando, finalmente, a lo artístico.
Una selección de pinturas, dibujos e ilustraciones de creadores de todo el mundo Los lápices, el óleo, el acrílico y mucha imaginación dan vida a imágenes tan perfectas que parecen fotografías, aunque las producen talentosos pintores e ilustradores hiperrealistas. En plena era digital, donde prácticamente todos tienen una excelente cámara de alta definición conectada a sus teléfonos celulares, estos creadores desafían los límites del arte figurativo y continúan la tradición de buscar una fiabilidad extrema en la reproducción de paisajes, objetos, situaciones y personas. Este legado se remonta mucho antes de la aparición del término hiperrealismo, en los Estados Unidos, en la década de los sesenta. Después de todo, fue esta escuela de maestros de un pasado más remoto (Canaletto), más cercano (Edward Hopper, Daniel Ridgway Knight) o incluso de las últimas décadas (Antonio López, David Parrish), y que hoy no se manifiesta únicamente en pintura, sino en escultura, en las famosas obras de Ron Mueck, Kazuhiro Tsuji o Giovani Caramello. En Domestika, tenemos un ejemplo de un gran artista hiperrealista contemporáneo, el argentino Néstor Canavarro, profesor en el curso Retrato realista con lápices de colores.
Que el arte esté a disposición de toda la población no es una máxima universal: se nos ocurrió hace apenas unos siglos Tendemos a pensar que todo lo que nos rodea siempre estuvo ahí, como si fuese algo natural. Los museos, encargados de preservar y difundir el legado del arte y la cultura de todas las épocas, se han convertido en una parte tan central de las vidas de muchos de nosotros que casi es imposible imaginar un mundo en el que no existan.
Conoce los instrumentos y tipos de pintura más comunes con un glosario de términos Si quieres iniciarte en la pintura, tal vez te suceda que al encontrarte con tantos tipos de materiales, no sepas por dónde empezar. O bien, quizá quieras conocer un poco más sobre las herramientas que ya has comenzado a usar. En cualquiera de estos casos, preparamos para ti un glosario de términos básicos de pintura. Al final de este post podrás descargar un PDF con todos los términos para que los tengas siempre a la mano.
Conoce museos con colecciones extrañas, inesperadas y sorprendentes Los museos surgieron para preservar la historia de la humanidad, la naturaleza y la realidad que nos rodea. Originalmente estuvieron pensados para las élites con acceso a la vida intelectual, y mostraban objetos que se consideraban valiosos por distintas razones. Hoy existen colecciones de todo tipo que tienen definiciones más laxas sobre lo que puede considerarse digno de atención, pero que sin duda estimulan nuestra creatividad e incluso, nuestro sentido del humor. Aquí hay una lista con diez de los museos más peculiares del mundo. ¿Qué otros museos extraños conoces?
Empleado en construcciones por diversas culturas con propósitos decorativos, el azulejo ha ganado diferentes usos y se mantiene vivo en la memoria de muchos Es común y habitual que se usen diferentes materiales en la labor arquitectónica, pero quizá ninguno de ellos es tan popular y versátil como el azulejo. Eso se debe no solo a lo variados y vibrantes que pueden ser sus diseños, sino también a la facilidad de su producción, popularizada a partir del siglo XVIII. Los primeros registros de azulejos en la historia se remontan al Antiguo Egipto y Mesopotamia, cundiendo especialmente entre los árabes. No fue sino en el siglo XIV, sin embargo, cuando el azulejo alcanzó Europa, volviéndose un símbolo de status en países como España, Holanda y Portugal. Descubre la popular trayectoria de ese elemento en el vídeo a continuación:
Inspírate con la refinada obra de este influyente dibujante colombiano José Antonio Suárez Londoño es, hasta que venga alguien a demostrar lo contrario, el mejor dibujante de Colombia. Lo curioso es que Suárez Londoño dibuja, aparentemente sin personajes y sin historia. Digo aparentemente porque esa es su historia, la suya propia, pasarse la vida dibujando lo que sea: todas las plantas del jardín de doña Gloria, un tarjetón diario, algo que encontró en unas fotos antiguas, unos juegos matemáticos aplicados al dibujo, un sinfín de variaciones sobre del mismo objeto o lo que sea.
Resistencias numéricas: el arte digital como espacio de salvación para la cultura La construcción del mundo digital se ha creado siempre desde la paradoja y comparativa establecida hacia el mundo real. Todas las referencias visuales, significativas y funcionales que nuestros entornos digitales presentaron en los orígenes de su creación, provenían de las estructuras ya creadas en nuestro entorno inmediato y físico. Fácilmente podemos recordar el botón de Stop en aquel primigenio navegador Mosaic, que compartía color e ícono con la simbólica señal de tráfico. Ambos símbolos indicaban lo mismo: un corte de circulación, una parada en el flujo, una detención de actividad.
Conoce edificios emblemáticos diseñados en São Paulo por la arquitecta nacida en Italia y naturalizada brasileña, cuyo aniversario de muerte se conmemora este 20 de marzo Un 20 de marzo de hace 28 años murió una de las pocas mujeres integrantes del selecto club de los mayores arquitectos brasileños. Como si no bastara con haber diseñado uno de los edificios más famosos de Brasil, el del Museo de Arte de São Paulo (Masp), Lina Bo Bardi dejó otras obras en esa metrópoli que son, en sí mismas, definiciones de una utopía urbana. La integración entre diferentes culturas, y entre el hormigón armado y la naturaleza, así como la resignificación de espacios abandonados por la expansión imparable de las urbes, son ideas que Lina puso en práctica. Desde muy pronto. Es lo que podrás ver en este vídeo sobre algunos de sus hitos:
Realiza tours virtuales por algunos de los museos más maravillosos del mundo Gracias al cuidado de los muséografos, historiadores, curadores y fotógrafos de todos los rincones de la tierra, podemos visitar las colecciones de arte e historia de prácticamente todos los grandes museos de todos los continentes. Esta recopilación incluye museos de distintas latitudes que ofrecen recorridos virtuales por sus salas, ya sea por medio de sus sitios o en colaboración con Google Arts & Culture. Conoce virtualmente veinte maravillosos museos con recorridos virtuales con tecnología 360, o bien, con información sumamente detallada de las piezas de sus acervos. ¡Disfrútalos todos!
Conoce la obra de las arquitectas que ganaron el Pritzker Architecture Prize 2020 Conocido comúnmente como el “premio Nobel” de arquitectura, el Pritzker Architecture Prize se otorga cada año para reconocer la trayectoria de arquitectos vivos por su contribución a este arte. Desde su creación en 1979 hasta ahora, solo tres mujeres habían recibido el premio: una de forma individual —Zaha Hadid en 2004—, y otras dos en sociedad con un hombre —Kazuyo Sejima y Carme Pigem en 2010 y 2017, respectivamente—. En 2020 el estudio Grafton Architects, encabezado por dos mujeres, recibió el renombrado premio. Las irlandesas Yvonne Farrell y Shelley McNamara son dos arquitectas y educadoras cuyos espacios son a la vez modernos y respetuosos del pasado. Además, son líderes en procesos de sostenibilidad y cambio climático en sus construcciones.
Joel Santana, diseñador de personajes e ilustrador, se enfrenta al Challenge Domestika La carrera de Joel Santana (@themaddhattr) se extiende desde ilustraciones para campañas de publicidad, hasta diseño de empaques y juguetes. Ha desarrollado proyectos para clientes tan conocidos como Walt Disney World Orlando y Champs Sports. Pero seguro que nadie le había planteado un reto como este… En el Challenge Domestika, el ilustrador solo tiene cinco minutos para dibujar un personaje desde cero un persona con una tableta gráfica. ¿Lo conseguirá? Descúbrelo en el siguiente vídeo:
Conoce la obra de creativos que usaron a sus gatos en sus obras artísticas Desde el dibujo hasta la arquitectura, recopilamos una lista de diez artistas amantes de los gatos que usaron a los felinos como fuente de inspiración. Como sabrán todos los amantes de los gatos, la vida de estos artistas estaba muy unida a la de sus mascotas: recorrían sus estudios, interrumpían su trabajo, y muy a menudo, sirvieron de modelos y objetos de estudio para su producción.
Conoce a los especialistas en preservar la cultura y las artes y cuáles son sus principales campos de acción La conservación del arte es la disciplina por la que se preserva el patrimonio cultural, ya sea por medio del análisis, documentación o restauración. Los restauradores tienen la misión de hacer que una pieza artística se acerque lo más posible a su estado original, o bien, de impedir su deterioro. Los restauradores y conservadores no solo luchan contra el paso inevitable del tiempo, sino contra factores como desastres naturales, contaminación y vandalismo. Son profesionales con conocimientos profundos sobre arte, historia y ciencia. Recopilamos algunos videos que muestran detalladamente los procesos de conservación y restauración de muchos tipos de objetos, que además corresponden con las principales áreas de especialización de los restauradores. Al final incluimos una lista de tres canales de grandes museos que tienen series de vídeos sobre conservación.
Descubre en el siguiente vídeo algunas hipótesis sobre la relación entre el azul y los ánimos bajos Hoy es Blue Monday, conocido como el "día más triste del año"... al menos en el hemisferio norte, donde el invierno se encuentra literalmente en su apogeo. Una efemérides que toma su colorido nombre de la habitual asociación de la palabra blue, en inglés a la apatía, la melancolía y en general las pocas ganas de salir de debajo de las mantas por las mañanas. Pero... ¿de dónde surge esa relación entre el azul, el color favorito de millones de personas, y la tristeza? Lo cierto es que dar una sola respuesta es prácticamente imposible, así que te proponemos varias hipótesis, que van desde la poesía inglesa hasta la pintura romántica, pasando por el estudio de la psicología del color o las tradiciones marítimas. Descúbrelas todas en el siguiente vídeo:
La obra de algunos de los más célebres artistas plásticos de la historia, ahora disponibles de manera libre y gratuita Visitar cada uno de los rincones de los numerosísimos museos de París puede resultar abrumador, las salas de sus pinacotecas salvaguardan siglos de historia del arte y harían falta varias vidas para poder detenerse a admirar con el detenimiento que se merecen cada una de las pinceladas que los más célebres artistas han dejado plasmadas sobre el lienzo. Pero, recientemente, la ciudad francesa ha decidido ponérnoslo un poco más sencillo compartiendo más de 100 000 obras de arte digitalizadas para que cualquiera pueda no solo explorarlas de manera digital, sino también disponer de muchas de ellas de manera completamente libre.
¿Sabías que el naranja se obtenía de minerales altamente tóxicos? ¿Sabías cual es el significado real de la palabra naranja o de dónde proviene? Respondemos a esta pregunta y muchas más para descubrir los secretos de este llamativo color
Touch Wood Exhibition expondrá el trabajo de más de 50 artistas internacionales y destinará los beneficios a la protección del planeta Que ya haya terminado la Global Climate Strike no significa que debamos dejar de luchar por la buena salud de nuestro planeta: desarrollar un estilo de vida consciente de ello nos ayuda, como artistas pero también como personas, a asegurar un mejor futuro para las generaciones que vendrán. En ese sentido, surgen constantemente iniciativas que, a través del arte, buscan concienciar al público general sobre los peligros del cambio climático. Y precisamente en esa encrucijada entre arte y consciencia se encuentra Touch Wood Exhibition, una iniciativa del ilustrador y diseñador Thomas Danthony y Clare Mabin. Del 17 al 20 de octubre, en la Truman Brewery's Dray Walk Gallery, de Londres, más de 50 artistas internacionales expondrán y venderán piezas originales creadas expresamente para esta exposición; todos los fondos se destinarán a la organización por el medio ambiente World Land Trust, con el objetivo de salvar más de 700 hectáreas de suelo en zonas amenazadas. En el evento, se expondrán piezas de, entre muchos otros, artistas como Javier Jaén (profesor del curso online 'Ilustración editorial'), Hey Studio, Malika Favre o Jean Jullien. Entrevistamos a Thomas y Clare para conocer más sobre Touch Wood y el camino que les llevó hasta aquí.
¿Qué separa a los artistas exitosos de los aficionados? El modelista y animador Andrew Price te da algunos consejos para mejorar tu desarrollo artístico Durante 2015, el creador Andrew Price, realizó una apuesta con uno de sus primos: quién obtuviera 1000 likes en seis meses por su trabajo de pintura y dibujo 2D, ganaría $1,000. Seis meses después, Andrew lo consiguió y se convirtió en el punto de partida para la charla que daría en el Blender Conference 2016, títulada The Habits of Effective Artists. Una presentación en la que comparte mucho sobre cómo ser un artista más efectivo, los hábitos y prácticas de los mejores artistas de CG y algunos trucos y consejos para mejorar el trabajo propio.
Conoce, de la mano de Susana Domínguez, cuál el significado y valor de un libro de artista La encuadernación artística responde a una necesidad plástica. Susana Domínguez –artista dedicada al diseño de encuadernación artística– utiliza el arte de la encuadernación para crear obras únicas; las técnicas artesanales que aplica se convierten en el proceso perfecto para encuadernar publicaciones con un valor especial como pueden ser los libros de artista. En 2017 le fue otorgado el Premio Nacional de Encuadernación Artística en España, ahora te enseña qué son los libros de artista usando algunos ejemplos con presentación única y diferente en términos de forma, imagen y texto.
Preguntamos a la comunidad de Domestika a través de Instagram cuáles son sus artistas brasileños favoritos Hace algunos días lanzamos en Instagram Stories la pregunta para conocer a los artistas brasileños favoritos de la comunidad Domestika, te presentamos esa lista llena de color, tradición, festividad, alegría, líneas y letras; donde todos han desarrollado su mayor pasión, impregnando cada pieza con su esencia y amor a la creatividad.
En el 91 aniversario de su nacimiento, hacemos un breve repaso a uno de los artistas más rompedores de la historia Imposible pensar en una lata de sopa de tomate Campbell sin acordarnos de él. Así de importante es la influencia de Andy Warhol (Andrew Warhola, nacido el 6 de agosto de 1929), cuyo papel en el desarrollo y la difusión del pop art llega hasta nuestros días. Aunque su polifacética personalidad le convirtió en muchas cosas –desde artista hasta líder de opinión, pasando por polemista profesional– y es difícil quedarse solo con alguna de ellas, lo hemos intentado. De todos los Warhol posibles, aquí tienes cuatro formas de recordar al maestro del pop art.
Julius Wiedemann nos explica qué es un curador de arte y en qué consiste exactamente su labor en el marco de una exposición Aunque como visitantes y amantes del arte estemos acostumbrados a cruzar el umbral de un museo o una galería y ver las obras seleccionadas y expuestas con sumo cuidado, lógicamente, existe un proceso con criterios de lo más variados detrás de la elección de cada obra. El encargado de llevar a cabo esta selección es el curador y aunque su figura quizás no es la más visible y reconocida, sí es quizás una de las más importantes. Para conocer mejor la labor de un curator hemos hablado con Julius Wiedemann, editor senior de la casa editorial TASCHEN con casi dos décadas de experiencia en publicaciones relacionadas con el arte, el diseño y la cultura pop.
El arte, el código y el internet son los pilares que sostienen la arquitectura de estos museos Sin el avance tecnológico de la última década, probablemente nunca habríamos tenido la oportunidad de conocer las obras, colecciones y hasta instalaciones de diversos museos gracias a internet y la realidad virtual; museos tradicionales como El Prado en Madrid, el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México o el Louvre de París, se han encargado de crear experiencias únicas para sus visitantes digitales a través de diversas iniciativas de digitalización del patrimonio cultural: pueden verse fotografías en alta calidad de las obras, videos de recorridos por sus salas y hasta visitas virtuales interactivas. Pero también se han creado museos meramente digitales que existen gracias a la tecnología. Esto ha permitido establecer nuevos escenarios museísticos que rompen las limitaciones del espacio real. Los museos virtuales exponen obras de arte digital, net art, web art, glitch, etc., dentro de un entorno inmaterial ubicado en internet. Dicho de otra manera, son un conjunto de objetos artísticos y de información creativa guardados en un servidor.
El movimiento del agua y la manera en que refleja la luz del sol son la inspiración de estar artista del impresionismo contemporáneo Artistas clásicos como Monet, Renoir, Degas o Cézanne fueron algunos de los primeros en sentir la necesidad de plasmar sobre el lienzo ese instante irrepetible que regala la luz natural en un momento determinado. Han pasado siglos desde la fundación del movimiento impresionista, pero el ojo humano no ha dejado de sorprenderse y ansiar capturar el tempus fugit con las mismas o similares técnicas con las que lo hicieron los maestros del pasado. Michele Poirier-Mozzone es una de estas artistas que se emocionan con las texturas de la propia naturaleza y ha creado una serie basada en el movimiento del agua, capturando, como una máquina fotográfica, los movimientos de las corrientes y el mecer de los cuerpos sumergidos, creando una zona donde el tiempo, las preocupaciones y el mundo exterior se desvanecen.