Nuove abilità, progetti, idee e curiosità nel mondo dell'illustrazione.
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Incontra Amy Sherald, l'artista dietro il ritratto di Michelle Obama, e scopri come il suo lavoro sta trasformando l'arte contemporanea. Amy Sherald è una figura influente nell'arte contemporanea per il suo stile unico e la sua rappresentazione dignitosa della comunità afroamericana. La sua fama internazionale è cresciuta dopo aver ritratto ufficialmente Michelle Obama, ma la sua carriera era già significativa.
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Iniziare a illustrare è emozionante, ma è facile commettere errori che rallentano i progressi. Questo articolo analizza gli sbagli più frequenti tra i principianti e offre consigli pratici per evitarli, così da migliorare le proprie competenze in modo più efficace. La frustrazione è del tutto normale quando si è agli inizi. Molti principianti guardano gli illustratori professionisti sui social media e si chiedono: "Come fanno a creare opere così straordinarie?" La verità è che, con il tempo e la pratica, gli errori più comuni scompaiono gradualmente. In questo articolo vedremo gli sbagli più frequenti e come superarli.
Incontra illustratori stimolanti da tutto il mondo con stili unici Quest'anno ho inaugurato una sezione sul blog Domestika chiamata Puño Recommends, in cui condivido i lavori di alcuni degli illustratori che trovo più stimolanti. Di seguito ne abbiamo raccolti alcuni per ispirarvi con il loro lavoro, qualunque sia il vostro stile di disegno o illustrazione. Se vuoi vedere altre mie selezioni e i commenti sui lavori di ogni persona, clicca sul loro nome (evidenziato in rosso).
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Imparate a lavorare con gli acquerelli in modo semplice ed efficace: dalla preparazione dei materiali alla creazione di trasparenze e sfumature. Siete appassionati di acquerello e volete migliorare le vostre capacità? In questo tutorial, la talentuosa pittrice e illustratrice Joana Santamans condivide tecniche di base e suggerimenti per creare effetti unici nei vostri dipinti.
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Quando smettiamo di lottare con i nostri errori e scegliamo invece di conviverci, appare un nuovo atteggiamento che riconnette l'illustratore con il proprio lavoro imperfetto, con nuovi legami molto più sani e, soprattutto, molto più leggeri. Quando neghiamo e cerchiamo di correggere duramente i nostri errori, può comparire un atteggiamento auto-esigente che, se lo lasciamo crescere troppo, può trascinarci, prima un po' e poi molto, fino a farci deviare e a lasciarci in un luogo in cui diventa sempre più difficile provare il piacere di fare una cosa così nobile come il disegno. Lottare così tanto con i nostri errori può diventare un ostacolo alla creazione, aggiungendo anche un ulteriore carico di stress che già stiamo sopportando e portando una nebbia in una mente che, ora più preoccupata di ottenere qualcosa, quasi dimentica di sperimentare qualcosa per se stessa. Lasciare andare la lotta con i nostri errori ci permette di aprire uno spazio più gentile, in modo che la prossima volta che “sbagliamo” possiamo prenderci il tempo di considerare la possibilità di convivere con essi e di includerli nel nostro lavoro. Accettare che questi errori sono di per sé il rovescio di ogni successo e che, proprio per questo, successi ed errori ci rendono i creativi che siamo, crea la possibilità di cercare di creare un dialogo (e forse uno stile) utilizzando entrambe le facce della medaglia, sapendo che gli errori più spesso rivelano gli aspetti più onesti di ogni persona. Questo significa smettere di cercare un miglioramento costante? Mai, ma significa cambiare l'atteggiamento con cui scegliamo di migliorare. Possiamo alleggerire la nostra ricerca di miglioramento cambiando il conflitto come punto di partenza e passare a un luogo di accettazione molto più calmo, dove c'è la pace mentale che deriva dal cessare di perseguire un obiettivo così impegnativo. Disegnare senza la possibilità di cancellare è una pratica che può aiutarci a riconnetterci con il nostro lavoro. Vedere innegabilmente le cose che vorremmo migliorare, vedere le cose che vorremmo buttare via, vedere senza possibilità di nascondere le cose che vorremmo cambiare e anche vedere le cose che vorremmo tenere. Convivere con gli errori in questo modo ci permette di ritrovare noi stessi nel nostro lavoro. Perché smettere di lottare con gli errori significa anche smettere di lottare con se stessi. E per concludere, un invito pratico: iscrivetevi al mio corso Domestika Tecniche professionali di illustrazione: dall’idea al vettoriale dove imparerete le tecniche necessarie, sia analogiche che digitali, per trasformare uno schizzo in un'illustrazione editoriale con una finitura professionale, in cui vi sentite identificati. Ci vediamo lì! Il Profe.
Il mio viaggio nel regno dell'arte fantasy si estende per tre decenni, intrecciando la mia passione per la fotografia di uccelli con il mondo complesso delle illustrazioni di giochi di ruolo. La fusione di questi mondi mi ha permesso di iniettare una dose di realismo nel fantastico, creando opere che catturano e raccontano storie oltre le parole. La pietra miliare della mia pratica artistica è radicata nelle fasi iniziali: schizzo miniature finché non trovo quella giusta, la trasformo in un disegno finale, e poi baso la pittura acrilica su questo disegno. La fase delle miniature è cruciale per la composizione e per suddividere la grande visione in sezioni piccole e gestibili. È qui che il dipinto inizia a prendere forma, segmento per segmento, assicurando che ogni pezzo contribuisca al tutto. Se non ottieni la miniatura giusta prima di iniziare a dipingere, dovrai ricominciare tutto il processo di pittura più avanti. Preferisco lavorare su tavola per acquerello, ma anche la carta per acquerello va bene. Uso una semplice fotocopia e un po' di carbone per trasferire il mio disegno finale sulla tavola per la pittura. L'atmosfera è impostata utilizzando l'illuminazione, luce riflessa, ombra e movimento. Le fasi della pittura sono divise in diverse tappe di colorazione. Di solito inizio scuro e vado schiarendo lungo il cammino, terminando il processo con tutti i dettagli più fini. Per dare vita alla mia opera, mi affido a una moodboard meticolosamente creata, una raccolta di riferimenti che infondono realismo nel fantastico. Che si tratti dell'anatomia delle ali di un pipistrello, dell'espressione facciale feroce di un T-Rex o di una testa di rapace, del volo grazioso dei dinosauri volanti o della bellezza eterea dei paesaggi nuvolosi, ogni elemento serve a radicare le mie creazioni in una sembianza di realtà permettendo all'immaginazione di spiccare il volo. Ciò che rende un dipinto credibile non è solo l'accuratezza fisica. L'umore del personaggio, soprattutto quando occupa il punto focale, è fondamentale. Dalle espressioni facciali sfumate ai dettagli intricati di uno zaino, o alle caratteristiche uniche di un compagno creatura, tutto deve sembrare reale. Quindi è molto importante guardare il mondo reale per ispirazione. Spero che alla fine del processo il dipinto catturi sia l'occhio che il cuore. Per coloro che sono ansiosi di approfondire il mondo della pittura acrilica fantasy, per esplorare l'interazione tra realismo e immaginazione, sono entusiasta di poter condividere il mio processo creativo nell'arte della pittura acrilica fantasy con voi nel mio nuovo corso di pittura Domestika.
Come illustratrice, il mio viaggio creativo mi ha portato attraverso una miriade di progetti, dall'arte dell'animazione alla pubblicazione di libri, dalla pubblicità alla creazione di fumetti. Tuttavia, è nel mio tempo personale che veramente mi immergo nel creare la mia arte fantasy personale, realizzando stampe Risograph ispirate a avventure capricciose che sono completamente mie. Attraverso il mio club mensile di stampa Riso, condivido una nuova stampa fantastica ogni mese, ognuna testimonianza della magia della narrazione e dell'illustrazione. Questo mi aiuta a realizzare una nuova stampa fantasy ogni mese e mi ha aiutato a trovare la mia voce e il mio gusto in un campo dove la visione di un cliente a volte può prendere il sopravvento.
Come artisti, la nostra tela si estende oltre i semplici edifici; siamo i narratori di storie urbane, a cui è affidato il nobile compito di incapsulare l'essenza e lo spirito delle facciate e degli spazi che raffiguriamo. Unitevi a me, Urban Anna, in un'odissea creativa in cui ci addentreremo nell'affascinante mondo dell'acquerello, svelando quattro segreti per infondere vita alle nostre muse architettoniche.
Nel vibrante mondo dell'illustrazione, gli artisti esplorano e innovano continuamente per esprimere le loro visioni uniche. La fusione di tecniche analogiche e digitali rappresenta una combinazione di tradizione e modernità, offrendo possibilità illimitate per la creatività. Questo articolo approfondisce modi pratici per combinare questi due ambiti, fornendo agli artisti gli strumenti per arricchire la loro narrazione visiva.
Gli anni passano, ma l'influenza di Van Gogh sul mondo dell'arte rimane indubbia In un giorno come questo, esattamente 171 anni fa, nasceva a Zundert (Paesi Bassi) uno dei grandi geni delle arti visive, Vincent Van Gogh. Purtroppo non seppe mai che la sua opera avrebbe trionfato e sarebbe diventata una delle più apprezzate nel mondo dell'arte. Al contrario, suo fratello comprava i suoi quadri, facendo credere che avesse altri acquirenti, Van Gogh lo scoprì e impazzì completamente. Ma a quasi due secoli dalla sua nascita, il grande esponente del post-impressionismo continua a ispirare e influenzare con le sue opere i pittori di tutto il mondo. Oggi, in occasione dell'anniversario della sua nascita, diamo uno sguardo agli artisti che hanno mostrato l'influenza di Van Gogh nel corso della sua carriera. Yayoi Kusama
Esplorate il legame unico tra arte e acqua attraverso le opere di Hockney, O'Keeffe e altri. Immergetevi in paesaggi e ritratti acquatici Il 22 marzo è la data istituita a livello internazionale come Giornata mondiale dell'acqua. L'importanza di questo elemento, che sta vivendo uno dei momenti più complicati della storia a causa dei cambiamenti climatici, va al di là di ciò che già conosciamo, ovvero la sua importanza per la vita. Oggi vogliamo dare un punto di vista artistico a questa giornata e raccontarvi di 10 artisti per i quali l'acqua è stata più di un semplice elemento, è stata la loro fonte di ispirazione e una componente essenziale delle loro opere. Claude Monet
Nel design grafico e nell'illustrazione, le forme geometriche sono senza tempo. Troviamo molta ispirazione in esse, e il nucleo del nostro lavoro si basa su forme apparentemente semplici. La maggior parte di noi non riflette molto su un quadrato, un cerchio o un triangolo, ma a volte portano significati profondi o sono usati per evocare diverse emozioni. E sono anche facili da usare per le loro qualità decorative. Un quadrato appuntito o uno con angoli arrotondati genera diversi sentimenti verso di esso: duro e tagliente o morbido e gentile. Quindi, utilizzare forme geometriche nel design non è solo questione di creare lavori visivamente attraenti; in realtà, si tratta di attingere al linguaggio universale delle forme per trasmettere messaggi e suscitare reazioni. Questo articolo esplora dove cercare se vuoi creare con forme geometriche, mescolando semplicità con significato profondo.
Nella narrazione visiva, gli strumenti e i medium che seleziono non sono solo strumenti; sono la vera fondazione su cui le mie narrazioni prendono forma. Il mio viaggio individuale attraverso l'illustrazione è stato definito dall'esplorazione di colori vibranti, texture intriganti e l'emozione che ogni pezzo trasmette. Permettimi di portarti dietro le quinte del mio processo creativo, evidenziando i sketchbook, gli strumenti e le teorie che danno vita alle mie storie.
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Catturare l'energia dinamica e il carattere unico delle strade cittadine attraverso le tecniche dell'acquerello è un'attività artistica gratificante. Che siate attratti dalla bellezza architettonica degli edifici storici o dal caos vibrante delle vivaci scene urbane, padroneggiare l'arte dell'acquerello urbano apre un mondo di possibilità creative. Ecco cinque consigli essenziali che vi aiuteranno a ritrarre la vostra città con disinvoltura ed estro: 1. Trovare la foto di riferimento ideale: Una foto di riferimento ben scelta è il fondamento di qualsiasi acquerello urbano di successo. Cercate immagini che catturino l'essenza del vostro paesaggio urbano, con composizioni convincenti, dettagli architettonici interessanti e un'illuminazione suggestiva. Sperimentate con diverse angolazioni e punti di vista fino a trovare la foto di riferimento perfetta che stimoli la vostra creatività e ispiri la vostra espressione artistica. 2. La qualità della carta è importante: Migliorate i vostri acquerelli urbani investendo in una carta di qualità superiore. Cercate una carta pesante, priva di acidi e specificamente progettata per l'acquerello. La carta di qualità assorbe l'acqua in modo uniforme, consentendo ai colori di fondersi perfettamente e fornendo la stabilità necessaria per i dettagli più complessi e le lavature. 3. Fineliner impermeabili per la precisione: Dettagli precisi e linee nitide possono elevare i vostri acquerelli urbani da buoni a ottimi. Quando aggiungete elementi intricati come finestre, porte o elementi architettonici, optate per i fineliner impermeabili. Queste penne impediscono le sbavature e il sanguinamento, preservando l'integrità del lavoro di linea anche quando viene stratificato con lavaggi ad acquerello. 4. Perfezionare la collocazione dei cartelli: Per raggiungere l'equilibrio e l'armonia nelle illustrazioni di paesaggi urbani è necessario considerare attentamente la collocazione dei cartelli. Prima di prendere in mano il pennello, prendete il tempo necessario per centrare le insegne e le vetrine all'interno della composizione. Questo passo semplice ma cruciale assicura che i vostri dipinti siano coesi e visivamente piacevoli. 5. Padroneggiare la prospettiva con facilità: Per trasmettere profondità e dimensione nei paesaggi urbani è necessaria una solida padronanza della prospettiva. Per semplificare il processo, ho creato il Raster della prospettiva a un punto, uno strumento scaricabile gratuitamente progettato per aiutare gli artisti a disegnare in prospettiva senza sforzo. Con questa griglia pratica, la padronanza della complessità della prospettiva diventa più accessibile, consentendo di creare paesaggi urbani realistici e coinvolgenti con fiducia.
Creativi di varie discipline condividono i migliori tutorial per sbloccare la creatività Il blocco creativo è un problema affrontato da tutti gli artisti. Illustratori, scrittori, designer? La pagina bianca ci intimidisce e ci frena, per questo è importante perdere la paura e non smettere mai di esercitarsi per far decollare i nostri progetti creativi. Ecco perché abbiamo raccolto i 5 migliori tutorial gratuiti per liberare la vostra creatività attraverso esercizi pratici di disegno, acquerello e design. Scopriteli in questo video o nell'articolo qui sotto!
