Mi proyecto del curso: Introducción a la pintura digital

Mi proyecto del curso: Introducción a la pintura digital

Mi proyecto final consiste en la realización de un busto humano, definido con valores, y el de un bodegón de mi propia elección.

En mi caso particular, y debido a que es la primera vez que me encuentro haciendo este tipo de proyectos, traté de elegir uno particularmente sencillo y que no fuera demasiado complicado de reproducir, pero en su "simplicidad" encontré algunas cosas que realmente complicaban un poco las cosas en el trasfondo.

Debido a que este proyecto está dividido en dos partes, y ya de por sí es bastante extenso, trataré de resumirlo todo lo mejor y más rápido posible, para que no se convierta en una lectura larga y tediosa, pero a su vez para que sirva expresamente como mera demostración del proceso.

Para realización de este proyecto, las herramientas que tuve a la mano fueron una combinación de dos programas: Clip Studio y Photoshop.

¿Por qué usar otro programa a parte del que enseñan en el curso (Photoshop)?
R- Simple, porque si bien Photoshop es un excelente programa para diseñar y dibujar, tiene ciertas limitaciones que Clip Studio no posee, y como estoy acostumbrada a trabajar con ese programa entonces me fue mucho más fácil comenzar a esquematizar mi proyecto en él que en Photoshop.

Sin embargo, cabe destacar que en el caso del busto, trabajé totalmente en Photoshop (ya que quería precisamente probar cómo era trabajar en el programa, a parte de conocer sus limitaciones) y en el del Bodegón lo usé para añadir los toques finales a mi pintura, utilizando los pinceles que creé durante la realización de este curso y algunos filtros para crear los efectos que deseaba.

Muy bien, para comenzar a trabajar en esta pintura, establecí en primer lugar los Valores Base de mi pintura, manteniendo el dibujo como referencia, y para crear un pequeño contraste entre este y el fondo. Posteriormente establecí los Valores Medios, Claros y Oscuros, coloqué los valores respectivos de las áreas de Rebote de Luz y después tocó el proceso de plasmar las Sutilezas.

Este último paso fue el que me llevó más tiempo realizar, ya que tuve que realmente trabajar mucho en el proceso de observación al estudiar la referencia y tratar de representar en mi pintura aquellas Sutilezas que podía encontrar. Me enfoqué más que nada en áreas en las que los valores no solamente pertenencían a los grupos de Medios, Claros y Oscuros, y en aquellas zonas en las que se notaba cierto degradado, aproveché también de añadir una textura a este efecto de degradado para añadirle un toque especial a mi pintura.

A partir de este punto, ya el busto se encontraba prácticamente estructurado, por lo que ya el dibujo no hacía mucha falta para definir su forma. Lo que siguió entonces fue trabajar en los bordes de los valores que utilicé y también añadir algunos rebotes de luz utilizando pinceles texturizados, para así brindarle una esencia más artística y menos digital a mi pintura.

Lo que siguió luego fue simplemente trabajar en las texturas del fondo y listo! Con eso ya mi puntura del busto fué finalizada!

Aprendí mucho durante la realización de esta parte del proyecto, incluyendo algo muy importante, y es que para establecer los valores de mi pintura fue esencial afincarme de la escala numerada de valores que hay en la parte inferior de cada imagen, sin embargo, muchas veces al momento de tomar muestras de la foto, muchas veces el valor no necesariamente coincidía con los establecidos en la escala (algo totalmente normal), pero para decidir a cuál de estos números se acercaban mis muestras, lo que hice fue establecer "aproximados".

Es decir, al momento de establecer un número de valor para mis muestras establecí un parámetro de "aproximados", en el cuál comparo mi muestra con los números de mi escala, y al número cuyo tono se aproxime más es el que le coloco. Por ejemplo, para que una muestra de gris pudiera clasificarse como 4, hay que tomar en cuenta que principalmente la misma que debe ser más clara que 3 pero más oscura que 5, y si se da el caso de que haya una ligera diferencia tonal con respecto al valor presentado en la escala, a quién se acerca más mi muestra es al 4, por ende, dicho valor es colocado como parte del grupo de los Valores pertenecientes al número 4. Aunque si nos quisiéramos poner más técnicos, pudiera decirse que ese tono de gris es un intermedio entre el 3 y el 4.

Tomando eso en cuenta, para dibujar tonos medios, puedo moverme entre los valores 3 y 5 para definir tonos más o oscuros o claros, pero aún así permanecer en la banda de tonos medios.

Se entendió? Espero que sí y que mi razonamiento no haya sido muy confuso, igualmente como segunda imagen anexada se encuentra el ejemplo de lo que quise explicar aquí.

Para esta segunda parte de mi proyecto final, tuve que elegir una imágen de un bodegón y aplicar lo que aprendimos en el curso acerca de las 3 capas de color y sobre la luz, y sin duda fué una experiencia muy particular. En la introducción mencioné que en el proceso de encontrar un bodegón simple que pudiera replicar, encontré uno que a primera vista parecía sencillo pero luego noté que detrás de su "simplicidad" hubieron algunas cosas que me complicaron un poco el proceso, profundizaré sobre eso más adelante.

A pesar de esto, decidí tomar el reto y comenzar a trabajar en ese modelo de bodegón, comenzando por realizar el dibujo que iba a servirme de base para mi pintura. Utilicé los conocimientos que adquirí en el curso anterior de dibujo, que realicé con este mismo instructor, y tomando como base un fondo con las mismas proporciones de mi imágen, y también los puntos clave y las proporciones de la misma, terminé mi dibujo inicial.

Lo siguiente que hice, fue establecer una versión simplificada de la referencia en blanco y negro, plasmando cada uno de los elementos en formas sencillas para ayudarme a comprender la estructura de los objetos y a su vez para simplificar el estudio de las fuentes de luz que estaban presentes en la referencia. Aquí fue donde se complicó un poco la cosa, porque me di cuenta que debido al comportamiento de las sombras proyectadas, y los reflejos en las mandarinas, resulta que no había una sola fuente de luz, sino dos. Una de estas partía desde el punto de vista del observador, y la otra estaba en la parte superior izquierda, dando como resultado una distribución de sombras que concluí que se veían como las que especifiqué.

Esto me ayudó a comprender mejor lo que tenía frente a mí, ya que con este esquema de iluminación inicial ya podía comenzar a percibir el volumen de los objetos que quería representar en mi pintura, y eso es algo realmente importante, admito que esta parte del proceso me pareció un desperdicio de tiempo en su momento, pero cuando llegó la hora de poner todo el conocimiento en práctica, me di cuenta de lo importante que es para poder comprender mejor lo que se está observando y a su vez para usarlo como referencia al momento de plasmar los colores de mi pintura.

Precisamente, luego de esto lo que tocaba era seguir los pasos brindados por el instructor respecto a las 3 capas de color, siendo la primera el color local y la textura, aquí pude establecer los colores base de cada uno de los objetos de la pintura, utilizando aún mi dibujo como referencia para los bordes, y también incluí las texturas presentes en los sobres rojos, las mandarinas y las ramas. Cada objeto tenía su capa y carpeta respectiva.

Usé este tipo de organización, ya que me ayudó bastante al momento de mantener un orden dentro de mis capas, y es que para poder establecer los Contrastes Principales de cada objeto, tuve que hacer que las capas de las sombras fueran "Máscaras de Recorte" de los colores locales de cada objeto, y eso me facilitó el trabajo, ya que podía trabajar en estos sin temer salirme del área en la que quería trabajar o terminar "ensuciando" un objeto con la sombra de otro. En esta parte admito que me atasqué por un tiempo, debido a que me dí cuenta de que las muestras que tomaba eran sombras de colores diferentes y cuando quería plasmarlas en mi pintura se volvía todo un desastre.

Pero, esto es nuevamente algo que es totalmente normal, y es que habían razones para que dichas sombras fueran de colores diferentes, y es que recordando lo que aprendí, caí en cuenta de que la luz envuelve a todos los objetos que se encontraban en esa composición, por ende habían bastantes zonas en las que la luz rebotaba y se generaban ciertas tonalidades rojizas, marrones, o naranjas en ciertas áreas de la referencia, y por eso las sombras cambiaban, comprender eso me ayudó mucho y decidí trabajar con ese conocimiento y aplicarlo a mi pintura, y al hacerlo finalmente logré desatorarme y seguir adelante, únicamente plasmando por ahora el Contraste Principal (las sombras) de cada objeto.

Lo que faltaba ahora era trabajar en las áreas que mencioné antes, en las cuales rebotaba la luz en diversos objetos y provocaba que hubieran cambios de tonalidad y saturación, a parte de también añadir los "Highlightst" o Reflejos, en las superficies que los tuvieran, el cuál fue el caso de las mandarinas, y posteriormente, me enfoqué en los pequeños detalles de la pieza, tales como el volumen de las rodajas de las naranjas, el de la base de la que se encuentra cercana al sobre rojo de la izquierda, en los bordes claros que se daban en los sobres debido a la luz directa que recibían, y demás detalles pequeños, incluyendo los de la rosa, las otras flores, el filtro de desenfoque gaussiano y de movimiento para distorsionar la sombra que la rama proyectaba en la pared y los bordes de toda la pintura con pinceles personalizados en Photoshop para darle un aire más artístico y menos digital.

Una vez terminado ese paso, ya tenía finalizada mi pintura, pero al momento de añadir una capa de Relleno y Ajuste en blanco y negro, me di cuenta de algo, y es que si bien los valores eran cercanos a los de la referencia, no eran exactamente iguales, y admito que me estresé un poco al respecto, sin embargo, también caí en cuenta de algo muy importante, y creo que es algo que todo artista debe tener en cuenta:

La perfección no existe, y el no alcanzarla no necesariamente tiene que implicar una fuente de estrés para nosotros.

Al final, me di cuenta de que realmente el proceso fué lo más importante de todo esto y realmente me sentí increíblemente orgullosa de mi propio avance, es la primera vez en mi vida que realizo un dibujo como este, es algo totalmente nuevo para mí y logré un grado de cercanía bastante importante con respecto a la referencia, y eso significa mucho para mí.

Como ganancia general del curso, puedo decir que por fin adquirí el conocimiento, el flujo de trabajo y las técnicas realizadas por artistas talentosos, como los que se encuentran en las empresas de videojuegos, y enserio agradezco a nuestro instructor Jean por brindarme de las herramientas que necesitaba para mejorar como artista.