Especialização em técnicas de ilustração botânica e naturalista

Influências | Katerina Kolberg

Agora, gostaria de compartilhar com vocês os trabalhos de outros artistas que se tornaram uma grande inspiração para mim.

Influências | Julia Trickey

Sempre houve uma demanda por representações precisas de plantas para auxiliar na identificação, dado seu uso para fins medicinais e para tingir tecidos. Embora a Arte Botânica como forma de arte remonte a centenas de anos, muitos artistas botânicos contemporâneos ainda pintam nesse estilo realista. Aqui, apresentarei alguns dos meus favoritos e explicarei o que admiro em seus trabalhos.

Influências | Helena Smyth

Curioso para saber mais sobre minhas inspirações? Vou compartilhar quatro artistas diferentes cujos trabalhos no mundo botânico eu realmente admiro ao longo dos anos.

Influências | Rommygon

Além da própria natureza, existem outras influências importantes que moldaram meu trabalho. Convido você a descobrir algumas delas; talvez elas também o inspirem!

Influências | Georgina Taylor

Agora falarei sobre alguns dos meus pintores naturalistas favoritos, cujo trabalho me inspira e influencia meu estilo de pintura.

Módulo 2

Deixe que Lapin lhe apresente uma forma mais lenta e consciente de desenhar — uma forma que o convida a observar a natureza com novos olhos. Com apenas um caderno de esboços e algumas aquarelas, você explorará a beleza relaxante das plantas e flores, enquanto aprende a traduzir suas formas orgânicas em ilustrações vibrantes e expressivas. Uma pausa suave na correria, guiada por Lapin.

21 aulas (4h 52m)

Técnicas de linha: a geometria das plantas

Nesta lição, você resumirá a geometria de diversas plantas para entender sua arquitetura. Para desenhar uma planta, você precisa entendê-la. A compreensão vem da observação e da comparação com o que você já conhece. Para desenhar uma espécie com precisão, você precisa destacar as especificidades que tornam essa planta imediatamente identificável, descrevendo a geometria, as formas e a distribuição de suas folhas, por exemplo. Criarei alguns esboços bem rápidos, resumindo diferentes tipos de suculentas e cactos, fazendo alguns esboços de cima ou de lado.

Técnicas de linha: desenho folha por folha

Aqui você usará caneta fineliner preta para o desenho do contorno, sem nenhuma construção prévia. Começaremos diretamente com caneta fineliner, partindo do primeiro plano, a parte mais próxima da planta. Você precisa visualizar sua composição para ter certeza de que ela caberá na página. Em seguida, você projetará a linha que desenhará no papel. Sua linha deve ser confiante e regular, evitando "linhas cabeludas". Se uma linha sair errada, não tente salvá-la, parta para a próxima. Depois de desenhar uma folha, continue com a próxima, comparando escala, ângulos e forma. Seu primeiro elemento será a escala para todo o desenho. Por enquanto, focamos apenas no contorno. Não usaremos água-forte para o valor ou os tons. Isso será feito posteriormente com a cor. Para mim, esta é a parte mais meditativa do processo, quando você desenha cada folha, com muita precisão, lentamente, passando metade do tempo olhando para a planta. Você precisa relaxar. Se ficar cansado de tanta concentração, pode fazer uma pausa e continuar no dia seguinte. Sem pressa, sua modelo é muito paciente...

Nesta lição, você aprenderá sobre meus equipamentos de desenho, incluindo caneta fineliner preta, um pequeno kit de viagem de aquarela (para quando pinto ao ar livre) e um kit maior de aquarela (para quando pinto no meu estúdio), dois pincéis de água, lápis de cor, canetas fineliner coloridas, um caderno de desenho ou papel 100% algodão prensado a quente. Você precisa de poucos materiais para criar; tudo se resume à observação e à prática.

Os materiais

Técnicas de cor: crie seus verdes

Nesta lição, você comporá seus próprios verdes, uma cor complexa que, na verdade, é tudo, menos verde. Criaremos uma pequena mesa com quatro por cinco caixas. • Na horizontal, usaremos quatro amarelos diferentes: amarelo cádnio profundo, amarelo Nápoles médio, amarelo primário e verde ouro. • Na vertical, cinco tipos de azul: turquesa cobalto, azul cobalto, azul primário, azul faiança (ou ultramarino) e índigo. Na intersecção das caixas, você misturará os dois pigmentos com metade da diluição em água. Normalmente, não uso muito pigmento, pois quero que a aquarela fique clara para manter a leitura do traço. Esta será uma média; a cor pode mudar dependendo da proporção dos dois pigmentos. Isso ajudará você a obter a cor mais próxima da planta que está observando.

Desenho por observação: trabalho de linhas

Nesta lição, falarei sobre a importância de trabalhar a partir da observação direta em vez de uma fotografia. Uma imagem já é um filtro da realidade, ela achata tudo e reduz as cores e a percepção de escala. Sei que é mais complicado trabalhar a partir da vida real do que a partir de uma imagem; você precisaria de mais prática para ficar satisfeito com o resultado. Mas lembre-se de que o processo é muito mais importante do que o desenho final. É tudo uma questão de contemplação. Primeiro, você precisa observar, escolher seu modelo e girá-lo para definir o melhor ponto de vista. Antes de começar com a caneta fineliner, respire calmamente e visualize as linhas, a geometria, a composição na sua página. Não tenha pressa. Para mim, ilustração botânica é questão de tempo. Você precisa se desconectar. A planta está preenchendo todo o seu campo de visão. Você sente as tensões nos caules, como as folhas buscam luz, respeitando uma distância íntima entre si. Agora que você criou essa conexão sensível entre a planta e você, está pronto para o trabalho com as linhas. Comece com o elemento mais próximo e preste atenção à proporção e onde desenhá-lo na página para poder desenhar tudo.

Cor e textura: verde

No desenho anterior, vamos pintar a cor e adicionar texturas e reflexos. O que parece verde é muito mais sutil. Olhando mais de perto, você verá amarelo, azul, ocre e até laranja ou roxo. Essas são todas as cores que pintaremos sobre o trabalho de linhas nesta lição. Recomendo que você tenha em mãos a tabela de cores que fizemos na unidade anterior para compor seus próprios tons de verde. A primeira camada é bem leve. Aquarela é sobreposição de tons, do claro ao escuro. Vamos sobrepor as cores para criar textura, volume e sombra, primeiro com aquarela (não mais do que três ou quatro camadas) e depois com lápis de cor para alguns destaques. Usar contrastes de cores complementares ou cores frias e quentes dará força ao seu desenho. Por fim, usaremos Gelly Roll para as luzes ou reflexos. Você sabe que seu desenho está pronto quando consegue sentir unidade nele, harmonia no equilíbrio das cores.

Cor e textura: cores brilhantes 1

Nesta lição, esboçaremos flores e captaremos cores vibrantes. O processo é muito semelhante. Começamos com uma observação atenta para entender a geometria e buscar o melhor ponto de vista. Ficamos bem próximos da flor e desenhamos primeiro com caneta fineliner, começando pelo primeiro plano. Quanto à cor, aplicaremos cores bem mais vibrantes. As flores são a evolução mais elaborada da botânica, permitindo uma reprodução bem-sucedida e a diversificação genética. Para ser funcional, a flor deve ser fácil de avistar em um campo ou bosque e atraente para insetos ou pássaros. Portanto, nossa ilustração deve ser tão espetacular, colorida e atraente quanto essas flores. A aquarela deve ser mais vibrante do que o que você vê. Primeiro, porque, depois de seca, a aquarela perde de 10% a 15% de sua intensidade e também porque, pela minha experiência, um tema sempre parecerá mais realista quando suas características são um pouco mais acentuadas. É preciso buscar o equilíbrio certo entre caricatura e realismo. Minhas ilustrações estão em algum lugar entre os dois, uma interpretação do que vejo para focar na singularidade do meu modelo. E por fim, darei o meu toque final: Gelly Rolls fluorescentes, só uma pitada, para não ficar com aspecto artificial demais.

Cor e textura: cores brilhantes 2

Desenharemos mais algumas linhas detalhadas e aplicaremos uma camada básica de cor ao nosso desenho.

Cor e textura: cores brilhantes 3

Nesta terceira parte da lição, adicionaremos diferentes tons e mais detalhes ao nosso desenho.

Cor e textura: cores brilhantes 4

Vamos continuar aplicando cor e textura à nossa composição.

Cor e textura: cores brilhantes 5

Quinta parte da lição, onde vou me concentrar em adicionar luz e brilho à flor.

Cor e textura: cores brilhantes 6

Nesta sexta parte, começamos a trabalhar na orquídea.

Cor e textura: cores brilhantes 7

Continuamos aplicando detalhes à nossa ilustração neste último vídeo da aula.

Desenhar um cacto com precisão, com todos os seus espinhos, com uma caneta fineliner é super desafiador. Então, convido você a experimentar um método diferente, começando com a aquarela e adicionando alguns detalhes sobre a cor. Começamos com a forma principal, com tons claros, e sobre ela criamos o volume. Da forma maior para os detalhes, o oposto do que estudamos antes para suculentas ou flores. Depois de terminar a coloração, podemos desenhar mais detalhes com caneta fineliner (espinhos em cinza, marrom, amarelo...) ou rolo de gel. A ideia é pintar a sensação de cada cacto; você precisa simplificar um pouco e encontrar um ritmo ou vibração que os represente.

Ilustração 1 do cacto

Segunda parte da lição, onde continuarei aplicando volume e detalhes aos cactos.

Ilustração 2 do cacto

Terceira e última parte da lição. Trabalharei em um terceiro cacto aplicando o mesmo método.

Ilustração 3 do cacto

Vamos desenhar juntos a mesma flor dia após dia e observar como suas cores e aparência evoluem.

Estudo de decaimento 1

Segunda parte desta lição, focada em retratar a deterioração cotidiana das flores.

Estudo de decaimento 2

Criaremos uma composição girando a mesma flor e desenhando-a de diferentes ângulos. Você tem uma infinidade de possibilidades.

Composição botânica 1

Composição botânica 2

Segunda parte da lição.

Hoje em dia, é super fácil imprimir seu desenho em tecido através de plataformas como a Spoonflower. Nesta breve demonstração, mostrarei como transferir seu desenho botânico para um computador e usar o Photoshop para criar um padrão que você poderá imprimir em tecido ou papel de parede.

Criando um padrão

Módulo 3

Entre no mundo de Katerina Kolberg, onde cada pincelada é uma porta de entrada para a natureza. Com equilíbrio entre expressividade e controle, ela mostrará como pintar ilustrações botânicas que irradiam vida — ricas em textura, cor e detalhes. Com suas técnicas refinadas de aquarela, você aprenderá a dar vida a folhas, frutos e pétalas com um realismo impressionante.

23 aulas (5h 35m)

Os materiais

Nesta lição, mostrarei quais papéis, tintas e outros itens eu utilizo. Analisaremos os pincéis mais detalhadamente e darei uma breve descrição de como utilizo cada um deles.

Começaremos com o básico. Primeiro, falarei sobre cor e valor e mostrarei como combinar a cor certa para suas tarefas.

Técnicas básicas 1

10m

Técnicas básicas 2

Agora, pintarei diferentes tipos de lavagens e explicarei o segredo do sucesso quando se trata de uma lavagem uniforme em aquarela.

Pintando molhado sobre molhado 1

Praticaremos o trabalho com tinta úmida, criando uma arte simples com abelhas voadoras. Antes de começar, mostrarei como fixar o papel na placa de madeira.

Pintando molhado sobre molhado 2

Vou continuar pintando a segunda abelha. Novamente, começamos aplicando água no papel e depois trabalhamos úmido sobre úmido para criar o corpo.

Pintando molhado sobre molhado 3

Quando os três corpos das abelhas estiverem prontos, apresentarei a técnica do pincel seco para as asas e mostrarei como usar a cor branca para pintar os olhos.

Camadas de pintura e vitrificação

Primeiro, falarei sobre as vantagens do uso de esmaltes e mostrarei as técnicas básicas para obter um resultado realista em sua arte.

10m

Valores traduzidos em cores

Nesta lição, você descobrirá o que é o valor tonal e por que ele é importante para o resultado final. Falarei sobre como as cores se traduzem em valores e como escurecê-los para atingir o valor correto.

Superfícies diferentes se comportam de maneira diferente sob as mesmas condições de luz. Nesta lição, você aprenderá sobre nossa percepção de texturas. Vou pintar uma fruta e três uvas com texturas diferentes para reproduzi-las em aquarela.

Entendendo a textura 1

Agora, começarei a pintar a terceira uva usando uma técnica diferente, sem molhar o papel primeiro, pois a transição entre sombra e luz é mais difícil. Depois, quando a superfície estiver seca, continuarei adicionando as sombras.

Entendendo a textura 2

Para obter uma sensação realista das frutas, mostrando sua doçura e sabores, acho importante entender e trabalhar a textura. As texturas nos dão uma impressão particular da fruta. Então, vamos ver como ficaram as três uvas finalizadas!

Entendendo a textura 3

O primeiro passo é encontrar as referências da planta e entender suas peculiaridades. Em seguida, mostrarei como faço um esboço simples para definir a composição geral, de modo que os frutos sejam exibidos de forma interessante.

Composição geral

Nesta lição, falarei sobre as condições de iluminação e como configurá-la para obter o melhor resultado ao fotografar o objeto. Mostrarei como crio referências fotográficas para minhas obras de arte.

Referências de fotos

Desenho e transferência 1

A seguir, mostrarei como criar um esboço detalhado e transferi-lo para papel aquarela. Como resultado, temos um papel aquarela totalmente pronto para colorir.

Desenho e transferência 2

Em seguida, refinarei o esboço, adicionando mais detalhes e aprimorando algumas formas. Para isso, é essencial observar constantemente as referências fotográficas para reproduzir as formas que vemos.

Pintando a pêra inteira 1

Nesta lição, começarei a aplicar aquarela. Aumentarei o volume de toda a pera aplicando camadas transparentes e finalizarei adicionando textura.

Pintando a pêra inteira 2

Lembre-se: na primeira camada, aplicamos uma cor clara e um pouco da cor do objeto. Misture e teste as cores em papel de esboço! A segunda camada é a cor real: uma camada grande na fruta inteira e algumas pequenas nas laterais. Depois, trabalhamos nas sombras e aplicamos a terceira camada, que é nas áreas mais escuras e na textura.

Pintando metade da pêra 1

Nesta lição, pintarei metade da pera. Começarei pintando o caroço, trabalhando úmido sobre úmido, e depois adicionarei os detalhes e a textura mais sutis.

Pintando metade da pêra 2

Adicionarei textura à área branca primeiro com a técnica úmido sobre úmido e depois com o pincel seco. Para escurecer a área externa da pera e dar mais textura, pintarei pequenas manchas marrons. E, por último, pintarei as sementes.

Pintando as folhas e o galho 1

A técnica que usarei para pintar as folhas é diferente daquela usada para pintar frutas. Aplico pigmentos bem densos e depois esculpo a forma, em vez de adicionar mais camadas para criar volume gradualmente. Vou mostrar como faço isso, mas se você não se sentir confiante para trabalhar diretamente com essas cores intensas, você também pode pintar as folhas adicionando mais camadas.

Pintando as folhas e o galho 2

As três folhas e caules serão pintados com a mesma técnica. Uma vez prontos, adicionamos os detalhes no galho previamente pintado bem levemente.

Adicionando camadas e gotas de água

Nesta etapa, observamos a pintura como um todo e adicionamos camadas para unificar o tom. Nesta lição, explicarei como garantir que ela pareça completa em termos de valores e adicionar gotas d'água realistas.

Agora, quero mostrar como dou movimento e história à minha ilustração pintando os zangões voadores. Para isso, usarei a técnica molhado sobre molhado.

Pintando as abelhas

Nesta lição, mostrarei os materiais e equipamentos utilizados nos projetos e exercícios aqui apresentados. Falarei sobre as características dos diferentes itens e o que considerar ao fazer sua própria seleção entre a gama de equipamentos artísticos disponíveis.

Módulo 4

Acompanhe a artista botânica Julia Trickey enquanto ela convida você a explorar a beleza silenciosa das frutas por meio da aquarela. Combinando observação com arte, você aprenderá a capturar as texturas sutis e as formas naturais que tornam cada objeto único. Com a orientação dela, transforme frutas do cotidiano em retratos realistas que celebram a ciência e a poesia da natureza.

13 aulas (2h 34m)

Materiais

Técnicas de aquarela

Aqui, você me verá demonstrando uma série de técnicas de aquarela usando os elementos-chave da água e da cor. Variando a quantidade e as proporções desses elementos no pincel, você pode criar diferentes efeitos e texturas usados na pintura botânica.

Misturando e combinando cores

Agora, mostrarei como misturar e combinar qualquer cor, começando com apenas três tintas. Explicarei minha versão do círculo cromático tradicional e discutirei a natureza das tintas aquarela. Demonstrarei como recriar cores vibrantes e suaves usando uma paleta limitada. Você pode adicionar outras cores à sua caixa de tintas, mas ter um conhecimento básico de como misturar qualquer cor necessária, começando com uma seleção limitada, ajudará você a navegar pela escolha de tintas disponíveis.

As frutas podem ser brilhantes, suculentas, listradas, com ondulações e incrivelmente variadas. Nesta lição, mostrarei como usar diferentes técnicas de aquarela para reproduzir algumas dessas texturas.

Texturas de pintura

Nesta lição, explicarei como criar um desenho realista do nosso objeto a partir da vida real e de fotografias. Mostrarei como desenhar com precisão em escala maior que a real e como transferir o desenho para papel de aquarela.

Desenho observacional

Se o seu objeto tiver pequenos destaques brancos, veios claros ou uma superfície com ondulações, você pode considerar o uso de fluido de mascaramento para proteger essas áreas antes das primeiras lavagens. Nesta lição, mostrarei quando e como usar fluido de mascaramento no início de qualquer pintura botânica.

Fluido de Mascaramento

Camadas iniciais 1

Agora, mostrarei como pintar as camadas iniciais da sua imagem e discutirei como escolher quais técnicas de aquarela usar.

Aqui, continuarei mostrando como trabalhar nas primeiras camadas.

Camadas iniciais 2

Adicionando texturas

É hora de você ver como construir as cores do seu objeto e quais técnicas usar para introduzir textura e caráter de superfície apropriados.

Usar uma gama completa de valores tonais dá vida a qualquer estudo como esse, e adicionar até mesmo os menores toques de cores escuras pode fazer uma grande diferença.

Toques finais

Adicionando o plano de fundo e ajustes

Um fundo preto pode adicionar drama a uma pintura, então nesta lição demonstrarei como criar isso com guache, como misturar na consistência correta e como aplicar isso à sua pintura. Como um fundo escuro cria um grande contraste com o papel branco original, o estudo geralmente precisa de alguns ajustes finais, que também explicarei aqui.

Ideias de composição

Vou mostrar como planejar uma composição com mais de um elemento, usando papel vegetal e cantos simples de papelão. Usando a romã como ponto de partida, explicarei algumas diretrizes básicas que você deve conhecer e como criar um arranjo dinâmico.

Enquadrando seu trabalho

Depois de produzir uma pintura da qual você se orgulha, por que não emoldurá-la? Nesta lição, falarei sobre o que você deve considerar ao escolher uma moldura para sua pintura.

Módulo 5

Saia com Helena Smyth e descubra as delicadas maravilhas da natureza através da aquarela. Conhecida por suas representações expressivas da flora e da fauna, Helena guia você na ilustração de um besouro vibrante cercado por plantas. Com teoria da cor e técnicas de camadas, você dará vida ao seu tema, combinando detalhes, criatividade e uma profunda apreciação pelo mundo natural.

17 aulas (3h 39m)

Ferramentas e materiais

Nesta lição, apresentarei primeiro o projeto do curso. Em seguida, compartilharei as ferramentas necessárias durante o curso e me aprofundarei em algumas das minhas favoritas. Mostrarei o interior da minha paleta de tintas e falarei sobre pincéis e tamanhos de pincéis, papel para aquarela e outras ferramentas utilizadas neste curso, oferecendo diferentes opções e alternativas para atender às suas necessidades. Vamos começar!

Teoria das cores 1

Agora, discutirei os fundamentos da teoria das cores. Criarei uma roda de cores primárias que será uma ferramenta útil para consulta ao longo do curso. Esta lição também serve como um ótimo exercício para misturar cores e criar gradações de cores usando uma variedade de transparências.

Quando o espectro completo de cores estiver completo, darei algumas sugestões sobre como combinar cores em suas pinturas.

Teoria das Cores 2

Técnicas de aquarela

Aqui, analisarei diferentes técnicas de aquarela. Praticarei linhas finas e precisão, sobrepondo cores e criando misturas suaves para criar um efeito 3D. Também mostrarei pinturas úmido sobre úmido e seco sobre úmido.

Texturas encontradas na natureza 1

Nesta lição, estudarei diferentes texturas encontradas na natureza para praticar e aplicar as técnicas aprendidas na lição anterior.

Texturas encontradas na Natureza 2

Em seguida, continuarei trabalhando nas texturas, usando imagens de cascas de árvores e pelos de animais como referência.

Nesta lição, reunirei imagens inspiradoras e criarei um quadro de inspiração usando o Pinterest.

Reunindo inspiração

Composição: Criando uma colagem

É hora de criar minha própria colagem exclusiva usando imagens inspiradoras do mood board. Você aprenderá a fazer isso digitalmente usando o Procreate.

Agora, você aprenderá a fazer um desenho limpo e preciso da composição no papel aquarela final.

Composição: O desenho

A Primeira Camada: As luzes 1

Nesta lição, identificarei as áreas mais claras e as pintarei. Lembre-se de deixar de fora os destaques brancos (se houver), pois o branco da página atuará como a parte mais clara.

A Primeira Camada: As luzes 2

Usando a mesma técnica que mostrei na lição anterior, terminarei de pintar as áreas mais claras da ilustração.

A segunda camada: os tons médios 1

Nesta lição, pintarei em tons médios, aplicando camadas de tinta nas áreas mais claras para dar mais vibração à peça.

A segunda camada: os tons médios 2

Quando terminar de pintar o corpo do besouro, passarei a adicionar os tons médios às outras áreas da peça.

A Terceira Camada: Os Detalhes 1

Nesta lição, pintarei os tons mais escuros e adicionarei os detalhes finais que darão vida à peça. Técnicas de textura final serão utilizadas aqui, e buscarei criar contrastes fortes para dar vitalidade à peça.

A Terceira Camada: Os detalhes 2

Aqui, vou terminar de pintar a peça inteira. Você verá como os tons mais escuros realmente dão um toque especial à ilustração!

10m

Digitalização e edição

Nesta lição, digitalizarei a ilustração para que ela fique pronta para ser editada novamente com o Procreate.

Impressão e fotografia para redes sociais

Agora, vou imprimir a ilustração e mostrar como fotografo meu trabalho usando elementos botânicos para mídias sociais.

Módulo 6

Junte-se a Rommy Gonzalez em uma jornada imaginativa onde natureza e criatividade se entrelaçam. Através de técnicas mistas — lápis, aquarela, acrílico — você preencherá as páginas de um caderno de esboços com obras de arte expressivas e inspiradas na natureza. Em seguida, reúna tudo em uma peça final vibrante que celebra sua conexão pessoal com o mundo natural. Deixe Rommy guiá-lo além do realismo e rumo à expressão botânica poética.

16 aulas (4h 1m)

Aprendendo a ser mais consciente

Nesta lição, você adotará uma nova visão do seu entorno, começando em casa e depois caminhando. Amplie o zoom com sua câmera e preste atenção aos detalhes da natureza que você nunca viu antes. Crie seu próprio arquivo de documentação através das lentes dos seus olhos.

Para um projeto de mídia mista, os materiais são essenciais. Aqui você conhecerá toda a gama de materiais que utilizo em meu trabalho. É claro que esta é uma oportunidade para você escolher o que mais lhe agrada. O objetivo é eliminar o medo que você pode ter de experimentar diferentes mídias.

Materiais 1

Na segunda parte desta lição, discutirei as ferramentas necessárias e opcionais que você precisará para desenhar e pintar.

Materiais 2

Começando a desenhar no sketchbook: cores

Nesta lição, vou orientá-lo na criação do seu caderno de esboços. Faremos isso observando a presença de cores na nossa seleção de imagens e nos familiarizando com o lápis sobre papel. O objetivo é definir nossa paleta de cores para a criação do projeto do curso.

Como cada mídia funciona no papel: técnicas 1

Algo que me levou a trabalhar com mídia mista é que cada técnica tem algo diferente e único a oferecer. Nesta lição, mostrarei como cada técnica reage no papel e o que acontece quando as combinamos.

Como cada mídia funciona no papel: técnicas 2

Agora que você já sabe como lápis e tintas aquarela reagem no papel, é hora de passar para o guache! Você descobrirá o efeito fosco e opaco que pode obter com este material.

Para criar uma obra de arte de sucesso, você não só precisa ter um bom conhecimento do material e das cores, como também encontrar a composição ideal. É por isso que, nesta lição, vou me concentrar nos fundamentos da composição.

Composição

Começando com a composição 1

Algo que pode parecer assustador no começo é criar sua composição em um formato maior. Pois bem, é hora de encarar o desafio! Nesta lição, mostrarei alguns truques para conseguir isso. Você também aprenderá sobre a ordem do seu processo, pois para trabalhar em papel com técnicas mistas, é preciso pensar na lógica antes de começar a colorir sua arte.

Começando com a composição 2

Nesta lição, continuarei com minha composição, adicionando os toques finais antes de aplicar cola de máscara nas áreas que gostaria de proteger.

Tintas permanentes e aquarela 1

A seguir, você aprenderá a administrar o equilíbrio entre liberdade e controle. Mostrarei como canalizar esse meio lúdico que muitas vezes nos surpreende. Tintas e aquarelas são semelhantes, mas ao mesmo tempo diferentes. Nesta lição, darei uma visão geral das diferenças e dos efeitos dessas técnicas. Elas nos permitem manter a base da nossa composição, mas deixam a nossa interpretação livre.

Tintas permanentes e aquarela 2

Com a base da composição estabelecida com acrílicos, mostrarei como aplicar uma abordagem mais lúdica e expressiva com seus materiais solúveis em água.

Lápis e giz de cera 1

O meio que mais me caracteriza (acho eu) é o uso do lápis. Pintar com lápis é uma arte variada e sutil. Nesta lição, você aprenderá algumas habilidades e pontos fortes desse meio no papel.

Vamos continuar a desvendar a lógica da pintura a lápis! Você aprenderá mais sobre as técnicas de mistura que utilizo e o porquê.

Lápis e giz de cera 2

Aqui está uma técnica que aprendemos na escola, mas que logo foi esquecida: pintar com guache. Nesta lição, mostrarei como utilizo esse material. Você aprenderá por que incorporo essa técnica nas etapas finais do meu processo de pintura e os recursos que ela oferece.

Guache

Removendo a fita adesiva e os últimos retoques

Quando sua arte estiver quase pronta, prepare-se para o momento mais emocionante! Nesta lição, demonstrarei como remover as áreas mascaradas e dar os retoques finais. É nesse momento que você verá seu trabalho tomando a forma final e poderá ajustá-lo até se sentir satisfeito.

O último passo na cadeia para imortalizar o amor que você investiu em sua obra de arte é uma boa documentação — algo que muitas pessoas esquecem, mas é crucial! Independentemente da frequência com que você usará esse material no futuro (seja digital ou impresso), nesta lição, ensinarei como arquivar seu trabalho de forma fácil e profissional, apresentando dois métodos que você pode escolher dependendo dos materiais disponíveis.

Como arquivar o projeto

Para começar, darei uma visão geral do projeto do curso e mostrarei todos os materiais que você utilizará durante o curso. Em seguida, você analisará as qualidades e características das tintas.

Módulo 7

Deixe Georgina Taylor mostrar como combinar suavidade e precisão usando aquarela e guache. Com seu estilo poético e olhar experiente, você explorará técnicas que destacam a beleza da flora e da fauna com detalhes vívidos. Aprenda a combinar o melhor dos dois meios para criar ilustrações naturalistas que transmitem uma sensação de realidade e encantamento.

18 aulas (3h 37m)

Os materiais

Configurando o espaço de trabalho

Agora que você já sabe tudo sobre os materiais, é hora de mostrar como montar seu espaço de trabalho.

Técnicas básicas de aquarela e guache 1

Vamos falar sobre os fundamentos da aquarela e do guache. Você verá como controlar o pincel para criar diferentes lavagens. Isso será demonstrado em seis formas básicas de folhas desenhadas em papel para aquarela.

Técnicas básicas de aquarela e guache 2

Aqui, continuarei mostrando as técnicas básicas que você precisa saber para pintar folhas. Recomendo fortemente que você observe atentamente; esta lição ajudará você a obter pinturas melhores e mais realistas.

Estudo botânico e demonstração de asa de inseto 1

Nesta lição, mostrarei como desenhar e pintar um pequeno estudo botânico da vida real. Para começar, você aprenderá a usar um galho vivo para pintá-lo, utilizando as técnicas da lição anterior.

Estudo botânico e demonstração de asa de inseto 2

Você já observou a natureza atentamente? Nesta segunda parte da aula, mostrarei como finalizar a pintura de um pedaço de madeira. Também compartilharei algumas dicas e truques para fazer com que o pedaço de madeira e as folhas pareçam o mais naturais possível.

Estudo botânico e demonstração de asa de inseto 3

Por último, mas não menos importante, e para finalizar esta unidade, demonstrarei como você pode usar as mesmas técnicas e aplicá-las para pintar uma asa de inseto.

Ter um mood board pode ser muito útil, por isso, vou mostrar como eu reúno referências para criar um mood board.

Coletando referências

Esboços em miniatura

Nesta lição, você aprenderá a usar as referências para praticar a criação de desenhos de estudos de folhas e flores a partir da vida real. Depois, ensinarei você a usar esses esboços e as referências para criar esboços em miniatura. Você verá como experimentar diferentes composições.

Cor

A mágica das cores é misturá-las para obter uma cor única! Deixe-me mostrar como observar as cores para criar amostras de paleta.

Para finalizar esta unidade, vou te ensinar a esboçar o desenho para o projeto do curso. Depois, você verá como apagá-lo delicadamente para que o lápis não transpareça na tinta.

Desenhando o Projeto

Lavagens claras

Quando começo qualquer pintura, sempre começo com uma camada de tinta plana básica sobre todos os meus elementos esboçados; isso me ajuda a descobrir se a minha imagem está equilibrada. É por isso que, nesta lição, ensinarei como aplicar as primeiras camadas leves de tinta ao esboço.

Nesta lição, darei forma aos elementos, usando as fotos de referência e observando os claros e escuros para adicioná-los. Você aprenderá a aplicar camadas de tinta em lavagens usando técnicas de úmido sobre úmido e úmido sobre seco.

Construindo camadas 1

Agora também mostrarei como adicionar guache à aquarela. No final da lição, você verá como esboçar as nervuras das asas da mariposa e pintá-las com aguadas.

Construindo camadas 2

Texturas na folhagem

Deixe-me mostrar como adicionar detalhes à pintura, começando pela folhagem e dando mais forma às folhas.

Agora você aprenderá a adicionar textura às flores e botões. Em seguida, passarei para o caule. Depois disso, ensinarei você a pintar as marcas da mariposa.

Texturas em flores

Detalhes sobre insetos e acabamento

Nesta lição, você aprenderá a adicionar detalhes ao seu galho, aos brotos e, finalmente, ao seu inseto, usando seus pincéis menores.

Visão geral final

Vamos dar uma olhada na peça inteira e consertar as áreas que precisam de atenção. Vou mostrar como verificar todas as peças de junção e limpar as bordas.