Artículos de Ilustración | Blog | Domestika

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Marvel Studios celebra 10 años con impresionantes pósters

Talentosos artistas rindiendo homenaje a las cintas de Marvel. El 2018 se centró en el décimo aniversario del UCM (Universo Cinematográfico de Marvel), celebraciones, fotografías, 'Infinity War', pero sobretodo una colección de pósters, distribuidos por Mondo, reconocida empresa entre la comunidad creativa por ser fabricantes de grandes carteles, vinilos, pines y ropa coleccionables, quienes han abierto su propia galería en Austin, Texas, celebrando con la exposición inaugural "Marvel Studios: The First Ten Years", un show masivo para festejar a nuestros superhéroes favoritos. La colección consta de 11 pósters, junto con seis variantes, para Iron Man, Thor, las tres películas de Capitán América, Guardians of the Galaxy, Doctor Strange, The Avengers, así como Spider-Man: Homecoming; todos liderados por la ilustración del artista mexicano César Moreno (@elmoreno), que muestra a Tony Stark construyendo su primer traje de Iron Man.
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10 ilustraciones para celebrar 1 año del #MeToo

Las ilustradoras que debes conocer para entender el "Me Too". Estas ocho mujeres han puesto siluetas y color a un año que queda guardado en la historia. Empezó con Weinstein y se ha cerrado con Kavanaugh, por el camino más de 400 hombres acusados de acoso sexual y una comunidad de mujeres unidas y empoderadas que no volverán a callarse.
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Geometría simple, colores y sombras para contar una historia

Una hermosa combinación de geometría, ausencia de formas, luz y sombra. Ray Oranges es un ilustrador que se caracteriza por crear en torno a lo fundamental a través de la sustracción, es decir, sus obras están construidas de formas simples, básicas y equilibradas, usando colores saturados en paletas sumamente cuidadas. Su gusto estético proviene del diseño gráfico y la arquitectura, además de la esencia cultural de su natal Calabria, una región soleada en Italia donde residen pequeños pueblos antiguos. Su tarea principal no sólo recae en las formas visibles, sino en los vacíos y espacios, quienes son los verdaderos protagonistas de su trabajo; en la capacidad de contar una historia completa con sólo unos pocos detalles, con la ausencia de elementos que le den paso a sombras y luz.
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Cosmic Nuggets: Naturaleza, fantasía y tribales

La ciencia y la fantasía se unen en el trabajo de este misterioso ilustrador. Originario de Escocia, este misterioso ilustrador se define como un "vagabundo cósmico y creativo que cambia de forma", obsesionado con el diseño de personajes, el arte tribal y la ciencia ficción. Empezó a dibujar desde que pudo sostener un lápiz, pero su esencia actual se estableció en 2008, cuando se alejó de la ilustración digital para comenzar a dibujar sus personajes solamente en papel, llegando a intervenir fotografías y cerámica. Inspirado por artistas como Ritual Daily, Ghost Patrol y Alex Chiu, su trabajo toma mucha influencia de la biología y la evolución de las especies, las combina con símbolos tribales para darle paso a sus pequeños dioses, los cuales son un cierto sentido, una respuesta automática hacía los sentimientos, cultura y entorno de él mismo.
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¡Vuelve Inktober!

Un octubre más, internet vuelve a inundarse de tinta de la mano de dibujantes de todo el mundo: ¡vuelve inktober! Como llegan las flores con la primavera y las calles se cubren de hojas secas con la llegada del otoño, un año más llega octubre y las redes sociales vuelven a inundarse de tinta. Desde que en el año 2009 el ilustrador Jake Parker decidió ponerse a prueba a sí mismo embarcándose en un reto autoimpuesto consistente en crear una ilustración a tinta durante cada día del mes de octubre, los seguidores de Inktober no han dejado de crecer, tanto que ya se ha convertido en una tradición que ilustradores, artistas y creativos de todo el mundo aprovechan para publicar sus trabajos en sus redes sociales bajo los hashtags #inktober e #inktober2018. Desde Domestika os invitamos a participar en este reto y a compartir vuestras creaciones en el foro y en las redes sociales con el hashtag #inktoberDomestika.
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Van Orton Design: cultura pop condensada en ilustraciones technicolor

Recuerdos de la infancia del cine y la televisión, convertidos en coloridas ilustraciones. Los gemelos Marco y Stefano Van Orton, mejor conocidos como Van Orton Design, combinan la nostalgia de los 80 con patrones multicolor, y elementos del Pop Art con puntos y líneas, influenciados directamente por Roy Lichtenstein. Su gusto por la cultura popular es tan grande que ellos mismos se presentan como "diseñadores originarios de Grayskull", aunque son originarios de Turín (Italia). Cuentan que todo comenzó, precisamente, con el logotipo de Masters of the Universe, maravillados por la tipografía tridimensional y los llamativos gradientes que adornaban los empaques de las figuras de acción. Así fue como decidieron tomar clases de dibujo en la escuela secundaria, para posteriormente graduarse del Instituto Albe Steiner de Turín, una escuela de diseño y publicidad. Estéticamente comenzaron con un estilo similar a los mosaicos de las iglesias -gruesas líneas negras y colores brillantes- que le rendían homenaje a los Goonies y los Gremlins. Pero, con el tiempo y la práctica, comenzaron a experimentar con diversas formas geométricas, integrando neón, más curvas y líneas aún más gruesas, integrando iconos pop de los 70, 90 y los 2000.
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Minerva Freire: All You Need Is Boobs

Ilustración que explora la feminidad, el amor y el vivir conscientemente. Diseñadora, ilustradora y animadora, originaria de España, pero viviendo en Londres, Minerva Freire (@myner) se ha desarrollado sobre una línea femenina, luego de que Instagram censurara una de sus piezas por ser contenido "inapropiado". A partir de ello, buscó romper la idea del cuerpo femenino como tabú, sobretodo el miedo que existe ante los pechos, comprendiendo la idea social que reúne a la sexualidad con el escándalo. En su trabajo como diseñadora, realiza los objetivos de cada proyecto a través de desafíos estéticos con la creatividad y el diseño, colaborando estrechamente con los clientes, compartiendo su proceso y significado para lograr algo efectivo y único. Dentro de su ilustración más personal, explora la feminidad, el amor y la vida, integrándolos por medio de la ilustración tradicional y digital. Además de trabajar para Coca-Cola, Kinder, L'Oreal, Biotherm, Publicis, entre otras marcas.
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Ahriman, el ilustrador que convierte los clásicos en anime

Este artista ruso transforma referentes del cine hollywoodense en llamativos animes. ¿Qué habría pasado si algunas de nuestras películas favoritas se hubieran gestado y presentado como anime? Porque tengamos clara una cosa, la industria cinematográfica se dio cuenta que las ideas y estética niponas, mueven al mundo del entretenimiento, no por nada la cantidad de adaptaciones occidentales que nos ha estado llegado de mangas y animación japonesa. Con esta idea en mente, el ilustrador Dmitry Grozov, mejor conocido como Ahriman, comenzó un proyecto diario llamado "Animotion". Siendo un gran fan del cómic, el cine, la ciencia ficción y los dibujos animados, decidió tomar fotogramas de cintas cinematográficas reconocidas y volverlas extractos de anime.
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Los paisajes digitales futuristas de Filip Hodas

El artista digital checo Filip Hodas crea paisajes oníricos y construcciones imposibles a partir de objetos flotantes. La primera pista que tenemos del trabajo de Filip Hodas es de 2015, cuando decidió compartir una pieza 3D en sus distintos perfiles web. Estos renders marcaron una evolución y crecimiento en su trabajo y el dominio de las tres dimensiones, el surrealismo y el hiperrealismo, alcanzando una estética que él mismo ha definido como "scifi-surreal-conceptart-abstract-ism". Tomando inspiración e influencia de artistas como Salvador Dalí, René Magritte o Simon Stalenhag, Hodas busca transportar al espectador a un espacio de ensueño, paisajes que desafían las leyes físicas, composiciones llenas de detalles que nos obligan a detenernos un rato para admirarlas, escenas que mezclan hermosos paisajes naturales con intervenciones extraterrestres o futuristas y elementos geométricos. Pero, sobretodo, la belleza. Todo esto gracias a un excelente manejo de Octane y Cinema 4D.
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Irónicas ilustraciones sobre nuestra relación con Internet

Este ilustrador plantea un problema urgente gracias a celulares que ahogan y adicción a los likes. Burnt Toast Creative es el seudónimo del canadiense Scott Martin, un joven ilustrador, animador y diseñador, con un estilo minimalista, colorido y estilizado que usa sobre personajes irónicos que tocan temas desde la simpleza de un concepto literal, hasta ideas de asociación libre; mensajes escondido detrás de divertidas ilustraciones. Sus gruesos contornos y diseños coloridos lo han llevado a colaborar con Google, Fast Company o Dropbox, irónicamente, compañías digitales que habitan en Internet, tema que explora en su reciente serie, señalando algunos de los problemas más notorios respecto al control de las redes sociales sobre nosotros, y lo complejas que son las relaciones con nuestras pantallas.
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Ilustración minimalista sobre el amor y otras emociones

Dibujos simples, limpios y cariñosos, le dan forma a diversos estados de ánimo. La ilustradora francesa Lorraine Sorlet recurre al amor, emociones y feminidad en distintas facetas para darle vida a sus dibujos. Colores brillantes, elementos simples y sencillas líneas, un estilo minimalista que plasma pequeños pero importantes momentos de la vida por los que todos hemos pasado: "El amor es mi materia favorita, y la vida cotidiana me inspira mucho; las parejas que encuentro en las calles, las historias que me cuentan y también mis propios estados de ánimo son fuentes de inspiración infinitas".
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Pierre Kiandjan, reinventando el arte óptico

Ilusión, movimiento, espacio y sombras, este artista francés ilustra de manera hipnótica. Diseñador gráfico autodidacta de 28 años, nacido en París. Pierre Kiandjan estudió Tecnología y Ciencias Administrativas, trabajando cuatro años como productor de transmisión en la radio pública nacional francesa, durante su tiempo libre disfrutaba conociendo el trabajo de muchos diseñadores, principalmente en DeviantArt, sobretodo el de Andy Gilmore y su técnica para trabajar los colores; así fue que decidió iniciar su propio camino creativo. Él mismo divide su trabajo en dos grupos: Ordenados y caóticos. Pero en general lo podemos describir como ilustración y arte abstracto, inspirado en álbumes de música, arte óptico y cómics de Mœbius. Juega con elementos geométricos que repite y fusiona con color, para crear la ilusión de movimiento y profundidad, incluso de temperatura, destacando su paleta totalmente influenciada por el diseño de los años 70.
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Surrealismo, psicodelia y música en el trabajo de Camilo Medina

La música es la mayor fuente de inspiración para las ilustraciones psicodélicas, extrañas, coloridas de Camilo Medina. A los asiduos a leer Pitchfork, el curioso arte de Camilo Medina no les será ajeno. Muchos de los artículos de esta afamada publicación musical tienen como portada unas ilustraciones que, por su peculiar estética, como sacada de viejas películas de Disney, no deja a nadie indiferente. Su creador es Camilo Medina, diseñador colombiano especialista en branding, UI, dirección de arte pero, sobretodo, ilustración, una actividad que gracias a Pitchfork puede compatibilizar con otra de sus pasiones, la música –si tienes curiosidad, esta es su banda: Divino Niño–. Su estilo es psicodélico y surrealista y está fuertemente influenciado por el Disney de la década de los 40 y la estética californiana de los 50 y 60. En sus ilustraciones multicolor combina la abstracción, elementos figurativos y personajes que parecen formados por algún líquido viscoso, coexistiendo en llamativas composiciones que finaliza con un acabado granulado, degradados, y tipografías inspiradas en los malos menús de restaurantes, decorado en los trailers de carga y artículos pirata.
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La fortaleza femenina bajo la opresión social, por Jillian Evelyn

Fuerza, espíritu y feminidad, los elementos que destacan en la obra de esta artista. Jillian Evelyn es una artista originaria de Michigan, viviendo en Los Ángeles, cuyas pinturas son una mezcla de sensaciones, sentimientos e historias del pasado. Pinta cuerpos femeninos flexionados y presionados sobre sí mismos, creando una metáfora directa a sus recuerdos y experiencias, desde una mala ruptura, algún incidente con el machismo, hasta una expectativa no ocurrida. Sus elementos más recurrentes son desnudos enredados, doblados y empujados hacia abajo, que representan distintas presiones de la sociedad masculina conservadora, y sus ideas opresivas. Pero también es una búsqueda por el espacio personal de cada personaje, encontrando su momento único.
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Grandes iconos femeninos ilustrados por Janice Sung

Inspiración, diversidad y belleza son los elementos que la ilustradora Janice Sung destaca en su trabajo. La ilustradora Janice Sung disfruta creando bellas imágenes inspiradas en la moda y la belleza femenina, a las que incorpora elementos orgánicos como plantas y flores, además de formas geométricas que logran un contraste visual muy interesante. Uno de sus proyectos más conocidos es el que combina su pasión por la moda, su amor hacía la naturaleza y la admiración por sus influencias por medio del dibujo. En él ilustra a iconos femeninos destacados dentro de la cultura popular mundial, a quienes añade un toque de diseño de moda, retratándolas en llamativas poses, incluso hace uso de un poco de maquillaje, anteponiendo sus musas a la naturaleza y sencillez de sus fondos. La combinación resalta a las modelos, pero las descontextualiza, colocándolas en un aparente período atemporal sumamente elegante y sofisticado. Entre estas grandes mujeres podemos encontrar a Marilyn Monroe, Natalie Portman o Audrey Tautou.
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Detrás del proceso de trabajo de Raúl Urias

Hemos hablado con Raúl Urias para que nos cuente acerca de su proyecto con Google y de su proceso creativo. El amor por México es –junto a su ya característica y brillante paleta cromática y el line-art que utiliza para perfilar las figuras de sus ilustraciones– uno de los principales rasgos distintivos del trabajo del ilustrador Raúl Urias (@raulurias). Sus colores y sus tradiciones le inspiran. A través de la ilustración, Urias se empeña en mantener viva la herencia de un pueblo con una cultura marcada que la hace reconocible en el mundo entero. Este amor por su tierra ha provocado que clientes como Google hayan pensado en él para sus campañas y precisamente para que nos hable de esta colaboración y de su proceso de trabajo a la hora de crear ilustraciones con un carácter desbordante.
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Collages con acento mexicano

Este artista mexicano utiliza fotografías, grabados e imágenes antiguas para construir increíbles collages surrealistas. Inspirado por las fotografías antiguas, en blanco y negro, por los grabados y las ilustraciones de estilo vintage, Óscar Rodríguez (Portalmar) construye sus surrealistas collages. Gracias al infinito poder de la composición, Óscar da rienda suelta a su imaginación construyendo criaturas imposibles, aunque no por ello menos interesantes y bellas. A través de sus collages ha ido creando su propio bestiario en el que se dan cita las situaciones más inverosímiles e interesantes.
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Las ilustraciones digitales de 'Rusia 2077' imaginan cómo sería el futuro

Estos diseñadores rusos imaginan un mundo en el que las futuras tecnologías conviven con las situaciones cotidianas. 'Rusia 2077' es un proyecto de ilustración digital que ha traducido en imágenes el futuro de Rusia. En él han colaborado la fotógrafa y diseñadora Lena Terkunova y el ilustrador y diseñador Eugene Zubkov quienes, juntos y en clave de ciencia ficción, han imaginado cómo se vería su país en dentro de unos años tras el avance de las tecnologías. La idea fue inspirada por el videojuego Cyberpunk 2077, creando piezas donde la tecnología futurista contrasta con los paisajes ordinarios y la realidad cotidiana de la sociedad rusa. Las escenas cotidianas se recrean en el futuro: vemos a personas que toman el metro con gafas VR y mascotas robot, aviones no tripulados que entregan paquetes, médicos que inspeccionan cyborgs y automóviles que van flotando ligeramente en el suelo. Pero lo más destacable son los pequeños detalles que imprimieron en cada imagen, mostrándonos una mirada reveladora sobre lo que estos artistas creen que sobreviviría a la prueba del tiempo.
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Descarga gratis las brochas de Microbians para Procreate

Microbians ha compartido algunas de sus brochas favoritas, creadas por él mismo, para dibujar con Procreate. Hace tiempo que el debate entre ilustración digital y analógica ha perdido su importancia, quienes prefieren crear de manera tradicional se ciñen al papel mientras, los que prefieren crear a golpe de píxel, se debaten entre las innumerables nuevas herramientas que aparecen constantemente. Una de estas herramientas, que parece haber llegado para quedarse, es Procreate, la app de dibujo para iPad que se ha convertido en favorita de artistas de todo el mundo. Uno de esos usuarios habituales de la app es Gabriel Suchowolski –más conocido como Microbians (@microbians)–, quien cuenta en su portfolio con un buen catálogo de ilustraciones realizadas con este software y quien, además, comparte con Domestika, de manera completamente gratuita y desinteresada, algunas de las brochas que ha ido creando a lo largo del tiempo para trabajar con Procreate y que puedes descargarte al final de este post.
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10 ilustradores mexicanos que tienes que conocer

Descubre el increíble talento de los ilustradores mexicanos a través de estos 10 artistas increíbles Desde siempre, la ilustración ha sido una parte fundamental del desarrollo de la industria creativa, un pilar que ofrece diversas perspectivas, ideas, mundos y personajes que podemos ver en prácticamente cualquier medio. Por ello reunimos 10 referentes de la escena creativa mexicana que han destacado en este área y que sí o sí debes conocer: Diana Peredo Nació en la Ciudad de México y a pesar de su juventud, ya suma casi una década de experiencia como ilustradora, en el mundo del cómic y el diseño de personajes. Es fan de la ciencia ficción, el art nouveau, el arte mexicano, la moda y la ilustración botánica y todo eso se deja traslucir en sus ilustraciones. Le inspiran Patricio Betteo, Remedios Varo, Alessandro Barbucci y Anna Cattish, entre otros muchos y comenzó en su niñez dibujando personajes de 'Las Guerreras Mágicas' y 'Sakura Card Captor'. Su trabajo combina herramientas digitales con técnicas tradicionales como la acuarela y los marcadores. Realizó su propio cómic de ciencia ficción, '44', publicado por Píldora Studio y fiel a su ideología de disciplina y trabajo constante, se integró en el departamento de arte conceptual y animación en Kamikaze Studio, ilustrando para el webcomic 'Clubhouse Vigilantes'. Además, ha colaborado con marcas como Adidas, y por si fuera poco, es una de pilares detrás de Pictoline.
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DirtyRobot ilustra la juventud más futurista

Daniel Isles, más conocido como DirtyRobot, dibuja el futuro de la cultura callejera en clave de ilustración sci-fi. Daniel Isles, también conocido como DirtyRobot, es un ilustrador nacido en Birmingham (Inglaterra), que ha decidido echar raíces, al menos temporalmente, en Japón. Y es precisamente, esa influencia asiática, la que inunda su trabajo. Su ilustraciones están plagadas de personajes futuristas en los que destaca especialmente su peculiar modo de vestir, fuertemente imbuido por el streetwear. El de sus ilustraciones es un mundo único, en el que todo el protagonismo se los llevan los humanos y animales sobreevolucionados, los androides, las armas y los samuráis.
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Truco: Bakea te enseña a llevar a tus personajes del boceto al diseño final con Photohop

El creador de adorables monstruos, Bakea, te enseña un truco para pasar del boceto al personaje final con Photoshop. No hay duda que Bakea (@bakea) es uno de nuestros creadores favoritos. Su adorables monstruos nos han robado el corazón desde el primer momento en que nos cruzamos con ellos y no es para menos, ya que este ilustrador español ha creado un auténtico universo, Bakelanasland, poblado de todos ellos, en el que ser cíclope, tener el cuerpo recubierto de escamas o medir más que un rascacielos no es motivo para que te señalen con el dedo. Estos monstruos se han convertido en fieles compañeros de carrera creativa, ya que le acompañan en prácticamente todos sus proyectos, de los que nos hablaba en la entrevista que le hicimos hace algunos meses. Juan Carlos Paz 'Bakea' tiene un proceso de creación muy metódico que comienza con un boceto sobre papel, que más tarde digitaliza para agregar color, texturas y todos los acabados que hacen divertidos a sus personajes. En el vídeo que comparte con Domestika, nos enseña un truco para pasar del boceto al personaje final con Photoshop.
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ALICEXZ: de Thanos a Rihanna en clave multicolor

Una de las ilustradoras más relevantes en Internet, cuya mayor influencia son los cómics, la televisión y el cine. Graduada de la Rhode Island School of Design en diseño gráfico, Alice, mejor conocida como ALICEXZ, ha vivido en Nueva York, Nueva Zelanda y Hong Kong, y curiosamente su amor por el diseño comenzó cuando decidió alejarse del dibujo. Pero las altas dosis de cultura pop y el apoyo de sus padres, lograron que volviese a ello y se vean plasmadas en hermosas ilustraciones llenas de detalles y color que nos remiten a escenas de clásicos del cine en cintas como Lost In Translation, Slumdog Millionaire o Blade Runner. Aunque no fue hasta la colección licenciada que haría de Doctor Who, cuando el mundo pudo apreciar todo su potencial. A ello, hay que sumar que es la fundadora de Mischmasch, una comunidad de artistas en línea que muestran su arte tanto en una galería física como en una virtual, convirtiéndose en un grupo global de creadores desde 2008.
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'Mac', el gran cartelista español del cine

Macario Gómez Quibus, más conocido como 'Mac', fue uno de los cartelistas de cine más prolíficos y célebres de España. Aunque ahora resulte difícil de creer, hubo un tiempo en el que los carteles de cine estaban dibujados a mano. Uno de los más grandes creadores de carteles cinematográficos de España fue Macario Gómez Quibus 'Mac', a quien se le atribuyen más de cuatro mil creaciones entre carteles, guías, plumas de prensa y carátulas de vídeo, que tuvieron reconocimiento internacional. Su amor por los carteles de cine comenzó a mediados de los años 30 y su carrera pudo verse truncada por el estallido de la guerra civil española; no obstante Mac no cejó en su empeño y trabajando primero para proyectos publicitarios y más tarde para Tándem films, terminó convirtiéndose en un grande del póster cinematográfico artesanal.
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Entintado: del dibujo a lápiz a la página de cómic

Aprende el arte del entintado de la mano de uno de los grandes dibujantes de cómic de España: Sergio Bleda. Los cómics no serían cómics sin uno de los procesos más importantes: el entintado. Sergio Bleda (@sergibleda) escribe el guion, realiza el dibujo, el rotulado, el color y por supuesto, el entintado de todos sus cómics, y es precisamente esto último lo que enseña en el curso Técnicas de entintado para cómic e ilustración que imparte en Domestika. Es habitual que Bleda comparta los procesos de trabajo de sus proyectos de cómic, como en el caso de 'Cinco Relatos Apasionados' (que le valió el Premio Carlos Giménez al mejor álbum ilustrado), pero en este curso explica pormenorizadamente cada proceso y las herramientas más adecuadas para llevarlo a cabo.
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La anatomía toma las calles de la mano del artista urbano Nychos

"Viajar para pintar, pinta para viajar", el lema de uno de los artistas más importantes del street art contemporáneo. Originario de Austria, Nychos proviene de una familia dedicada a la caza y en su niñez se enfrentó a la muerte de manera muy directa al encontrar un cordero muerto en proceso de descomposición. Pero este suceso, fuera de asustarlo, lo cautivó ante la complejidad y misterios de los cuerpos, su anatomía y funcionamiento. Esa extraña fascinación sumada al gusto por las caricaturas, especialmente por 'La Colina de Watership', del escritor Richard Adams –una película que narra la historia de un conejo que tiene visiones sobre el fin del mundo–, ha tenido como resultado una peculiar combinación que lo llevaría a dar sus primeros pasos en el arte urbano y la ilustración y que hoy le sirven como excusa para recorrer el mundo con sus útiles de dibujo siempre en el equipaje.
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La baraja gatuna ilustrada de Malota

Malota ha puesto a los gatos como protagonistas de la baraja de cartas que ha diseñado para Legends Playing Card Co. Harto de no encontrar naipes de calidad, el norteamericano Lawrence Sullivan decidió crear Legends Playing Card Co., una compañía especializada en cartas de póker que busca la excelencia no solo en lo que a calidad y materiales se refiere, sino que también presta especial atención a sus diseños. La primera baraja fue un éxito total y se agotó apenas unos días después de ponerse a la venta. A Legends #852 le seguirían muchos otros mazos y colaboraciones con diseñadores, ilustradores y artistas de todo el mundo entre los que se encuentra Mar Hernández, como la conocen quienes conocen su trabajo: Malota (@malota).
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Surrealismo e impresión tradicional de la mano de Zoveck Estudio

Utilizando técnicas de collage digital e impresión tradicional, Zoveck Estudio ha forjado su propio estilo surrealista. El estilo Zoveck (@zoveck) está presenten en todos y cada uno de los trabajos de Sonia Romero y Julio Carrasco, dos diseñadores, artistas (y fundadores de Zoveck Estudio) con más de dos décadas de trayectoria, que han hecho de la ilustración y la collagrafía su seña de identidad. El color y el surrealismo campan a sus anchas en el imaginario de Zoveck, quienes cuentan ya con más de 500 alumnos en el curso que imparten en Domestika: Técnicas experimentales de ilustración: de lo digital a lo artesanal, en el que enseñan a crear obras únicas a través del collage, transfer e impresión manual.
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Iván Mayorquín ilustra con sarcasmo y humor negro

Con la sátira y el humor negro como sus elementos principales, Iván Mayorquín logra una combinación ganadora. Aunque Iván Mayorquín estudió diseño gráfico, pintura y dirección creativa, es en el dibujo donde encuentra su verdadera vía de escape para dar rienda suelta a todos las ideas que se le cruzan por la mente. Su nombre aparece entre el de los fundadores de Pictoline, que para los que aún no lo conozcan, se define como una empresa de “diseño de información” en la que colaboran ilustradores, periodistas y escritores para mostrar noticias e información de actualidad de un modo completamente visual y acorde con la manera en que hoy en día consumimos contenidos digitalmente. Pero, mucho antes de que la idea de Pictoline viese la luz, Mayorquín fundó Buque, un estudio de ilustración y diseño contemporáneo, localizado en Sinaloa (México), enfocado en la creación de prendas, a impartir talleres, a la curaduría de exposiciones, la ilustración mural, en patinetas y discos. Más tarde llegaría un proyecto mucho más loco y atrevido: Sketch or Die!, una especie de reality de ilustración donde Iván y algunos amigos dibujaron durante 48 horas sin parar lo que la gente les pidiera por Internet. Fue durante el desarrollo de estos proyectos cuando Mayorquín pudo desarrollar su habilidad en la creación de personajes, destacando dentro de la escena del cómic y usando esos personajes como elementos de branding.
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Jamie Hewlett: de Gorillaz, demonios, dioses y chicas anarquistas

Con la llegada del nuevo álbum de Gorillaz, hacemos un recorrido por el arte de su creador gráfico: Jamie Hewlett. Hace ya varios meses que se publicó el libro retrospectiva que los fans más acérrimos de la ilustración y la música de Jamie Hewlett estaban esperando: [b]Inside the Mind of Jamie Hewlett, un recopilatorio que destaca el trabajo de una de las figuras más importantes dentro de la cultura pop y arte gráfico de los últimos 20 años. Desde Tank Girl hasta Gorillaz, Jamie Hewlett reunió más de 400 obras entre las que se incluyen bocetos, cómics, publicidad, ilustraciones y collages. Todo ello unido al estreno de The Now Now, el último álbum de Gorillaz, que denota el desarrollo del estilo de una banda, mucho más sobria y madura.
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