Spécialisation des techniques d'illustration botanique et naturaliste

Mes sources d'inspiration | Katerina Kolberg

Maintenant, j’aimerais partager avec vous les œuvres d’autres artistes qui sont devenues une grande inspiration pour moi.

Mes sources d'inspiration | Julia Trickey

La représentation fidèle des plantes a toujours été une nécessité pour faciliter leur identification, compte tenu de leur utilisation à des fins médicinales et pour la teinture des tissus. Bien que l'art botanique soit une forme d'art ancestrale, de nombreux artistes botaniques contemporains continuent de peindre dans ce style réaliste. Je vous présente ici quelques-uns de mes préférés et vous explique ce que j'admire dans leur travail.

Mes sources d'inspiration | Helena Smyth

Vous êtes curieux d'en savoir plus sur mes inspirations ? Je vais vous présenter quatre artistes dont j'admire particulièrement les œuvres botaniques depuis des années.

Mes sources d'inspiration | Rommygon

Outre la nature elle-même, d'autres influences importantes ont façonné mon travail. Je vous invite à en découvrir quelques-unes ; elles vous inspireront peut-être aussi !

Mes sources d’inspiration | Georgina Taylor

Je vais maintenant parler de certains de mes peintres naturalistes préférés dont le travail m’inspire et influence mon style de peinture.

Techniques de ligne: la géométrie des plantes

Module 2

Laissez Lapin vous initier à une façon plus lente et plus consciente de dessiner, qui vous invite à observer la nature avec un regard neuf. Avec un simple carnet de croquis et quelques aquarelles, vous explorerez la beauté apaisante des plantes et des fleurs, tout en apprenant à traduire leurs formes organiques en illustrations vibrantes et expressives. Une douce pause loin de l'agitation, guidée par Lapin.

21 leçons (4 h 52 min)

Dans cette leçon, vous résumerez la géométrie de plusieurs plantes pour comprendre leur architecture. Pour dessiner une plante, il faut la comprendre. Cette compréhension naît de l'observation et de la comparaison avec ce que l'on connaît déjà. Pour dessiner précisément une espèce, il faut mettre en évidence les spécificités qui la rendent immédiatement identifiable, en décrivant par exemple sa géométrie, ses formes et la répartition de ses feuilles. Je vais réaliser quelques croquis très rapides résumant différentes espèces de succulentes et de cactus, en les esquissant de haut ou de profil.

Techniques de ligne: dessin feuille par feuille

Ici, vous utiliserez un feutre fin noir pour le dessin du contour sans aucune construction préalable. Nous commencerons directement au feutre fin, au premier plan, la partie la plus proche de la plante. Il vous faudra d'abord visualiser votre composition pour vous assurer qu'elle tiendra sur la page. Ensuite, vous projetterez le trait que vous tracerez sur le papier. Votre trait doit être assuré et régulier, évitez les « lignes hérissées ». Si un trait est incorrect, n'essayez pas de le sauvegarder, passez au suivant. Une fois une feuille dessinée, continuez avec la suivante en comparant l'échelle, les angles et la forme. Votre premier élément sera l'échelle de l'ensemble du dessin. Pour l'instant, nous nous concentrons uniquement sur le contour. Nous n'utilisons pas de gravure pour la valeur ou les nuances. Nous le ferons ensuite avec la couleur. C'est pour moi la partie la plus méditative du processus : représenter chaque feuille avec précision, lentement, en passant la moitié du temps à regarder la plante. Il faut se détendre. Si vous êtes fatigué par tant de concentration, vous pouvez faire une pause et continuer le lendemain. Pas de précipitation, votre modèle est très patient…

Dans cette leçon, vous découvrirez mon matériel de dessin : un feutre fin noir, un petit coffret aquarelle de voyage (pour peindre en extérieur) et un plus grand (pour peindre à l'atelier), deux pinceaux à eau, des crayons de couleur, des feutres fins de couleur, un carnet de croquis ou du papier 100 % coton grainé à chaud. Peu de matériel est nécessaire pour créer : tout est une question d'observation et de pratique.

Les matériaux

Techniques de couleur: créez vos verts

Dans cette leçon, vous composerez vos propres verts, une couleur complexe qui représente en réalité tout sauf du vert. Nous créerons un petit tableau de quatre cases sur cinq. • A l'horizontale, nous utiliserons quatre jaunes différents : le jaune cadnium foncé, le jaune de Naples moyen, le jaune primaire et l'or vert. • Sur la verticale, cinq bleus : turquoise cobalt, bleu cobalt, bleu primaire, bleu faïence (ou outremer) et indigo. À l'intersection des cases, mélangez les deux pigments avec une dilution à moitié aqueuse. En général, je n'utilise pas trop de pigments ; l'aquarelle doit être claire pour que le trait reste lisible. Ce sera une moyenne, la couleur pouvant varier selon la proportion des deux pigments. Cela vous aidera à obtenir la couleur la plus proche de la plante observée.

Dessin à partir de l'observation: travail de tracé

Dans cette leçon, je vous expliquerai l'importance de travailler à partir de l'observation directe plutôt que de la photographie. Une image est déjà un filtre de la réalité : elle aplatit tout et réduit la perception des couleurs et des échelles. Je sais qu'il est plus complexe de travailler d'après nature qu'à partir d'une image ; il faut plus de pratique pour être satisfait du résultat. Mais n'oubliez pas que le processus est bien plus important que le dessin final. Tout est question de contemplation. Il faut d'abord observer, choisir son modèle et le tourner autour pour définir le meilleur point de vue. Avant de commencer avec le feutre fin, respirez doucement et visualisez les lignes, la géométrie, la composition sur votre page. Prenez votre temps. Pour moi, l'illustration botanique est une question de temps. Il faut se déconnecter. La plante occupe tout votre champ de vision. Vous ressentez les tensions dans les tiges, la façon dont les feuilles cherchent la lumière, respectant une distance intime entre elles. Maintenant que vous avez créé ce lien sensible entre la plante et vous, vous êtes prêt pour le dessin au trait. Commencez par l'élément le plus proche et faites attention aux proportions et à l'emplacement du dessin sur la page pour pouvoir le dessiner en entier.

Sur le dessin au trait précédent, nous allons peindre la couleur et ajouter des textures et des reflets. Ce qui semble être du vert est beaucoup plus subtil. En y regardant de plus près, vous verrez du jaune, du bleu, de l'ocre, et même de l'orange ou du violet. Ce sont toutes ces couleurs que nous allons peindre par-dessus le dessin au trait dans cette leçon. Je vous recommande d'avoir le nuancier de l'unité précédente à portée de main pour composer vos propres verts. La première couche est assez claire. L'aquarelle consiste à superposer les tons, du clair au foncé. Nous superposons les couleurs pour créer texture, volume et ombre, d'abord à l'aquarelle (pas plus de trois ou quatre couches), puis aux crayons de couleur pour les reflets. L'utilisation de contrastes de couleurs complémentaires ou de couleurs froides et chaudes donnera de la force à votre dessin. Enfin, nous utiliserons du Gelly Roll pour les lumières et les reflets. Vous savez que votre dessin est terminé lorsque vous pouvez y ressentir de l'unité, de l'harmonie dans l'équilibre des couleurs.

Couleur et texture: vert

Couleur et texture: couleurs vives 1

Dans cette leçon, nous allons esquisser des fleurs et capturer des couleurs vives. Le processus reste très similaire. Nous commençons par une observation attentive pour comprendre la géométrie et trouver le meilleur point de vue. Nous nous plaçons très près de la fleur et dessinons d'abord au feutre fin, en commençant par le premier plan. Pour la couleur, nous utiliserons des teintes beaucoup plus vives. Les fleurs sont l'évolution la plus élaborée de la botanique, permettant une reproduction et une diversification génétique réussies. Pour être fonctionnelle, la fleur doit être facile à repérer dans un champ ou un bois et attrayante pour les insectes ou les oiseaux. Notre illustration doit donc être aussi spectaculaire, colorée et attrayante que ces fleurs. L'aquarelle doit être plus vive que ce que vous voyez. D'abord parce qu'une fois sèche, elle perd 10 à 15 % de son intensité, et aussi parce que, d'après mon expérience, un sujet paraîtra toujours plus réaliste en exagérant un peu ses caractéristiques. Il faut trouver le juste équilibre entre caricature et réalisme. Mes illustrations se situent quelque part entre les deux, une interprétation de ce que je vois pour mettre en valeur la singularité de mon modèle. Et enfin, nous appliquerons ma touche finale : des Gelly Rolls fluorescents, juste une pincée, pour ne pas donner un aspect trop artificiel.

Couleur et texture: couleurs vives 2

Nous allons dessiner quelques lignes plus détaillées et appliquer une couche de couleur de base à notre dessin.

Couleur et texture: couleurs vives 3

Dans cette troisième partie de la leçon, nous ajouterons différentes nuances et plus de détails à notre dessin.

Couleur et texture: couleurs vives 4

Continuons à appliquer de la couleur et de la texture à notre composition.

Couleur et texture: couleurs vives 5

Cinquième partie de la leçon, où je me concentrerai sur l'ajout de lumière et de luminosité à la fleur.

Couleur et texture: couleurs vives 6

Dans cette sixième partie, nous commençons à travailler sur l'orchidée.

Couleur et texture: couleurs vives 7

Nous continuons à appliquer des détails à notre illustration dans cette dernière vidéo de la leçon.

Représenter un cactus avec précision, avec toutes ses épines, au feutre fin est un véritable défi. Je vous invite donc à expérimenter une méthode différente : commencez par l'aquarelle, puis ajoutez des détails par-dessus la couleur. Nous commençons par la forme principale avec des tons clairs, puis nous créons le volume par-dessus. De la forme générale au détail, c'est l'inverse de ce que nous avons étudié auparavant pour les plantes succulentes ou les fleurs. Une fois la couleur terminée, on peut dessiner d'autres détails au feutre fin (épines grises, marron, jaunes…) ou au Gelly Roll. Il s'agit plutôt de représenter l'atmosphère de chaque cactus ; il faut simplifier un peu le tout et trouver un rythme ou une vibration qui les représente.

Illustration de cactus 1

Deuxième partie de la leçon, où je continuerai à appliquer du volume et des détails aux cactus.

Illustration de cactus 2

Troisième et dernière partie de la leçon. Je travaillerai sur un troisième cactus en appliquant la même méthode.

Illustration de cactus 3

Etude de désintégration 1

Nous dessinerons ensemble la même fleur jour après jour et observerons comment ses couleurs et son apparence évoluent.

Etude de désintégration 2

Deuxième partie de cette leçon, axée sur la représentation de la décomposition quotidienne des fleurs.

Nous créerons une composition en retournant la même fleur et en la dessinant sous différents angles. Les possibilités sont infinies.

Composition botanique 1

Deuxième partie de la leçon.

Composition botanique 2

De nos jours, imprimer ses dessins sur du tissu est très simple grâce à des plateformes comme Spoonflower. Dans cette courte démonstration, je vous montrerai comment transférer votre dessin botanique sur ordinateur et utiliser Photoshop pour créer un motif imprimable sur textile ou papier peint.

Créer un motif

Dans cette leçon, je vous montrerai le papier, les peintures et autres éléments que j'utilise. Nous examinerons de plus près les pinceaux et je vous donnerai une brève description de leur utilisation.

Module 3

Entrez dans l'univers de Katerina Kolberg, où chaque coup de pinceau est une porte ouverte sur la nature. Avec un équilibre entre expressivité et maîtrise, elle vous montrera comment peindre des illustrations botaniques pleines de vie, riches en textures, couleurs et détails. Grâce à ses techniques d'aquarelle raffinées, vous apprendrez à donner vie aux feuilles, baies et pétales avec un réalisme saisissant.

23 leçons (5 h 35 min)

Les matériaux

Commençons par les bases. Je parlerai d'abord de couleur et de valeur, puis je vous montrerai comment mélanger les couleurs adaptées à vos tâches.

Techniques de base 1

10 min

Techniques de base 2

Maintenant, je vais peindre différents types de lavis et expliquer la clé du succès même lorsqu'il s'agit de lavis à l'aquarelle.

Peindre mouillé sur mouillé 1

Nous nous entraînerons à travailler humide sur humide en créant une œuvre simple avec des bourdons en vol. Avant de commencer, je vous montrerai comment fixer le papier sur la planche de bois.

Peindre mouillé sur mouillé 2

Je vais continuer à peindre le deuxième bourdon. Commençons par appliquer de l'eau sur le papier, puis travaillons humide sur humide pour créer le corps.

Peindre mouillé sur mouillé 3

Une fois les trois corps des bourdons prêts, je vous présenterai la technique du pinceau sec pour les ailes et je vous montrerai comment utiliser la couleur blanche pour peindre les yeux.

Couches de peinture et vitrage

Tout d’abord, je parlerai des avantages de l’utilisation des glaçures et je vous montrerai les techniques de base pour obtenir un résultat réaliste dans votre œuvre.

10 min

Des valeurs traduites en couleur

Dans cette leçon, vous découvrirez ce qu'est la valeur tonale et son importance pour le résultat final. J'expliquerai comment les couleurs se traduisent en valeurs et comment les foncer pour obtenir la valeur idéale.

Comprendre les textures 1

Différentes surfaces se comportent différemment dans les mêmes conditions de lumière. Dans cette leçon, vous découvrirez notre perception des textures. Je peindrai un fruit, trois raisins, avec différentes textures pour les reproduire à l'aquarelle.

Comprendre les textures 2

Je vais maintenant commencer à peindre le troisième raisin avec une technique différente, sans mouiller le papier au préalable, car la transition entre ombre et lumière est plus difficile. Une fois la surface sèche, je continuerai à ajouter les ombres.

Comprendre les textures 3

Pour obtenir une sensation réaliste des fruits, révélant leur douceur et leurs saveurs, je pense qu'il est important de comprendre et de travailler la texture. Les textures nous donnent une impression particulière du fruit. Voyons donc à quoi ressemblent les trois raisins une fois terminés !

La première étape consiste à trouver les références de la plante et à comprendre ses particularités. Je vous montrerai ensuite comment je réalise un croquis simple pour définir la composition générale et mettre en valeur les fruits de manière intéressante.

Composition générale

Références photographiques

Dans cette leçon, j'aborderai les conditions d'éclairage et comment régler la lumière pour obtenir le meilleur résultat lors de la prise de vue d'un sujet. Je vous montrerai comment je crée des références photographiques pour mes œuvres.

Je vous montrerai ensuite comment réaliser un croquis détaillé et le transférer sur du papier aquarelle. Ainsi, nous obtiendrons un papier aquarelle prêt à être colorié.

Dessin et transfert 1

9 min

Dessin et transfert 2

J'affinerai ensuite le croquis en ajoutant des détails et en rehaussant certaines formes. Pour cela, il est essentiel de consulter constamment les photos de référence afin de reproduire les formes visibles.

Peindre la poire entière 1

Dans cette leçon, je commencerai par appliquer l'aquarelle. J'augmenterai le volume de la poire entière en appliquant des couches transparentes et je terminerai en ajoutant de la texture.

Peindre la poire entière 2

N'oubliez pas : pour le premier lavis, nous appliquons une couleur claire et un peu de la couleur du sujet. Mélangez et testez les couleurs sur du papier à dessin ! Le deuxième lavis est la couleur réelle : un grand lavis sur l'ensemble du fruit et deux petits sur les côtés. Ensuite, nous travaillons les ombres et appliquons le troisième lavis, qui représente les zones plus sombres et la texture.

Peindre la moitié de la poire 1

Dans cette leçon, je vais peindre la moitié de la poire. Je commencerai par peindre le noyau en travaillant humide sur humide, puis j'ajouterai les détails et la texture les plus fins.

Peindre la moitié de la poire 2

J'ajouterai de la texture à la zone blanche, d'abord avec la technique humide sur humide, puis avec le pinceau sec. Pour foncer l'extérieur de la poire et lui donner plus de texture, je peindrai de petites taches brunes. Enfin, je peindrai les pépins.

Peindre les feuilles et la branche 1

La technique que j'utiliserai pour peindre les feuilles est différente de celle des fruits. J'applique des pigments assez denses, puis je sculpte la forme plutôt que d'ajouter des couches pour créer du volume progressivement. Je vais vous montrer comment je le fais, mais si vous ne vous sentez pas à l'aise pour travailler directement avec ces couleurs intenses, vous pouvez également peindre les feuilles en ajoutant plus de couches.

Peindre les feuilles et la branche 2

Les trois feuilles et tiges seront peintes selon la même technique. Une fois prêtes, nous ajouterons les détails sur la branche précédemment peinte très légèrement.

Ajouter des calques et des gouttes d'eau

À ce stade, nous examinons le tableau dans son ensemble et ajoutons des couches pour unifier le ton. Dans cette leçon, j'expliquerai comment garantir un rendu complet et ajouter des gouttes d'eau réalistes.

Je vais maintenant vous montrer comment j'insuffle du mouvement et une histoire à mon illustration en peignant les bourdons en vol. Pour cela, j'utiliserai la technique du mouillé sur mouillé.

Peindre les abeilles

Dans cette leçon, je vous présenterai le matériel et l'équipement utilisés pour les projets et exercices présentés. J'aborderai les caractéristiques des différents articles et les points à prendre en compte pour faire votre choix parmi la gamme d'équipements artistiques disponibles.

Module 4

Suivez l'artiste botanique Julia Trickey qui vous invite à explorer la beauté discrète des fruits à travers l'aquarelle. Mêlant observation et art, vous apprendrez à capturer les textures subtiles et les formes naturelles qui rendent chaque sujet unique. Avec ses conseils, transformez les fruits du quotidien en portraits réalistes célébrant à la fois la science et la poésie de la nature.

13 leçons (2 h 34 min)

Matériel

Vous découvrirez ici diverses techniques d'aquarelle utilisant les éléments clés de l'eau et de la couleur. En variant la quantité et les proportions de ces éléments sur votre pinceau, vous pourrez créer différents effets et textures utilisés en peinture botanique.

Techniques d'aquarelle

Mélanger et assortir les couleurs

Je vais maintenant vous montrer comment mélanger et assortir n'importe quelle couleur, en commençant avec seulement trois couleurs. Je vous expliquerai ma version du cercle chromatique traditionnel et aborderai les caractéristiques de l'aquarelle. Je vous montrerai comment recréer des couleurs vives et douces avec une palette limitée. Vous pouvez ajouter d'autres couleurs à votre boîte de peinture, mais avoir une compréhension de base de la façon de mélanger n'importe quelle couleur dont vous avez besoin, en commençant par une sélection limitée, vous aidera à naviguer dans le choix des peintures proposées.

Les fruits peuvent être brillants, juteux, striés, alvéolés et d'une incroyable variété. Dans cette leçon, je vous montrerai comment utiliser différentes techniques d'aquarelle pour reproduire certaines de ces textures.

Textures de peinture

Dans cette leçon, je vous expliquerai comment réaliser un dessin réaliste de notre sujet, d'après nature et photographies. Je vous montrerai comment dessiner plus grand que nature avec précision et comment transférer le dessin sur du papier aquarelle.

Dessin d'observation

Si votre sujet présente de minuscules reflets blancs, des veines pâles ou une surface alvéolée, vous pouvez utiliser du fluide de masquage pour protéger ces zones avant de peindre les premiers lavis. Dans cette leçon, je vous montrerai quand et comment utiliser du fluide de masquage au début de toute peinture botanique.

Fluide de masquage

Maintenant, je vais vous montrer comment peindre les couches initiales de votre image et discuter de la manière de choisir les techniques d'aquarelle à utiliser.

Couches initiales 1

Ici, je vais continuer à vous montrer comment travailler sur les premières couches.

Couches initiales 2

Il est temps pour vous de voir comment construire les couleurs de votre sujet et quelles techniques utiliser pour introduire une texture de surface et un caractère appropriés.

Ajout de textures

L’utilisation d’une gamme complète de valeurs tonales donne vie à n’importe quelle étude comme celle-ci, et l’ajout même des plus petites touches de couleur sombre peut faire une énorme différence.

La touche finale

Ajout de l'arrière-plan et des ajustements

Un fond noir peut ajouter du drame à une peinture, donc dans cette leçon, je vais vous montrer comment le créer avec de la gouache, comment mélanger la bonne consistance et comment l'appliquer à votre peinture. Comme un fond aussi sombre contraste fortement avec le livre blanc original, l’étude nécessite souvent quelques ajustements finaux, que j’expliquerai également ici.

Je vous montrerai comment concevoir une composition avec plusieurs éléments, en utilisant du papier calque et de simples coins en carton. En prenant la grenade comme point de départ, je vous expliquerai quelques principes de base à connaître et comment créer un arrangement dynamique.

Idées de composition

Après avoir réalisé un tableau dont vous êtes fier, pourquoi ne pas le faire encadrer ? Dans cette leçon, je vous expliquerai les points à prendre en compte pour choisir un encadrement.

Encadrer votre travail

5 min

Module 5

Partez à la découverte des merveilles de la nature grâce à l'aquarelle avec Helena Smyth. Connue pour ses représentations expressives de la faune et de la flore, Helena vous guide dans l'illustration d'un scarabée coloré entouré de plantes. Grâce à la théorie des couleurs et aux techniques de superposition, vous donnerez vie à votre sujet, alliant détails, créativité et une profonde appréciation de la nature.

17 leçons (3 h 39 min)

Outils et matériaux

Dans cette leçon, je vous présenterai d'abord le projet de cours. Ensuite, je vous présenterai les outils nécessaires et je vous présenterai plus en détail certains de mes outils préférés. Je vous montrerai l'intérieur de ma palette de peinture et vous présenterai les pinceaux et leurs tailles, le papier aquarelle et les autres outils utilisés, vous proposant différentes options et alternatives adaptées à vos besoins. C'est parti !

Je vais maintenant aborder les bases de la théorie des couleurs. Je vais créer un cercle chromatique primaire qui sera un outil utile à consulter tout au long du cours. Cette leçon est également un excellent exercice pour mélanger les couleurs et créer des dégradés de couleurs à l'aide de différentes transparences.

Théorie des couleurs 1

Une fois le spectre complet des couleurs terminé, je vous donnerai quelques suggestions sur la façon de combiner les couleurs dans vos peintures.

Théorie des couleurs 2

Ici, j'explorerai différentes techniques d'aquarelle. Je travaillerai la finesse du trait et la précision, la superposition des couleurs et la création de doux mélanges pour créer un effet 3D. Je vous montrerai également la peinture humide sur humide et sèche sur humide.

Techniques d'aquarelle

Textures trouvées dans la nature 1

Dans cette leçon, j'étudierai différentes textures trouvées dans la nature pour pratiquer et appliquer les techniques apprises dans la leçon précédente.

Textures trouvées dans la nature 2

Ensuite, je continuerai à travailler sur les textures, en utilisant des images d’écorce d’arbre et de fourrure animale comme référence.

Dans cette leçon, je rassemblerai des images inspirantes et créerai un mood board en utilisant Pinterest.

Rassembler l'inspiration

9 min

Composition : création d'un collage

Il est temps de créer mon propre collage unique à partir d'images inspirantes du moodboard. Vous apprendrez à le réaliser numériquement avec Procreate.

Vous allez maintenant apprendre à réaliser un dessin net et précis de la composition sur le papier aquarelle final.

Composition : Le dessin

La première couche : les lumières 1

Dans cette leçon, j'identifierai les zones les plus claires et les peindrai. N'oubliez pas de laisser les surlignements blancs (s'il y en a), car le blanc de la page constituera la partie la plus claire.

La première couche : les lumières 2

En utilisant la même technique que je vous ai montrée dans la leçon précédente, je finirai de peindre les zones les plus claires de l'illustration.

La deuxième couche : les tons moyens 1

Dans cette leçon, je peindrai dans les tons moyens, en superposant la peinture sur les zones les plus claires pour ajouter plus de dynamisme à la pièce.

La deuxième couche : les tons moyens 2

Une fois que j'aurai fini de peindre le corps du scarabée, je passerai à l'ajout des tons moyens aux autres zones de la pièce.

La troisième couche : les détails 1

Dans cette leçon, je peindrai les teintes les plus foncées et ajouterai les derniers détails qui donneront vie à l'œuvre. J'utiliserai ici des techniques de texture finales et je chercherai à créer des contrastes marqués pour donner de la vitalité à l'œuvre.

La troisième couche : les détails 2

Voilà, je vais finir de peindre l'œuvre entière. Vous verrez comme les tons les plus sombres font ressortir l'illustration !

10 min

Numérisation et édition

Dans cette leçon, je vais numériser l'illustration prête à être éditée avec Procreate.

Impression et photographie pour les médias sociaux

Maintenant, je vais imprimer l'illustration et je vais vous montrer comment je photographie mon travail en utilisant des éléments botaniques pour les médias sociaux.

Apprendre à être plus conscient

Module 6

Rejoignez Rommy Gonzalez dans un voyage imaginatif où nature et créativité s'entremêlent. Grâce à des techniques mixtes – crayon, aquarelle, acrylique – vous remplirez les pages d'un carnet de croquis d'œuvres expressives inspirées de la nature. Puis, vous assemblerez le tout pour créer une œuvre finale vibrante qui célèbre votre lien personnel avec la nature. Laissez Rommy vous guider au-delà du réalisme et vers une expression botanique poétique.

16 leçons (4 h 1 min)

Dans cette leçon, vous adopterez un nouveau regard sur votre environnement, en commençant par chez vous, puis en vous promenant. Zoomez avec votre appareil photo et observez les détails de la nature que vous n'avez jamais vus auparavant. Créez votre propre archive documentaire à travers l'objectif de votre œil.

Pour un projet de techniques mixtes, les matériaux sont essentiels. Vous découvrirez ici toute la gamme de matériaux que j'utilise dans mon travail. Bien sûr, c'est la possibilité de choisir celui avec lequel vous vous sentez le plus à l'aise. L'objectif est de vous libérer de la peur d'expérimenter avec différents supports.

Le matériel 1

Dans la deuxième partie de cette leçon, je discuterai des outils nécessaires et facultatifs dont vous aurez besoin pour dessiner et peindre.

Le matériel 2

9 min

Commencer à dessiner sur le carnet de croquis : les couleurs

Dans cette leçon, je vous guiderai dans la création de votre carnet de croquis. Nous observerons la présence des couleurs sur notre sélection d'images et nous familiariserons avec le dessin au crayon sur papier. L'objectif est de définir notre palette de couleurs pour la création du projet de cours.

Comment chaque support fonctionne sur papier : Techniques 1

Ce qui m'a amené à travailler avec les techniques mixtes, c'est que chaque technique a quelque chose de différent et d'unique à offrir. Dans cette leçon, je vous expliquerai comment chaque technique réagit sur le papier et ce qui se produit lorsqu'on les combine.

Comment chaque média fonctionne sur papier : Techniques 2

Maintenant que vous comprenez comment les crayons et encres aquarellables réagissent sur le papier, il est temps de passer à la gouache ! Vous découvrirez l'effet mat et opaque que vous pouvez obtenir avec ce matériau.

Pour créer une œuvre d'art réussie, il est non seulement nécessaire de bien comprendre les techniques et les couleurs, mais aussi de trouver la composition idéale. C'est pourquoi, dans cette leçon, je me concentrerai sur les bases de la composition.

Composition

A partir de la Composition 1

Créer sa composition dans un format plus grand peut parfois paraître effrayant au début. Il est temps de relever le défi ! Dans cette leçon, je vous montrerai quelques astuces pour y parvenir. Vous apprendrez également à respecter l'ordre de votre processus, car travailler sur papier en techniques mixtes exige une réflexion logique avant de commencer à colorier votre œuvre.

A partir de la Composition 2

Dans cette leçon, je vais continuer ma composition en ajoutant les touches finales avant d'appliquer de la colle de masquage sur les zones que je souhaite protéger.

Encres permanentes et aquarelle 1

Ensuite, vous apprendrez à trouver l'équilibre entre liberté et contrôle. Je vous montrerai comment canaliser ce médium ludique qui nous surprend souvent. Les encres et les aquarelles sont à la fois similaires et différentes. Dans cette leçon, je vous donnerai un aperçu des différences et des effets de ces techniques. Elles nous permettent de conserver la base de notre composition tout en laissant libre cours à notre interprétation.

Encres permanentes et aquarelle 2

Avec la base de la composition établie avec des acryliques, je vous montrerai comment appliquer une approche plus ludique et expressive avec vos matériaux hydrosolubles.

Le médium qui me caractérise le plus (je crois) est le crayon. Peindre au crayon est un art varié et subtil. Dans cette leçon, vous découvrirez quelques compétences et atouts de ce médium sur papier.

Crayons et Crayons 1

Continuons à découvrir la logique de la peinture au crayon ! Vous en apprendrez plus sur les techniques de mélange que j'utilise et pourquoi.

Crayons et Crayons 2

Voici une technique que nous avons apprise à l'école, mais qui a vite été oubliée : la peinture à la gouache. Dans cette leçon, je vais vous montrer comment j'utilise ce matériau. Vous découvrirez pourquoi j'intègre ce médium aux dernières étapes de mon processus de peinture et les avantages qu'il offre.

Gouache

Retrait du masking tape et dernières retouches

Une fois votre œuvre presque terminée, préparez-vous pour le moment le plus excitant ! Dans cette leçon, je vous montrerai comment supprimer les zones masquées et apporter les dernières touches. C'est à ce moment-là que vous verrez votre œuvre prendre sa forme finale et que vous pourrez la peaufiner jusqu'à ce que vous soyez satisfait.

Comment archiver le projet

La dernière étape pour immortaliser l'amour que vous avez mis dans votre œuvre est une bonne documentation – un élément souvent oublié, mais crucial ! Quelle que soit la fréquence d'utilisation de ce support (numérique ou imprimé), cette leçon vous apprendra à archiver votre travail facilement et professionnellement, en vous présentant deux méthodes à choisir en fonction des supports dont vous disposez.

Pour commencer, je vous présenterai le projet de cours et le matériel que vous utiliserez. Vous examinerez ensuite les qualités et les caractéristiques des peintures.

Module 7

Laissez Georgina Taylor vous montrer comment allier douceur et précision grâce à l'aquarelle et à la gouache. Grâce à son style poétique et à son œil expert, vous explorerez des techniques qui mettent en valeur la beauté de la flore et de la faune avec des détails saisissants. Apprenez à combiner le meilleur de ces deux techniques pour créer des illustrations naturalistes à la fois réalistes et émerveillées.

18 leçons (3 h 37 min)

Les matériels

2 min

Configuration de l'espace de travail

Maintenant que vous savez tout sur les matériaux, il est temps de vous montrer comment aménager votre espace de travail.

Techniques de base de l'aquarelle et de la gouache 1

Abordons les bases de l'aquarelle et de la gouache. Vous apprendrez à maîtriser le pinceau pour réaliser différents lavis, grâce à six formes de feuilles dessinées sur du papier aquarelle.

Techniques de base de l'aquarelle et de la gouache 2

Je vais continuer à vous montrer ici les techniques de base pour peindre des feuilles. Je vous encourage vivement à y prêter attention ; cette leçon vous aidera à réaliser des peintures plus belles et plus réalistes.

Étude botanique et démonstration d'ailes d'insectes 1

Dans cette leçon, je vais vous montrer comment dessiner et peindre une petite étude botanique d'après nature. Pour commencer, vous apprendrez à utiliser une brindille vivante pour la peindre en utilisant les techniques de la leçon précédente.

Étude botanique et démonstration d'ailes d'insectes 2

Avez-vous déjà observé la nature de près ? Dans cette deuxième partie de la leçon, je vous montrerai comment finir de peindre un bâton de bois. Je partagerai également quelques trucs et astuces pour que le bâton de bois et les feuilles aient un aspect aussi naturel que possible.

Étude botanique et démonstration d'ailes d'insectes 3

Enfin et surtout, et pour terminer cette unité, je vais vous montrer comment vous pouvez utiliser les mêmes techniques et les appliquer pour peindre une aile d'insecte.

Avoir un mood board peut être très utile, c'est pourquoi je vais vous montrer comment je rassemble des références pour créer un mood board.

Collecte de références

Dans cette leçon, vous apprendrez à utiliser les références pour vous entraîner à réaliser des études de feuilles et de fleurs d'après nature. Je vous apprendrai ensuite à utiliser ces croquis et les références pour créer des esquisses. Vous découvrirez comment expérimenter différentes compositions.

Croquis miniatures

La magie des couleurs réside dans leur mélange pour obtenir une couleur unique ! Je vous montre comment observer la couleur pour créer des échantillons de palette.

Couleur

Pour terminer cette unité, je vous apprendrai à esquisser le dessin du projet de cours. Vous verrez ensuite comment l'effacer délicatement pour que le crayon ne transparaît pas sous la peinture.

Esquisse du projet

Lorsque je commence une peinture, je commence toujours par un lavis aplati sur tous les éléments esquissés ; cela m'aide à déterminer si mon image est équilibrée. C'est pourquoi, dans cette leçon, je vous apprendrai à appliquer les premiers lavis légers sur l'esquisse.

Lavages légers

Couches de construction 1

Dans cette leçon, je donnerai une forme aux éléments, en utilisant les photos de référence et en regardant les lumières et les ombres pour les ajouter. Vous apprendrez à superposer la peinture en lavis en utilisant des techniques humide sur humide et humide sur sec.

Couches de construction 2

Je vais maintenant vous montrer comment ajouter de la gouache à l'aquarelle. À la fin de la leçon, vous apprendrez à dessiner les nervures des ailes du papillon et à les lavis.

Textures sur le feuillage

Laissez-moi vous montrer comment ajouter des détails à la peinture, en commençant par le feuillage et en donnant plus de forme aux feuilles.

Vous allez maintenant apprendre à ajouter de la texture aux fleurs et aux boutons. Je passerai ensuite à la tige. Ensuite, je vous apprendrai à peindre les motifs du papillon.

Textures sur les fleurs

Détails sur les insectes et la finition

Dans cette leçon, vous apprendrez à ajouter des détails à votre branche, à vos bourgeons puis enfin à votre insecte, en utilisant vos plus petits pinceaux.

Regardons l'ensemble de la pièce et corrigeons les zones à corriger. Je vais vous montrer comment vérifier tous les assemblages et nettoyer les bords.

Aperçu final