Conoce el proceso creativo de la ilustradora Be Fernández

Esta artista española nos muestra, paso a paso, el proceso de creación de sus ilustraciones

Be Fernández combina su trabajo como diseñadora UX con la ilustración. Sus piezas se inspiran en el streetwear, la cultura joven, la belleza y la fuerza de la mujer con sus emociones y experiencias.

Se interesó por el arte desde muy pequeña y de manera autodidacta conoció las técnicas del carboncillo, el acrílico, el óleo y el dibujo digital. Influenciada por el hip-hop, el jazz, el cine, la fotografía y artistas como Monet, William Turner, Laura Callaghan, Polly Nor, Bijour Karman o Kristen Liu-Wong, Be Fernández encontró un estilo muy cercano al cómic por la presencia e importancia de la linea. Además, cuenta con un proceso de creación que involucra fotografía, manchas de color y líneas.

Los colores cobran gran importancia en la composición de las ilustraciones de Be Fernández, tratando de lanzar un mensaje propio: son alegres, algo surrealistas y planos para alejarse del realismo. A través del color rosa, redefine su idea de lo que es la feminidad, utilizando la ilustración para expresar sentimientos que no sabe comunicar con palabras.

Be Fernández comparte con Domestika el proceso creativo detrás de una de sus piezas:

1. Idea y composición

La fotografía y la ilustración tienen mucho en común, a veces la idea comienza directamente con el research, comenta: "busco fotografías que me inspiren y me ayuden a dar con el concepto que ronda mi cabeza, otras tantas, cuando me encuentro ante una situación que me inspira algún sentimiento, hago fotos del momento con el teléfono móvil para poder usarlas de referencia al momento de dibujar...".

Después crea un collage formando la composición para saber si resulta visualmente atractiva y asegura que suele elegir situaciones aparentemente cotidianas, muy cargadas de referencias a la moda y a la fuerza de la mujer. Esto le ayuda a poder materializar esos pensamientos.

2. Color

El color es una herramienta de ayuda para crear su composición; van de la mano. La fuerza de la composición depende de las manchas de color y los contrastes que se creen en la imagen. Por eso, antes de dibujar la línea final, hace una nueva capa sobre mi composición fotográfica, utiliza formas y color con distintas combinaciones hasta dar con la que mejor encaje visualmente.

3. Boceto

Una vez que tiene la composición y colores que quiere, boceta la idea de manera digital. Para ello abre un documento en blanco en Photoshop o Procreate, esboza las líneas de lo que quiere representar; comenta que suele hacerlo en varias capas, iterando sobre el mismo dibujo hasta que encuentra lo que le gusta.

4. Pieza final y detalles

Después de elegir la gama de colores y realizar la línea final de la ilustración, perfecciona algunos elementos en la composición e incluye todos los detalles y mensajes que hacen que la obra sea más personal. "Soy muy fan de utilizar contrastes entre los grosores de las líneas para resaltar la importancia de ciertos elementos, y suelo introducir manchas y puntos para crear textura en los objetos".

Be Fernández comenta que no le gusta mucho cuando la pieza queda demasiado digital a la vista, por eso, en esta fase trata de agregar texturas con ciertos pinceles que crean imperfecciones y manchas blancas en el dibujo, dando la sensación de que la obra tiene un toque más analógico. Por último, añade ruido para completar la sensación de imperfección que busca sobre la superficie.

Y un consejo final: "Nunca olvides guardar el original editable por si tienea que volver a tocar algo en un futuro".

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