El blog de Domestika, la mayor comunidad creativa | Domestika

Profesor Tipografía, caligrafía y lettering

La letra es cooltura: Conociendo a Typewear

El amor por la letra, la ilustración y el fútbol se fusionaron en un brillante estudio de diseño mexicano. Con motivo de su recién presentado curso 'Dirección de Arte e Ilustración para Publicidad', platicamos con los miembros de @Typewear, estudio integrado por Andrei Bengoa, Iván del Río, Miguel Román y David Flores. Asiduos al poder de las ideas, la forma de contarlas y los gráficos potentes, nos platicaron sobre sus mayores influencias, el origen de su pasión por la tipografía, ilustración y fútbol, además de su mayor complicación al crear. También, cuáles son sus proyectos favoritos entre los realizados con Nike, Adobe o Coca-Cola, sus caricaturas preferidas, y algunos anticonsejos para la vida creativa.
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Profesor Domestika

Top 10: los mejores proyectos de septiembre

Estos fueron los mejores proyectos del mes de septiembre, según la comunidad creativa de Domestika. Terminó el noveno mes del año, la recta final de 2018, pero no por ello nos olvidamos de recopilar los mejores proyectos dentro de Domestika. Esta vez nos encontramos con una mayoría de trabajos pertenecientes a diversos cursos, sobresaliendo la acuarela, ilustración, fotografía, bordado y encuadernación.
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Profesor Diseño

Casa Zicatela o la influencia azteca en la arquitectura contemporánea

En Oaxaca, a un lado del oleoducto de Puerto Escondido, se encuentra esta increíble obra del arquitecto Ludwig Godefroy. Como la imponente masa de cemento que en realidad es, la casa se encuentra sobre una colina, detrás de una plantación de agave, cercana a la famosa playa Zicatela. Diseñada como una vivienda de fin de semana para una familia originaria de la Ciudad de México, la ubicación de la propiedad se ha utilizado como inspiración para el concepto y la construcción de la casa. Tomando como inspiración las construcciones de los aztecas, el arquitecto creó un espacio que funciona alrededor de las áreas de la vida al aire libre y los jardines que la rodean, siguiendo el estilo de los antiguos templos prehispánicos: escaleras de hormigón gigantescas que ascienden desde el techo hasta un anfiteatro hacen que las partes de la casa rememoren a la grandiosa Teotihuacán. Según su diseñador, la casa finge ser una especie de búnker en el exterior, protegiendo una pirámide mexicana por dentro.
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Profesor Craft

Yeka: la reinvención del tierno folklore mexicano

La piñata se reencarna en tiernas y coloridas piezas a manos de dos creadores mexicanos: Yeka García y Beto Petiches. No cabe duda que las piñatas son un símbolo internacional de fiesta, alegría, y cultura mexicana. De muchos colores, tamaños y formas, este ícono ha ido evolucionando de la mano de las nuevas generaciones, estableciendo un diálogo directo entre la tradición y la cultura contemporánea. De ese importante objeto nace Yeka, proyecto mexicano creado por Yeka García y Beto Petiches, con el deseo de compartir la tradición mexicana y la magia del engrudo y el papel con la sociedad multicultural. Apasionados por el cine y el diseño, comenzaron realizando una pequeña primera serie de piñatas, de la que destaca la que representa del lazo y amistad entre México y Japón: un pequeño luchador de sumo. Esta piñata gustó tanto que fue el impulso que necesitaban para materializar muchas más ideas.
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Profesor 3D y Animación

Aprende a animar personajes en After Effects con Moncho Massé

Con su estilo simple y efectivo, Moncho Massé nos enseña los principios básicos de animación de personajes en After Effects. Como buena parte los nacidos en la década de los 80, Moncho Massé (@moncho_masse) pasó buena parte de su infancia con las manos pegadas a los mandos de su consola y los ojos delante del televisor, pendientes de cada movimiento realizado por los protagonistas de las series y películas de Toriyama, Miyazaki, Disney y Cartoon Network. El resultado es que resulta prácticamente imposible no quedar prendado del estilo divertido y colorido de su trabajo. Sus animaciones están protagonizadas por personajes de líneas geométricas y sencillas pero, aún así, consiguen que nuestros ojos se queden pegados a la pantalla siguiendo el bucle infinito que describen sus gifs. En Domestika imparte el curso Animación y diseño de personajes en After Effects en el que ya se han inscrito casi 2000 personas deseosas de aprender los secretos de una maestro de la animación como Moncho.
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Profesor Diseño

'Posters for tomorrow': diseño reivindicativo por una buena causa

Esta asociación busca abrir los ojos y concienciar, a través del diseño, sobre temas que atañen a la población global. El poder comunicativo del diseño es innegable y es por eso que la organización '4tomorrow' ha elegido el póster como soporte para lanzar su mensaje de apoyo a las causas más justas. A través de la plataforma 'Posters for tomorrow' organizan cada año, desde hace casi una década, un concurso de diseño abierto a participantes de todos los rincones del planeta, para que cada uno muestre su visión de una problemática global. En la edición de 2018 el tema elegido fue el cambio climático. Así, los participantes han presentado sus propuestas bajo el lema 'Un planeta para mañana'. El proyecto comenzó en 2009, cuando un grupo de diseñadores quiso buscar la manera de llamar la atención sobre temas de relevancia e interés mundial que estaban siendo silenciados; desde entonces se han presentado en las convocatorias más de 15.000 pósteres, de diseñadores de 133 países diferentes.
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Profesor Ilustración

Minerva Freire: All You Need Is Boobs

Ilustración que explora la feminidad, el amor y el vivir conscientemente. Diseñadora, ilustradora y animadora, originaria de España, pero viviendo en Londres, Minerva Freire (@myner) se ha desarrollado sobre una línea femenina, luego de que Instagram censurara una de sus piezas por ser contenido "inapropiado". A partir de ello, buscó romper la idea del cuerpo femenino como tabú, sobretodo el miedo que existe ante los pechos, comprendiendo la idea social que reúne a la sexualidad con el escándalo. En su trabajo como diseñadora, realiza los objetivos de cada proyecto a través de desafíos estéticos con la creatividad y el diseño, colaborando estrechamente con los clientes, compartiendo su proceso y significado para lograr algo efectivo y único. Dentro de su ilustración más personal, explora la feminidad, el amor y la vida, integrándolos por medio de la ilustración tradicional y digital. Además de trabajar para Coca-Cola, Kinder, L'Oreal, Biotherm, Publicis, entre otras marcas.
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Profesor Ilustración

Ahriman, el ilustrador que convierte los clásicos en anime

Este artista ruso transforma referentes del cine hollywoodense en llamativos animes. ¿Qué habría pasado si algunas de nuestras películas favoritas se hubieran gestado y presentado como anime? Porque tengamos clara una cosa, la industria cinematográfica se dio cuenta que las ideas y estética niponas, mueven al mundo del entretenimiento, no por nada la cantidad de adaptaciones occidentales que nos ha estado llegado de mangas y animación japonesa. Con esta idea en mente, el ilustrador Dmitry Grozov, mejor conocido como Ahriman, comenzó un proyecto diario llamado "Animotion". Siendo un gran fan del cómic, el cine, la ciencia ficción y los dibujos animados, decidió tomar fotogramas de cintas cinematográficas reconocidas y volverlas extractos de anime.
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Profesor Fotografía

¿Cómo fotografiar comida flotante?

El fotógrafo Skyler Burt nos desvela todos los secretos detrás de la fotografía de comida suspendida en el aire. Seguramente habrás visto este tipo de imágenes un montón de veces y, probablemente, todas esas veces te habrás preguntando cómo demonios consiguen capturar todas esas capas de comida flotante con precisión. Como en todo, existen tantas técnicas para lograrlo como fotógrafos se han aventurado a intentarlo, pero Skyler Burt, fotógrafo y fundador de We Eat Together (una plataforma dedicada a la fotografía gastronómica) ha compartido la técnica que él utiliza para crear estas impresionantes fotografías de comida levitando en un vídeo de Youtube.
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Profesor Arte

Retratos de Japón, por Erin Nicholls

Estas hermosas pinturas, creadas por Erin Nicholls, capturan la belleza de la cotidianidad del país oriental. Lo que Erin Nicholls siente por Japón es verdadera pasión y es por eso que ha convertido sus escenas más comunes y corrientes en el centro de sus pinturas. Nicholls fue estudiante de las artes creativas durante muchos años, y ha incursionado en la pintura, ilustración, cerámica, orfebrería y restauración de pintura al óleo de antiguos maestros. Su amor por la cultura japonesa, las calles de Tokio y sus paisajes naturales, dieron a pie a que decidiera rendir homenaje al país del sol naciente, con pinturas realistas, creadas en un estilo único que, por momentos, se asemeja a la animación de Studio Ghibli y recuerda también a las impresiones japonesas tradicionales sobre madera.
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Profesor 3D y Animación

Reimaginando la trilogía de 'El Señor de los Anillos' con ratones

Los túneles de París y una colonia de ratones rinden homenaje a una de las grandes sagas del cine. Mice es el proyecto final de un grupo de estudiantes de ISART Digital, la escuela francesa de Arte y Animación, especializada en videojuegos, animación y diseño 3D. Estos, en colaboración con el estudio de animación parisino The Yard VFX, han realizado un increíble cortometraje de cuatro minutos fascinante de principio a fin. En él nos hacen seguir la historia de tres ratones que, en un oscuro túnel subterráneo, encuentran un objeto dorado con extraños poderes. Lo que descubrirán más tarde es que están siendo observados por el gran ojo de un búho y sus ratas esclavas, que son enviadas para tomar posesión del misterioso y precioso objeto.
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Profesor Ilustración

Los paisajes digitales futuristas de Filip Hodas

El artista digital checo Filip Hodas crea paisajes oníricos y construcciones imposibles a partir de objetos flotantes. La primera pista que tenemos del trabajo de Filip Hodas es de 2015, cuando decidió compartir una pieza 3D en sus distintos perfiles web. Estos renders marcaron una evolución y crecimiento en su trabajo y el dominio de las tres dimensiones, el surrealismo y el hiperrealismo, alcanzando una estética que él mismo ha definido como "scifi-surreal-conceptart-abstract-ism". Tomando inspiración e influencia de artistas como Salvador Dalí, René Magritte o Simon Stalenhag, Hodas busca transportar al espectador a un espacio de ensueño, paisajes que desafían las leyes físicas, composiciones llenas de detalles que nos obligan a detenernos un rato para admirarlas, escenas que mezclan hermosos paisajes naturales con intervenciones extraterrestres o futuristas y elementos geométricos. Pero, sobretodo, la belleza. Todo esto gracias a un excelente manejo de Octane y Cinema 4D.
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PLUS Profesor Tipografía, caligrafía y lettering

Lecciones fundamentales de casual lettering con Miguel Reyes

Miguel Reyes comparte con Domestika algunos de los principios fundamentales para iniciarse en lettering casual Aunque ahora se encuentran en todo tipo de diseño, las letras cuales o "casual lettering" se han utilizado tradicionalmente en los carteles de supermercado y por eso cumplen los principios básicos de rapidez y legibilidad, sin dejar de lado el aspecto visual. Miguel Reyes ha hecho del pincel (la herramienta principal de este tipo de rotulismos) su instrumento de trabajo favorito y ha aprendido a dominar la técnica de creación de letras causales, ensalzando un estilo que nació con vocación puramente funcional, y elevándolo a la categoría de elemento de diseño. Reyes imparte en Domestika el curso de Introducción al sign painting, pero en esta ocasión nos regala, de manera especial para usuarios PRO, unas lecciones fundamentales para iniciarse en el casual lettering.
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Profesor Fotografía

Fotografia y maquillaje para lograr un microcosmos

Experimentos, colores y texturas se unen en un colorido proyecto. Ruslan Khasanov es un diseñador gráfico originario de Rusia, reconocido por su trabajo en la ilustración, tipografía y video, ya que combina estas tres áreas para crear composiciones que desbordan color, destacando elementos simples de la vida cotidiana, pero convertidos en formas abstractas que evocan movimientos orgánicos de los líquidos y el humo. Todos sus proyectos buscan materializar su lema "La belleza está en todas partes", teniendo sumo cuidado en la manera de expresar emociones fuertes a través de lo visual, la experimentación y la improvisación, demostrando una gran capacidad de generar sinergia entre el arte, la ciencia y el diseño. Tomando la mayoría de su inspiración de la naturaleza, el mundo microscópico y el espacio.
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Profesor Arte

La delicada y exquisita cerámica de Valeria Vasi

Las líneas puras de los jarrones de Valeria Vasi crean piezas que aúnan el arte y la funcionalidad en un solo objeto. A medio camino entre el diseño y el arte se encuentra el trabajo de Valeria Vasileva. Hace apenas unos meses que inició su andadura al frente de su propia marca, Valeria Vasi, pero sus piezas de cerámica ya han conseguido cautivar a muchos. Su primera colección, de líneas simples y puras, ha sido creada de manera completamente artesanal localmente en Barcelona y su diseño responde a las necesidades de equilibrar la expresión artística, la utilidad y la funcionalidad, que en este caso, toman forma de jarrón.
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Profesor Fotografía

Conociendo a Héctor Merienda

Hablamos con Héctor Merienda, un diseñador gráfico que ha hecho de su perfil de Instagram una ventana hacia la belleza. Con motivo de la grabación de su curso en Domestika, Héctor Campoy –más conocido como Héctor Merienda (@hectormerienda)– ha respondido a algunas de nuestras preguntas. Este diseñador gráfico valenciano, amante del mar, el queso y las bicicletas, empezó a publicar sus maravillosas fotografías como una bitácora personal de su día a día en los albores de Instagram, allá por 2010; hoy en día, con cientos de miles de seguidores, nos aventuramos a afirmar que la suya es una de las más bellas que se pueden encontrar en esta red social. Pero Héctor no es fotógrafo, sino diseñador gráfico, aunque fue durante sus estudios cuando se enamoró de la fotografía analógica y el revelado, de donde aprendió todas las lecciones de composición, color, uso de la tipografía y retícula que constantemente aplica en las fotografías que nos enseña en Instagram. No es de extrañar, por lo tanto, que marcas como Wetransfer, Sony, Olympus y Jaguar quisiesen contar con su talento, visión e ideas. ¿Quieres saber más acerca de él? Puedes ver la entrevista que le hicimos a continuación:
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Profesor Diseño

'Calmingsphere' o la inapelable fuerza relajante de los degradados

En este juego el objetivo final no es ganar muchos puntos, sino conseguir que te relajes y ayudarte a conciliar el sueño. Más allá del uso que muchas marcas y compañías están dando a los degradados en sus logotipos e imágenes de marca, George Buckenham –la mente creativa detrás de las ideas desarrolladas por v21– ha descubierto el indiscutible poder que un gradiente puede ejercer a la hora de relajarnos y por lo tanto, de ayudarnos a conciliar el sueño. Es por eso que ha desarrollado Calmingsphere una plataforma tan simple como efectiva que nos regala el deleite de poder observar una esfera por la que constantemente transitan degradados con todas las combinaciones de colores posibles.
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Profesor Tipografía, caligrafía y lettering

'Brand new roman', la tipografía más corporativa del mundo

La tipografía Brand New Roman, creada por Hello Velocity, se autoproclama como la fuente más corporativa del mundo. En la era en la que resulta prácticamente imposible mirar a nuestro alrededor y no ver nuestro entorno plagado de logotipos y marcas, era solo cuestión de tiempo que alguien cayese en la cuenta de que podría crearse una tipografía uniendo las letras de los diferentes emblemas. Fue así como nació 'Brand new roman', una tipografía experimental creada a partir de logotipos de algunas de las marcas más globalmente reconocidas de la historia.
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Profesor Arte

Museum of The Moon: la Luna recorriendo el mundo

La inmensidad de nuestro satélite espacial, viajando por nuestro planeta. El artista multidisciplinario Luke Jerram creó varias réplicas exactas de la Luna de aproximadamente siete metros, las cuales se encuentran recorriendo diversas ciudades del mundo. Conocido como Museum of The Moon, el proyecto se ha instalado en espacios públicos de China, Finlandia, Emiratos Árabes Unidos, Inglaterra, Australia, España y Canadá, entre otros. Para realizar las grandes esculturas iluminadas, el artista británico utilizó una fotografía masiva de más de 21 metros de la Luna, creada por el Centro de Ciencias Astrogeológicas de la NASA. La imagen fue tomada por uno de sus satélites con una cámara de reconocimiento lunar, lo que permitió tener una escala precisa, donde cada centímetro de la réplica representa cinco kilómetros de la superficie lunar.
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Profesor Diseño

Descubre las gamas cromáticas históricas

Desde el Antiguo Egipcio a la década de 1960, esta web nos muestra cuáles han sido las paletas de color en la historia. ¿Alguna vez te has preguntado cuál fue la combinación de colores más utilizada de una década? Probablemente no, pero casi seguro que te acaban de entrar ganas de averiguarlo. Si es así, no te preocupes, no vas a tener que pasar cientos de horas investigando en internet, un sitio web lo ha hecho por ti y te muestra las paletas de color más características de las diferentes épocas históricas, desde el año 2000 a.C. hasta la década de los 60 del siglo pasado. Se trata de Color leap, un proyecto muy interesante que estudia algunas de las obras de arte y diseños más importantes de las diferentes eras para devolvernos sus gamas cromáticas.
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Profesor Tipografía, caligrafía y lettering

Descarga gratis la tipografía Rude, de Miguel Nieto

El diseñador gráfico Miguel Nieto comparte con Domestika la tipografía 'Rude Font' para que la descargues gratis. El diseño de 'Rude Font' surgió, para Miguel Nieto (@miguelnieto), como fruto de la necesidad de tener una tipografía inspirada en las publicidades de principios del siglo pasado. Con esto en mente, el diseñador ideó una adaptación de las clásicas fuentes publicitarias creando una adaptación más moderna y con un aire más urbano. Fue así como fueron tomando forma los glifos de esta tipografía que ahora comparte con Domestika de manera completamente gratuita y que puedes descargarte al final de este post.
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Profesor Diseño

La deconstrucción minimalista de Guilhem Eustache

Un juego estético le da la suficiente belleza minimalista a este curioso hogar. La deconstrucción es una corriente estética que en los últimos años se ha destacado dentro de varias áreas creativas, un ejemplo de ello es la casa diseñada por Guilhem Eustache; la llamada ‘Fobe House’, es una vivienda al sur de Marruecos que se encuentra en perfecta sinergia con la naturaleza, clima y montañas del lugar. Lo curioso es que se asemeja más un complejo escultórico compuesto por columnas y formas, que a una vivienda. El concepto principal es percibir la arquitectura a través del movimiento y la geometría, mientras se juega con las luces, sombras y volúmenes, y el contraste entre un suelo rojizo, el azul del cielo y la pureza del blanco en el inmueble.
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Profesor Arte

Manoloide: la creación artística por medio de código y colores digitales

La máquina y el genio creativo colaborando para generar arte. Conocemos la creación artística como un proceso que liga directamente al artista con la obra a través de una serie de pasos establecidos como la conceptualización, planificación, ejecución y presentación; aunque también puede limitarse a establecer las condiciones de creación para que su desarrollo lo realice otra persona o sistema, es decir, la creación de arte por medio de un sistema generador autónomo, de algoritmos generados por una computadora pero delimitados por un artista. El arte generativo se define como cualquier práctica artística en la que el artista use un sistema, ya sea un conjunto de reglas, máquina, computadora o cualquier procedimiento análogo, para realizar, de manera autónoma, una pieza de arte, aportando elementos matemáticos aleatorios al proceso creativo. Y éste no se limita a la pintura digital, también se desarrolla en la literatura, música, escultura y arquitectura.
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Profesor Ilustración

Irónicas ilustraciones sobre nuestra relación con Internet

Este ilustrador plantea un problema urgente gracias a celulares que ahogan y adicción a los likes. Burnt Toast Creative es el seudónimo del canadiense Scott Martin, un joven ilustrador, animador y diseñador, con un estilo minimalista, colorido y estilizado que usa sobre personajes irónicos que tocan temas desde la simpleza de un concepto literal, hasta ideas de asociación libre; mensajes escondido detrás de divertidas ilustraciones. Sus gruesos contornos y diseños coloridos lo han llevado a colaborar con Google, Fast Company o Dropbox, irónicamente, compañías digitales que habitan en Internet, tema que explora en su reciente serie, señalando algunos de los problemas más notorios respecto al control de las redes sociales sobre nosotros, y lo complejas que son las relaciones con nuestras pantallas.
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Profesor Diseño

Moruba ganan el Pentawards de oro por su packaging de queso

El packaging de un queso feliz ha sido el que les ha granjeado el Pentawards de Oro a Daniel Morales y Javier Euba. Llevan más de una década prodigando sus diseños en el mundo del vino, lo cual resulta lógico teniendo en cuenta que Daniel Morales y Javier Euba –o lo que es lo mismo, el Estudio Moruba (@moruba)– provienen de una de las regiones vinícolas más importantes a nivel internacional. Sin embargo, no ha sido este preciado manjar el que les ha permitido acceder a uno de los premios de packaging más importantes del mundo, sino uno de sus parejas inseparables: el queso.
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Profesor Fotografía

El contraste estético de las flores, por Azuma Makoto

Un nuevo estilo de composición floral que no sólo documenta lo exterior y colorido de la planta. Artista y escultor botánico, Makoto Azuma, nacido en 1976, enfocado en la creación experimental con plantas y flores alcanzando una representación a nivel artístico, aumentando el valor de existencia de la flora del planeta. Durante 2002, Makoto se estableció como florista de la alta costura, creando ramos para diversas pasarelas en Ginza, pero a partir de 2005, además de estas actividades, comenzó a trabajar la escultura botánica, llamando la atención del extranjero por la belleza de las plantas desde su propia perspectiva, pero sobretodo, creando un polémico arte con fecha de caducidad, al trabajar con seres vivos. Arraigando así su filosofía más grande: Ofrecer belleza quitando vida, pero cuya base es la exploración de la fuerza expresiva de la naturaleza, brindando respeto a flores y plantas al darles un nuevo valor como pieza artística.
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Profesor Ilustración

Ilustración minimalista sobre el amor y otras emociones

Dibujos simples, limpios y cariñosos, le dan forma a diversos estados de ánimo. La ilustradora francesa Lorraine Sorlet recurre al amor, emociones y feminidad en distintas facetas para darle vida a sus dibujos. Colores brillantes, elementos simples y sencillas líneas, un estilo minimalista que plasma pequeños pero importantes momentos de la vida por los que todos hemos pasado: "El amor es mi materia favorita, y la vida cotidiana me inspira mucho; las parejas que encuentro en las calles, las historias que me cuentan y también mis propios estados de ánimo son fuentes de inspiración infinitas".
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Profesor Fotografía

Lo complejo del cerebro, por medio de hermosas fotografías

Este artista busca crear conciencia sobre la importancia de los trastornos mentales con el arte. Neurocientífico, originario de Alicante, España. Al Mefer ha sido reconocido por regalarnos una serie de fotografías sobre casas alien, también por sus desiertos del futuro, y bellos paisajes de Islandia; sin embargo cuenta con varias series que unen a la naturaleza con la realidad humana, específicamente con sus enfermedades mentales. De una profesión que a simple vista parecería tener poco que ver con el arte, el español se esmeró por desarrollar habilidades en la fotografía para llevar la neurociencia más allá del conocimiento científico: "Soy un investigador de campo, pero también quiero aprender sobre el cerebro humano de una manera interesante y realista. De una forma u otra, mis preocupaciones en la neurociencia pueden explicarse por la expresión del arte y la fotografía. En teoría, me inspiro en el conocimiento que acumulé en la imaginación cognitiva, de la memoria y humana".
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Profesor Ilustración

Pierre Kiandjan, reinventando el arte óptico

Ilusión, movimiento, espacio y sombras, este artista francés ilustra de manera hipnótica. Diseñador gráfico autodidacta de 28 años, nacido en París. Pierre Kiandjan estudió Tecnología y Ciencias Administrativas, trabajando cuatro años como productor de transmisión en la radio pública nacional francesa, durante su tiempo libre disfrutaba conociendo el trabajo de muchos diseñadores, principalmente en DeviantArt, sobretodo el de Andy Gilmore y su técnica para trabajar los colores; así fue que decidió iniciar su propio camino creativo. Él mismo divide su trabajo en dos grupos: Ordenados y caóticos. Pero en general lo podemos describir como ilustración y arte abstracto, inspirado en álbumes de música, arte óptico y cómics de Mœbius. Juega con elementos geométricos que repite y fusiona con color, para crear la ilusión de movimiento y profundidad, incluso de temperatura, destacando su paleta totalmente influenciada por el diseño de los años 70.
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Profesor Fotografía

Fotografías subacuáticas que homenajean el arte Barroco

La fotógrafa hawaiana Christy Lee Rogers evoca la pintura barroca con fotografías de personas sumergidas en el agua. Aunque ahora trabaja en Los Ángeles, la fotógrafa Christy Lee Rogers nació en Hawai y quizás por el influjo de la vida en una isla tan especial como aquella, comenzó a desarrollar la fotografía submarina como un vía de escape creativo de su trabajo cinematográfico. De formación autodidacta, comenzó a experimentar con la luz de la puesta de sol, creando relaciones cromáticas que le permitían explorar más allá de las reglas de iluminación establecidas y las convenciones de la fotografía contemporánea; así juega con una estética barroca que aprovecha la refracción de la luz y el movimiento. Solo tuvo que sumar a la ecuación a algunos modelos enfundados en tela, que con su movimiento etéreo, forman hermosos elementos luminosos e ingrávidos, como si fueran retratados en pintura por los mismísimos maestros del Barroco. Su trabajo busca crear un doble significado: el de lucha y purificación, generando un núcleo básico donde está la búsqueda de la libertad y un vínculo común entre todos nosotros.
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