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10 filmische Anspielungen auf die Kunstwelt

Entdecke die Kunstwerke, die einige der berühmtesten Filmszenen der Kinogeschichte inspiriert haben.

Manche sagen, die besten Künstler kopieren nicht, sie stehlen. Diese Formulierung mag vielleicht problematisch erscheinen, aber sie macht Sinn, wenn wir verstehen, dass wir ständig aus den Werken und Einflüssen entfernter Künstler schöpfen. Ob als Hommage, Neuinterpretation, Parodie oder Metatext - der Verweis auf ein Werk ist eine Möglichkeit, einem bestimmten Werk eine größere Dimension und Kraft zu verleihen. In der Welt des Kinos ist dies keine Ausnahme.

Wenn du dich für einen Filmliebhaber hältst, wird dir die folgende Liste von Filmen eine bessere Vorstellung von den Referenzen geben, die große Regisseure verwendet haben, um die ikonischsten Szenen ihrer Karriere zu kreieren. Entdecke die Kunstwerke hinter einigen der bekanntesten Momente der siebten Kunst!

1. Pans Labyrinth von Guillermo del Toro


Bezug auf: Saturn verschlingt seine Kinder von Francisco Goya

Einer der Filme, die Guillermo del Toro auf die internationale Bühne katapultierten, war zweifellos Das Labyrinth von Pan. Mit erstaunlichen Charakteren, die del Toros phantasmagorischer Vorstellungskraft entsprungen sind, erzählt der Film die Geschichte von Ofelia, einem spanischen Mädchen, das während des Franco-Regimes zu ihrer Mutter und ihrem gewalttätigen neuen Stiefvater zieht.

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Auf einem ihrer Spaziergänge trifft Ofelia den Faun, eine mythische Figur, die ihr versichert, dass sie eine legendäre Prinzessin ist und dass sie drei Prüfungen bestehen muss, um unsterblich zu werden.

Im Laufe des Films entdecken wir eine magische Welt, in der alle möglichen Kreaturen durch die Prüfungen ziehen, die Ofelia zu bestehen hat. Unter ihnen ist der Bleiche Mann eine der ikonischsten Figuren. Mit seinem weißen Antlitz und der charakteristischen Art, durch seine Hände zu schauen, ist die Figur unvergesslich und für viele eine direkte Anspielung auf den Saturn, der seinen Sohn verschlingt des spanischen Malers Francisco Goya.

Über das Werk: Es gehört zur Periode der Schwarzen Gemälde, die sich dadurch auszeichnen, dass es sich um die Wandgemälde handelt, die Francisco Goya in seinem Haus "La Quinta del sordo" in der Technik der Ölmalerei anfertigte. Saturn, der seinen Sohn verschlingt, ist eine Darstellung des Mythos von Kronus, einem der mächtigsten Titanen der ersten Generation, der aus Angst, von seinem eigenen Geschlecht gestürzt zu werden, beschließt, seine Nachkommen zu verschlingen.

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2. Metropolis von Fritz Lang


Bezug auf: Der Turmbau zu Babel, von Pieter Brueghel dem Älteren.

Eine der größten Referenzen des deutschen expressionistischen Kinos und des Kinos im Allgemeinen ist vielleicht das Meisterwerk des österreichisch-amerikanischen Filmemachers Fritz Lang. Metropolis spielt in einer dystopischen Zukunft, in der es zwei Klassen gibt: die denkende Klasse, die an der Oberfläche der Stadt lebt, und die Arbeiterklasse, die im Untergrund arbeitet und lebt. Die Geschichte von Metropolis erzählt von der Feindschaft zwischen den beiden Klassen und der Möglichkeit der Versöhnung durch Maria, einer Vermittlungsfigur.

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Maria versucht, der Arbeiterklasse zu helfen, eine friedliche Lösung für die Probleme zwischen den Klassen zu finden, findet sich jedoch bald in einem Gefängnis wieder und wird durch einen anthropomorphen Roboter ersetzt, der aufrührerische Reden hält und den Revolutionsgedanken der Arbeiterklasse beschwichtigt.

Im Stadtbild, das sich durch ein verwobenes urbanes System, große Alleen und monumentale Gebäude auszeichnet, sticht ein Turm besonders hervor, der an die Darstellung des Turms zu Babel des niederländischen Malers Pieter Bruegel aus dem 16. Jahrhundert erinnert.

Zum Werk: Bruegels Turmbau zu Babel ist ein Ölgemälde, das sich mit der Entstehung der Sprache, einer der am weitesten verbreiteten Metaphern der Menschheit, befasst. Der Mythos vom Turmbau zu Babel tauchte erstmals in der Bibel auf und sollte erklären, warum die Menschen verschiedene Sprachen sprechen. Nach dem biblischen Text wollten Noahs Nachkommen als Rache für die Sintflut Gott herausfordern, indem sie einen Turm bauten, der bis zum Himmel reichte, woraufhin Gott den Babyloniern Engel schickte, um sie zu verwirren, damit sie sich nicht verstehen und das Vorhaben aufgeben würden.

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3. Scream von Wes Craven


Bezug auf: Der Schrei von Edvard Munch.

Einer der kultigsten Horrorfilme aller Zeiten, Scream, ist Tausenden von Menschen dank der besonderen, länglichen, schreiähnlichen Maske des Mörders in Erinnerung geblieben. Unter der Regie von Wes Craven, einem der Meister des Horrors, geht es um das Leben von Sydney Prescott, einem Teenager, der von einem mysteriösen Mörder verfolgt wird.

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Auch wenn die Handlung bereits bekannt ist, war einer der großen Erfolge von Scream die Art und Weise, wie er eine Meta-Logik innerhalb des Films etablierte. Indem er die Wirkung von Horrorfilmen auf die Menschen und die Vorliebe des Publikums für das Genre hinterfragt, hat Scream ein neues, sich selbst hinterfragendes Horror-Genre geschaffen.

Ein weiterer Erfolg des Films war der Bezug auf eines der paradigmatischsten Werke der Kunstgeschichte, Der Schrei des norwegischen Malers Edvard Munch. Die besondere Geste des Mörders ist einer der emblematischsten Aspekte in der Geschichte des Kinos und auch der Serie, wie in dieser Szene aus The Squid Game.

Über das Werk: Der Schrei von Edvard Munch gehört zu den großen Werken der Kunstwelt, nicht nur wegen seiner Ausdrucksstärke und Kraft, sondern auch, weil er die repräsentativste Geste für die Angst der Menschen ist. Es handelt sich um ein Ölgemälde aus dem Jahr 1893, das mit Tempera und Pastell auf Karton gemalt wurde.

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4. Shutter Island von Martin Scorsese


Bezug auf: Der Kuss von Gustav Klimt

Zu den jüngsten Filmen in Scorseses Filmografie gehört der psychologische Thriller und Neo-Noir, Shutter Island. Der Film erzählt die Geschichte eines Detektivs mit düsterer Vergangenheit, dessen Aufgabe es ist, in einer psychiatrischen Klinik zu ermitteln, in der Patienten in seltsamen Situationen verschwunden sind.

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Der Film mit Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo und Michelle Williams in den Hauptrollen zeichnet sich durch die Art und Weise aus, wie er Paranoia sowohl innerhalb des Films bei DiCaprios Figur als auch beim Zuschauer erzeugt, indem er ständig Zweifel am psychologischen Zustand des Detektivs aufkommen lässt.

In einer der denkwürdigsten Szenen des Films sehen wir DiCaprio, wie er seine Frau mitten im Haus der Familie umarmt. Mit einer Geste der Verzweiflung und Melancholie erinnert die Pose an eines der denkwürdigsten Paare der Kunstgeschichte, die Protagonisten von Der Kuss des österreichischen symbolistischen Malers Gustav Klimt.

Zum Werk: Der Kuss ist ein Ölgemälde und gehört zu Klimts goldener Periode, in der er, inspiriert von den Mosaiken der italienischen Stadt Ravenna, Goldpigmente in seine Gemälde einarbeitete. Die Kleidung des Paares und die überschwängliche Umarmung machen das zwischen 1907 und 1908 entstandene Werk zu einem archetypischen Verweis auf die Leidenschaft.

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5. The Shining von Stanley Kubrick


Bezug auf: Eineiige Zwillinge, Roselle, New Jersey von Diane Arbus

Basierend auf dem Roman von Horrorautor Stephen King ist The Shining einer der kanonischen Filme von Stanley Kubrick. Dieser psychologische Thriller, der für die Leistungen von Jack Nicholson und Shelley Duvall gelobt wurde, handelt von einer Familie, die in ein Hotel am Rande der Stadt zieht, das von einer gewalttätigen Vergangenheit geprägt ist.

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Im Laufe des Films gerät die Hauptfigur in eine Spirale der Paranoia, verliert ihren Verstand und wird zu einem Mann, der von Wahnsinn und Gewalt besessen ist. Mit Szenen, die sich nicht durch blutigen Horror auszeichnen, sondern durch die seltsamen Visionen, die die Familie während ihres Aufenthalts hat, war The Shining ein Paradigmenwechsel im Horrorkino.

Zu den Szenen, die Kubricks Film unsterblich gemacht haben, gehört das Auftauchen der schattenhaften Zwillinge, die Dany, der Sohn der Protagonisten, ständig sieht, wenn er durch die Korridore des Hotels geht. Dieses Bild erinnert stark an eines der prägenden Fotos der amerikanischen Fotografin Diane Arbus, die als Fotografin der Freaks, der unkonventionell aussehenden und gesellschaftlich abgelehnten Menschen, bekannt ist.

Über das Werk: Diane Arbus versucht, den Kontext der Peripherie und der Außenseiter der Gesellschaft zu porträtieren. Ihre Arbeit ist eine ständige Suche nach dem Verständnis der persönlichen Identität, nach dem, was sie definiert und manifestiert. Bei dieser Suche wird das ikonische Foto der Zwillinge eingerahmt, das zwar wie ein normales Bild aussieht, aber durch die unterschiedlichen Gesten der beiden ein Gefühl der Verwirrung erzeugt.

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6 Mad Max: Road Rage von George Miller


Bezug auf: Elefanten von Salvador Dalí

Die neue Version des australischen Regisseurs George Miller, ein Remake seines Blockbusters Mad Max aus den 1980er Jahren, zeichnet sich durch eine klare und kraftvolle Bildsprache aus, die auf der Farbpalette, der Beleuchtung und der Symbolik des dekadenten und dystopischen Zustands der Welt, in der die gleichnamige Figur lebt, aufbaut.

Der Film, der sich an die Handlung der Originalfilme anlehnt, handelt von einem Dissidenten in einer postapokalyptischen Zukunft, in der Wasser und Ressourcen knapp sind. Im Laufe des Films schließt sich Mad Max mit einer rebellischen Frau zusammen, die den Frauen in ihrer Obhut zu einem besseren Leben verhelfen will.

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Das Bühnenbild sowie die von Rottönen und intensiven Blautönen geprägte Farbpalette sind stark an das Werk des surrealistischen Malers Salvador Dalí angelehnt. Insbesondere eine Szene im Film, in der langgliedrige Gestalten vor einem trostlosen Hintergrund auftauchen, stellt ein starkes Echo auf das Gemälde Die Elefanten des spanischen Malers her.

Zum Werk: In Anlehnung an die Skulptur von Bernini in Rom, bei der ein Elefant einen Obelisken auf dem Rücken trägt, zeichnet sich dieses 1948 entstandene Werk von Dalí durch das Fehlen der für sein Werk typischen Sättigung der Elemente aus. Vor einer menschenleeren, trostlosen Landschaft erheben sich zwei Elefanten in den Himmel, darunter zwei reglose Figuren und im Hintergrund eine Art Tempel. In dieser Zeit erklärte Dalí, dass er diese Bilderserie ohne ästhetische Ansprüche, sondern ganz natürlich malte.

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7. A Clockwork Orange von Stanley Kubrick


Bezug auf: Die Runde der Gefangenen von Vincent Van Gogh

Basierend auf dem gleichnamigen Roman des britischen Schriftstellers Anthony Burgess wurde A Clockwork Orange von Stanley Kubrick verfilmt und wurde zu einem weiteren Klassiker des Filmemachers. Der Film handelt vom Leben eines jungen Straftäters und seiner Bande, die für ihre sadistischen Verbrechen ohne Skrupel bekannt sind.

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Der Film, der den Ursprung des Bösen, gewalttätiges Verhalten und die Art und Weise erforscht, wie die Wissenschaft sich dem menschlichen Verhalten nähert und mit ihm experimentiert, um es zu rechtfertigen, wurde zu einer Kultreferenz für Filmliebhaber.

In einer der Szenen, die sich mit der Rehabilitierung des jungen Straftäters Alex befassen, sticht ein Bild besonders hervor, in dem die Gefangenen in der Mitte eines kleinen Raumes herumlaufen, was zum Alltag des Gefängnisses gehört. Diese Szene stellt einen direkten Bezug zu einem Gemälde des niederländischen Malers Vincent Van Gogh her.

Zum Werk: Das Werk Die Runde der Gefangenen entstand in der Zeit, in der Van Gogh sich 1890 freiwillig im Sanatorium von Saint-Rémy-de-Provence internieren ließ, und spiegelt das Empfinden des Künstlers über seine Situation in der Welt wider: isoliert in einem Raum, weit weg von der Außenwelt, eine Tätigkeit ausübend, die unaufhörlich und ziellos erscheint.

8. Marie Antoinette von Sofia Coppola


Bezug auf: Bonaparte beim Überschreiten der Alpen am Großen Sankt Bernhard von Jacques-Louis David

Als lose Interpretation der letzten Jahre der jungen Königin Marie Antoinette auf dem französischen Thron ist dieser Film der amerikanischen Regisseurin, Schauspielerin, Produzentin und Drehbuchautorin Sofia Coppola zu einem der Höhepunkte ihrer Filmografie geworden. Aus der Sicht von Marie Antoinette entwickelt Coppola eine visuelle Erzählung, in der sich Pop und Geschichte vermischen und so ein besonderer Blick auf die Tragödie der Königin entsteht.

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Von der Ankunft der Königin am Hof von Versailles bis zum Sturz der französischen Monarchie lässt der Regisseur das Ausmaß der Verschwendungssucht Revue passieren, das die Herrschaft von Marie Antoinette kennzeichnete und sie schließlich zum Tode verurteilte.

Coppola huldigt einem der wichtigsten Werke des französischen neoklassizistischen Malers Jacques-Louis David, Bonaparte beim Überschreiten der Alpen am Großen Sankt Bernhard, dem es gelingt, Napoleons kämpferischen Geist inmitten einer Schlachtszene einzufangen.

Zum Werk: "Bonaparte beim Überschreiten der Alpen am Großen Sankt Bernhard" ist ein Werk von Jacques-Louis David, das zwischen 1801 und 1805 in fünf Versionen desselben Porträts entstand. Es zeichnet sich durch die Idealisierung des historischen Moments aus, den es darstellt, und durch die Art und Weise, wie es die Figur Napoleons durch die Symbolik seiner Gesten vergrößert.

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9. Melancholia von Lars von Trier


Bezug auf: Ophelia von John Everett Millais

Das apokalyptische Drama mit zwei Schwestern, gespielt von Kirsten Dunst und Charlotte Gainsbourg, wurde von vielen Seiten für seine tadellose kinematografische Umsetzung und die originelle Behandlung des Themas gelobt.

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Als Teil dessen, was viele als "The Depression Trilogy" bezeichnen, zu der auch die Filme Antichrist (2009) und Nymphomaniac (2013) gehören, ist Melancholia ein Film, der durch seine unglaublichen Darbietungen und die Art und Weise, wie er das Thema des Weltuntergangs als Ressource nutzt, um den Sinn des menschlichen Lebens zu erkunden, hervorsticht.

Auf einem der Werbebilder für den Film sieht man Kirsten Dunst in einer Pose, die an ein Gemälde des britischen Malers und Illustrators John Everett Millais erinnert, auf einem See voller Seerosen, Laub und Blumen treiben.

Über das Stück: Das 1851 entstandene Stück Ophelia behandelt den Tod der gleichnamigen Figur des britischen Schriftstellers William Shakespeare in einem seiner bekanntesten Stücke, Hamlet. Everett übersetzt Shakespeares Sprache in ein eindrucksvolles Bild, das die Tragödie Ophelias heraufbeschwört, und es gelingt ihm, die fassungslose Geste des Mädchens und ihre Trance im Angesicht des Todes darzustellen.

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10. Träume von Akira Kurosawa


Bezug auf: Krähen über Weizenfeld von Vincent Van Gogh

Einer der persönlichsten Filme des japanischen Regisseurs Akira Kurosawa ist vielleicht das Kompendium von 8 traumähnlichen Vignetten aus Kurosawas eigenen Erfahrungen, die er Träume nennen würde.

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Von Kinderabenteuern bis hin zu apokalyptischen Erzählungen erkundet der Film die nächtliche Vorstellungskraft des Regisseurs in einem Spielfilm voller künstlerischer Referenzen, Hommagen an andere Filmemacher und einer visuellen Sprache, die die verschiedenen Geschichten, die im Film spielen, miteinander verbindet.

Als Hommage zollt Kurosawa Van Gogh im Laufe des Films Tribut, indem er direkt auf seine Werke verweist und ihn dank des Auftritts seines Regiekollegen Martin Scorsese in den Film einführt.

Über das Werk: Krähen über Weizenfeld ist vielleicht eines der faszinierendsten Werke Van Goghs und das letzte Gemälde, das der Künstler im Juli 1890 vor seinem Selbstmord anfertigte. Das Werk zeigt das stürmische Blau und die verlorene Haltung eines geheimnisvollen Mannes, der einen Weg zu erahnen scheint.

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11. Der Exorzist von William Friedkin


Bezug auf: Das Reich der Lichter von René Magritte

Einer der meistdiskutierten Filme ist zweifellos Der Exorzist des amerikanischen Regisseurs William Friedkin, und zwar sowohl wegen seines Themas als auch wegen der Behandlung seiner Szenen. Der Film erzählt die Geschichte eines 12-jährigen Mädchens, das von einem uralten Dämon besessen ist, der sie psychisch und physisch zugrunde richtet.

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Mit seinen einprägsamen Figuren und Szenen, die heute noch genauso stark sind wie vor 40 Jahren, ist der Film ein Klassiker des Kinos im Allgemeinen. Besonders hervorzuheben ist die umstrittene Premiere, die das Publikum so sehr schockierte, dass viele Zuschauer einen Nervenzusammenbruch erlitten, als sie den Film sahen.

Eine der denkwürdigsten Szenen aus Friedkins Film ist das Bild des Priesters, der im Halbdunkel vor dem erleuchteten Zimmer von Regan, dem besessenen Mädchen, erscheint. Sowohl die Komposition als auch die Beleuchtung der Szene erinnern an eines der Werke des belgischen surrealistischen Malers René Magritte.

Über das Werk: René Magritte, einer der bedeutendsten Künstler der surrealistischen Bewegung, war schon immer von der Kombination von Konzepten fasziniert, die visuell ein Oxymoron ergeben. Im Falle des Werks Das Reich der Lichter wird die Nacht in der unteren Hälfte mit dem erleuchteten Himmel in der oberen Hälfte kontrastiert.

Diese elf Szenen sind nur einige von vielen in der Geschichte des Kinos, in denen große Regisseure eine Anspielung auf weltberühmte Kunstwerke gemacht haben. Kennst du noch weitere Kunstreferenzen in Filmen? Lass es uns in den Kommentaren wissen!

Vergesse nicht, dass du im Blog von Domestika noch mehr über Filme, Regisseure und Filmkuriositäten erfahren kannst.

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