Spécialisation en techniques d'illustration mixtes

Mes sources d'inspiration | Alejandra Acosta

Au quotidien, j'aime me nourrir de différentes références qui viennent de différentes disciplines, pas seulement de l'illustration. Je pense que cela aide beaucoup à créer son propre monde, riche en nuances. Dans cette leçon, je vais vous montrer certaines de ces références.

Mes sources d'inspiration | Samuel Castaño

Je vais vous parler de certaines de mes influences auxquelles je reviens constamment lorsque je cherche de l'inspiration pour mon travail. Quelques peintres, illustrateurs et artistes qui me tiennent à cœur dans la formation de mon univers graphique particulier.

3 min

Mes sources d'inspiration | Patricia Escalante

Je vais maintenant te parler de mes influences. Elles sont multiples et proviennent de différentes disciplines, bien que fondamentalement de la peinture, de la photographie et de la conception de magazines.

11 min

Module 2

Aux côtés de Leonor Pérez, vous explorerez comment mélanger techniques et supports pour créer des images dotées d’une identité propre. À partir de références personnelles, de souvenirs et de stimuli quotidiens, vous commencerez à construire des récits visuels nés du jeu, de l’observation et de la liberté créative. Vous verrez comment les matériaux dialoguent entre eux pour transformer le quotidien en idées sensibles, expressives et visuellement puissantes.

13 leçons (2 h 59 min)

Matériaux

De quel matériel aurez-vous besoin pour ce cours ? Dans cette vidéo, je recommanderai quelques possibilités matérielles et partagerai quelques astuces pour travailler avec ces ressources techniques. Vous serez en mesure de préparer ce qui est nécessaire pour commencer pleinement dans l'unité suivante.

7 min

L'expérience comme référence

Dans cette leçon, nous verrons comment utiliser toutes nos sources et références artistiques pour alimenter notre créativité. Nous prendrons conscience de ce qui nous habite, comme les souvenirs, les expériences, les goûts et les inspirations.

Ensuite, nous approfondirons la pratique de l'observation, une expérience fondamentale pour aiguiser le regard, améliorer la capacité de représentation et amorcer un processus de création.

Observer et dessiner

De l'observation à l'imaginaire

L'imaginaire se nourrit fondamentalement de ce que nous savons. En examinant des matériaux déconstruits pour générer de nouvelles images, nous verrons comment l'observation et l'enregistrement facilitent une expérience créative plus fluide.

Le photomontage analogique résulte de l'assemblage d'images reconnaissables. Je vais vous montrer plusieurs caractéristiques techniques et narratives du photomontage, et nous verrons en quoi cette ressource est un excellent moyen pour démarrer divers processus créatifs.

Photomontage

Démarrer un projet à partir d'une référence abstraite offre plusieurs opportunités créatives. Pour explorer ce processus, je vais vous montrer comment travailler avec les paréidolies - il s'agit d'une capacité psychologique à trouver des éléments reconnaissables de manière abstraite. De cette façon, nous donnerons un espace pour rencontrer de nouvelles morphologies et possibilités graphiques.

Paréidolie 1

Je continuerai ici mon exploration des paréidolies à la recherche de personnages et d'animaux dans mes rôles. La beauté de cette technique réside dans la simplification de formes complexes telles que le corps humain. Nous verrons également que des crayons et d'autres matériaux peuvent être utilisés pour compléter l'exploration.

Paréidolie 2

Dans cette leçon, nous explorerons les techniques mixtes à travers l'intervention picturale d'images à partir de photographies, de photocopies et d'autres imprimés.

Images sur images

19 min

Timbre avec des débris

Ensuite, nous nous initierons à la pratique de l'estampage, en utilisant divers objets et éléments naturels de la vie quotidienne. Nous rechercherons des formes et des textures inattendues que vous pourrez appliquer à vos explorations graphiques de diverses manières.

18 min

Et si vous mélangez tout ce qui précède ?

Nous n'avons pas à nous limiter à une seule technique. Je vais vous montrer comment vous pouvez mélanger les différents matériaux vus dans les leçons précédentes. Vous verrez que les combinaisons de ressources peuvent donner des résultats très intéressants !

19 min

Connexions inattendues

Le mélange du langage écrit et visuel ouvre de nombreuses possibilités créatives. A travers des jeux d'associations libres, nous explorerons des récits originaux où l'étrangeté, l'humour et la poésie ont une place garantie.

L'alphabet, un prétexte pour créer

Ensuite, nous nous inspirerons de mots significatifs pour les interpréter à travers des images. À cette fin, nous utiliserons la structure d'un alphabet, un ouvrage de référence qui est devenu aujourd'hui une possibilité créative intéressante pour la narration.

Conteneur d'inventaire de création

Dans cette dernière leçon, vous ferez le contenant de l'inventaire des expériences créatives que vous avez réalisées pendant le cours. Pour mener à bien ce processus vous n'aurez qu'à définir et assembler un conteneur qui regroupe votre inventaire et que vous pourrez intervenir avec les techniques vues.

Dans cette leçon j'analyserai le concept de "frontières" et j'expliquerai comment les frontières de la pensée, de la matière et du temps nourrissent notre langage visuel.

Module 3

Aux côtés d’Aldo Jarillo, vous découvrirez comment construire des ponts entre texte et image pour façonner des œuvres empreintes de sens personnel. Vous explorerez des techniques expérimentales qui vous permettront de transformer souvenirs, émotions et mots en images à la force poétique. À travers le jeu avec les matériaux, vous développerez des compositions qui transcendent le narratif et se muent en pièces artistiques uniques, dotées de leur propre voix et de leur caractère.

13 leçons (2 h 54 min)

Dilater les frontières

Vous devez maintenant sélectionner un texte avec lequel vous allez travailler sur votre projet de cours, qu'il provienne d'une commission éditoriale, d'un texte sélectionné ou du vôtre. Je vais vous montrer comment l'aborder pour trouver l'idée principale.

Décortiquer le texte

Il est temps pour vous d'apprendre comment vous pouvez vous approprier l'idée principale du texte à partir de vos expériences personnelles et, de cette manière, générer un lien entre l'auteur et nous-mêmes.

Incarner l'idée

20 min

Ruminer l'idée

Déjà avec l'idée dans l'abstrait, la première étape sera d'esquisser votre idée à partir des mots à travers l'utilisation des versets. Pour cela, je vais vous parler de deux notions clés : la rumination et l'ambivalence.

Vous avez déjà construit vos versets, il est donc temps de faire place à l'esquisse graphique. Pour cette partie du processus, vous utiliserez les figures de rhétorique comme principal outil pour réaliser un jeu intéressant entre l'image et sa signification.

Faire tourner les idées

18 min

La structure de l'image

Dans cette leçon, je vais vous enseigner quelques lois de composition visuelle qui vous aideront lors de la composition de l'image de votre projet de cours. Ce sont des lois qui seront utiles pour la construction de toute pièce graphique.

17 min

Resignifier les matériaux

Maintenant, je vais vous montrer comment les matériaux eux-mêmes peuvent devenir des conteneurs de sens. Vous pouvez même donner un nouveau sens à ceux qui — apparemment — n'ont aucune valeur.

L'erreur comme antidote à l'artificiel 1

Dans cette leçon, vous verrez les différentes gammes de possibilités offertes par l'expérimentation des matériaux. Je vais vous montrer les techniques que j'utilise le plus et vous verrez comment le jeu et l'accident sont une partie essentielle du processus. Tout d'abord, je vais vous montrer comment sélectionner un livre ancien avec lequel travailler et tirer parti de chacune de ses parties. Ensuite, je vous montrerai comment le décomposer, retirer l'encre des pages et le remettre en place avec un nouveau sens.

11 min

L'erreur comme antidote à l'artificiel 2

L'illustration est déjà devenue un objet qui a cessé d'être quelque chose de bidimensionnel et a commencé à avoir un corps. Dans cette analogie, j'aime à considérer que le papier prend la fonction de la « peau ». Dans cette leçon, je vais vous apprendre à jouer avec et je vais vous montrer des exemples utilisant du papier pour batterie et ses différentes couches.

Dans cette leçon, je vais vous apprendre à planifier le développement de votre pièce à travers la création d'un script de travail pour avoir un meilleur contrôle du processus.

Planification des pièces

Construction de la pièce finale 1

Ici vous vous laisserez aller à la réalisation de votre pièce finale à partir de tout ce que vous aurez appris. A ce stade, l'improvisation et les "fautes" seront vos alliées pour trouver de nouvelles voies graphiques.

15 min

Construction de la pièce finale 2

J'ai déjà les dessins, les lignes et la peinture de mes éléments et j'ai également fait l'intervention des textures et des matériaux. Il est maintenant temps de commencer le jeu de composition et de commencer à assembler les pièces.

15 min

Assemblage du support d'extrémité

Étant une pièce physique, votre projet devra être monté sur un support qui le protège et l'aide à être exposé. Dans cette leçon, je vais vous montrer différentes options qui peuvent vous aider à en sélectionner une.

Dans cette leçon, j'expliquerai quelques astuces pour définir l'atmosphère d'une histoire illustrée. Nous analyserons certains livres, depuis leur format, leur ton, jusqu'au point de vue avec lequel ils ont été illustrés. Grâce à ces conseils, vous apprendrez à préparer le chemin et à réchauffer vos moteurs avant de commencer à travailler sur votre propre projet.

Module 4

Alejandra Acosta vous guidera dans la création de votre propre univers illustré à partir d’un récit. Vous apprendrez à analyser une idée sous différents angles et à expérimenter des techniques mixtes pour découvrir l’esthétique qui se connecte le mieux à votre histoire. À travers l’exploration visuelle et conceptuelle, vous commencerez à traduire les mots en images pleines d’atmosphère, créant des livres illustrés qui suscitent émotion, émerveillement et profondeur narrative.

17 leçons (3 h 36 min)

Ambiance et point de vue

Mots-clés et tableau d'humeur

Dans cette leçon, je vais vous montrer comment préparer un tableau d'humeur avec des images inspirantes, en utilisant une liste de mots-clés pour définir l'atmosphère de l'histoire illustrée.

Dans cette leçon, je vais vous enseigner le matériel dont vous aurez besoin pour faire face à la création de chacun des exercices du projet final de ce cours.

matériaux

Dans cette leçon, je vais vous montrer comment travailler l'ambiance et les concepts définis ci-dessus, à travers une palette de couleurs spécifique. Nous passerons en revue des exemples de livres illustrés et analyserons les nombreuses possibilités offertes par la couleur pour illustrer.

Palette de couleurs

Palette de couleurs (partie 2)

Deuxième partie de la leçon, dans laquelle je vous montre comment travailler l'atmosphère et les concepts à travers une palette de couleurs spécifique.

Connaître vos personnages est vital! Et c'est pourquoi, dans cette leçon, je vais vous montrer mon processus de recherche de références et d'étude des émotions, à travers les gestes et le mouvement. Ainsi nous définirons les personnages qui donneront vie à l'histoire illustrée.

Personnages

Deuxième partie de la leçon, dans laquelle je vous montre mon processus de recherche de références et d'étude des émotions, à travers les gestes et le mouvement.

Personnages (partie 2)

Dans cette leçon, je vais vous montrer différentes manières de composer vos illustrations, en tenant compte de différents concepts, tels que le poids, le point focal et les valeurs. De plus, nous verrons les principales considérations à prendre en compte lors de la définition de l'espace pour le texte dans l'histoire illustrée.

Composition

Il est temps que nous travaillions sur nos croquis! Dans cette leçon, je vais vous apprendre à dessiner vos croquis finaux, c'est-à-dire à "projeter"; intégrer vos personnages, couleurs et composition dans la scène du livre d'images.

En saillie

Deuxième partie de la leçon, dans laquelle je vous apprends à dessiner vos croquis finaux, c'est-à-dire à "projeter".

Projection (partie 2)

Dans cette leçon, je vais vous apprendre à mélanger une technique humide et une technique sèche. Les deux fonctionnent très bien ensemble et sont parfaits pour créer des arrière-plans et des personnages. Je vais vous montrer comment peindre une base colorée à l'aquarelle, et lorsque le pigment est sec, travailler avec différentes valeurs et textures.

Aquarelle et polychromes

Aquarelle et polychromes (partie 2)

Deuxième partie de cette leçon, dans laquelle je vous apprends à mélanger une technique humide et une technique sèche, pour créer des décors et des personnages; en plus de voir comment peindre une base de couleurs à l'aquarelle et travailler avec différentes valeurs et textures.

Papiers colorés et graphite

Dans cette leçon, nous travaillerons sur une autre scène de l'histoire illustrée et je vous apprendrai à utiliser le papier comme bloc de couleur et à créer du volume, en ajoutant des textures de lumière et d'ombre avec un crayon graphite.

Papiers colorés et graphite (partie 2)

Deuxième partie de la leçon, dans laquelle nous travaillons sur une autre scène de l'histoire illustrée, apprenons à utiliser le papier comme bloc de couleur et à créer du volume, et à ajouter des textures de lumière et d'ombre avec un crayon graphite.

Monocopie d'encre et pastel

Dans cette leçon, nous travaillerons sur la troisième illustration, et je vous montrerai comment aborder une technique qui nous permettra d'explorer les possibilités picturales et expressives de l'impression.

Monocopie encre et pastel (partie 2)

Deuxième partie de la leçon, dans laquelle nous travaillons sur la troisième illustration, et vous montre comment aborder une technique qui nous permettra d'explorer les possibilités picturales et expressives de l'impression.

Dans cette leçon, je vais vous montrer les trois illustrations finies, et nous analyserons tous les éléments qui les composent. Nous verrons s'ils dialoguent entre eux, et s'ils sont cohérents avec l'ambiance et la palette de couleurs de l'histoire que nous avons définie au début.

Voila!

7 min

Module 5

Que se passe-t-il lorsqu’une image parvient à dire ce que les mots n’insinuent qu’à peine ? Aux côtés de Samuel Castaño, vous transformerez un haïku en une illustration subtile et expressive, mêlant dessin et collage. Vous découvrirez comment trouver le rythme visuel d’un texte bref, en explorant la force du minimal et le pouvoir du détail. Une invitation à expérimenter des techniques qui éveillent les sens et révèlent de nouvelles façons de lire, voir et ressentir.

9 leçons (58 min)

Aspects clés du texte et idées primaires dans le dessin

Vous verrez comment votre lecture personnelle du texte au début sera déterminante dans l'univers graphique que vous allez développer pour votre illustration. Quels aspects du texte vous parlent de manière plus personnelle ? Vous commencerez à réduire rapidement ces idées à un plan visuel avec des dessins simples et rapides.

Documentation : Les référents

Je vais vous parler de l'importance et de l'utilité d'observer et d'avoir des références qui commencent à suggérer des façons d'aborder votre projet. Vous rechercherez des références graphiques dont vous pourrez emprunter certains aspects pour paramétrer l'identité personnelle de votre illustration.

Je parlerai de l'importance du processus d'esquisse pour clarifier et trouver l'image qui sera votre illustration finale. En utilisant différents papiers et les rayures initiales, vous affinerez l'image jusqu'à ce que vous ayez un croquis propre sur lequel commencer à dessiner.

Esquisse

Je vais vous montrer l'utilisation de certains matériaux, notamment le crayon et le papier. Vous testerez des crayons de différentes duretés sur certains papiers, de plus, je vous parlerai de leurs caractéristiques et des manières appropriées de les utiliser pour chaque objectif du dessin.

Crayon et papier

5 min

Papier

Vous apprendrez à transférer les croquis sur le papier final, à l'aide d'une table lumineuse, d'une fenêtre ou d'un papier calque. De plus, je vais vous montrer comment vous soutenir avec des techniques telles que le transfert. A partir des croquis que vous avez réalisés précédemment et des éléments qu'ils contiennent, vous réfléchirez à la meilleure façon de finir les illustrations : Faut-il tout dessiner ensemble ? Ou peut-être que les personnages, les arrière-plans et les autres éléments sont séparés et ensuite assemblés numériquement ?

Vous ferez les premiers traits ou le squelette du dessin final à l'aide d'un crayon dur, vous utiliserez également le nettoyeur de caractères pour polir et façonner ce premier croquis du dessin. Une fois le dessin terminé, vous verrez comment utiliser des crayons de différentes duretés, allant du plus dur au plus doux pour générer différentes valeurs, lumières et ombres. Je vais vous expliquer comment utiliser le Type Cleaner pour polir subtilement certains bords, illuminer et créer des textures. Je vais également vous apprendre d'autres utilisations et façons d'appliquer le graphite.

Il a dessiné

7 min

Collage

Les éléments que vous avez découpés peuvent faire le tour de la table et de votre dessin tout au long du processus, vous pouvez donc voir comment ils parlent entre eux et avec ce que vous dessinez. Le collage apporte de nouveaux éléments graphiques et d'autres natures, ils nous surprennent et apportent des nuances et des lectures imprévues à ce que l'on veut raconter. Vous apprendrez à rechercher parmi les documents imprimés que vous enregistrez sous forme d'images et d'éléments graphiques qui, selon vous, peuvent dialoguer avec l'univers que vous proposez. Vous allez les déplier sur le papier et commencer à jouer avec : les contraster, les superposer, les découper, etc.

Numérisation et achèvement

Je vous montrerai comment je numérise mes illustrations, vous verrez aussi comment je gère la résolution et les formats pour passer d'un ou plusieurs dessins sur papier à une illustration au format numérique déjà terminée.

5 min

Assemblage et emplacement sur les pages

Avec l'illustration déjà numérisée et dans sa version finale, vous testerez son comportement sur la page, en la plaçant avec le texte que vous avez choisi pour obtenir une mise en page naturelle, harmonieuse et permettant à votre illustration de se démarquer, mais aussi de respecter et tenir compagnie au texte dans le format.

Présentation des matériaux

Module 6

Tout portrait est aussi une interprétation. Aux côtés de Patricia Escalante, vous transformerez une photographie en une image empreinte d’expression, en commençant par le graphite et en terminant par des interventions numériques dans Photoshop. Vous jouerez avec la lumière, les ombres et les textures pour capturer l’essence du visage, explorant comment l’analogique et le numérique peuvent dialoguer et se renforcer mutuellement dans une œuvre profondément personnelle et visuellement marquante.

19 leçons (2 h 59 min)

Je vais te montrer les matériaux avec lesquels j'aime travailler et ceux que j'utiliserai dans ce cours.

Dans cette leçon, je vais te montrer comment dessiner un contour des proportions de base pour construire la structure d'un visage. Ainsi, tu pourras créer des portraits qui ont plus d'équilibre. N'oublie pas qu'il n'existe pas de visages 100% symétriques. N'oublie pas que c'est en forgeant qu'on devient forgeron, alors je te recommande de t'entraîner autant que possible.

Proportions d'un visage

15 min

Notions de base sur la lumière et les ombres

Pour moi, la lumière est tout, qu'il s'agisse d'un portrait figuratif ou abstrait. La connaissance du clair-obscur est importante car elle construit les volumes, définit les traits et donne aussi un sentiment. Dans cette leçon, je vais t'apprendre les bases des dégradés, des lumières et des ombres.

Formes de modélisation en graphite

J'aime dessiner au graphite en me basant sur des textures ou des "taches". Pour y parvenir, j'ai généralement recours à certaines techniques de modélisation que je vais partager avec toi. Je te montrerai aussi toute la gamme de gris que l'on peut modeler avec des crayons graphite. Enfin, je modéliserai au graphite sous forme d'esquisse : un œil et un sourcil, un nez et des lèvres.

19 min

Sélection d'images pour l'inspiration et le matériel de soutien

Depuis mon ordinateur, je te montre mon mood board sur Pinterest, que j'utilise pour l'inspiration et les références visuelles. Tu verras une photo d'un artiste que j'ai choisi de dessiner et d'autres images, notamment des couvertures de magazines que j'utiliserai comme support visuel.

Retouche de la photo et impression à l'échelle

Dans cette leçon, je retoucherai la photographie sélectionnée par l'artiste, en lui donnant la tonalité et le contraste que je recherche. Ensuite, je vais le placer dans le format souhaité et imprimer l'image à l'échelle réelle. Cela me permettra d'avoir la photographie de la même taille que mon format à dessiner.

Transfert du portrait sur carton

Tu apprendras à transférer les principales mesures du portrait sur le carton. Pour ce faire, je vais te montrer deux façons de procéder. L'une d'elles consiste à vérifier les mesures de la photo dans Photoshop et à les transférer sur le carton. L'autre option est d'imprimer la photo à l'échelle réelle et de prendre quelques mesures avec une règle, puis de les transférer sur le carton. Dans les deux cas, tu verras comment joindre avec un crayon les points des mesures de référence et tu pourras ensuite commencer à dessiner le portrait. Voyons cela !

3 min

Modélisation 1: Base et premières couches

Je vais te montrer comment mesurer et marquer certains points principaux pour créer le contour du portrait. En outre, tu apprendras comment marquer les mesures des points principaux des yeux.

Modélisation 2: Yeux et sourcils

Tu ombrageras les yeux et les sourcils avec une première couche de crayon 2B, puis avec une autre couche de 3B. Tu verras aussi comment ombrer l'oreille et les cheveux.

Dans cette leçon, je vais te montrer comment faire l'ombrage et le modelage des cheveux avec les crayons 5B, 6B, 7B et 8B.

Modélisation 3: Cheveux

Modélisation 4: cou et oreille

Tu verras comment faire l'ombrage de la partie sombre de l'oreille et du cou.

5 min

Modelage 5: Joue, nez et lèvres

Tu vas apprendre à modeler le nez avec le crayon 2B. En outre, je te montrerai comment façonner la joue et les lèvres avec une première couche de crayon 2B, puis avec une autre couche de 3B.

Modélisation 6: Finitions et touches de finition

Enfin, tu verras comment ombrer méticuleusement la finition et façonner les cheveux. Je te montrerai comment faire les finitions sur les joues et comment ajouter quelques taches de rousseur au visage.

6 min

Numérisation et retouche de dessins

Dans cette leçon, je vais scanner le portrait en graphite, puis l'ouvrir dans Photoshop pour t'apprendre à lui donner le contraste nécessaire pour que le portrait reste net.

Concepts et idées pour l'intervention numérique

Je te ferai découvrir un monde à nul autre pareil, le monde imaginaire et fantastique dans lequel je t'apprendrai à chercher des options, des formes, des couleurs et bien d'autres choses encore qui t'aideront à créer un concept, afin que tu puisses transformer ce concept en éléments visuels et graphiques qui rendront ton portrait unique.

6 min

Outils de texture de base dans Photoshop 1

Bienvenue sur Photoshop ! Si tu ne l'as jamais utilisé, ne t'inquiète pas : dans cette leçon, je vais t'apprendre les outils de base dont tu peux profiter pour retoucher ton portrait et créer ta composition.

Outils de texture de base dans Photoshop 2

Je vais continuer à te montrer avec quelques exemples comment utiliser les outils que Photoshop nous offre pour enrichir nos compositions et obtenir des résultats uniques.

Maintenant que tu sais comment tirer parti de Photoshop, je vais te montrer comment réaliser différentes finitions de texture et de couleur qui complèteront le portrait.

Intervention numérique