¿Qué es el arte contemporáneo?

Descubre qué caracteriza al arte contemporáneo y en qué se diferencia del arte moderno

Dado que no existe un estilo que haga fácil identificar una obra de arte contemporáneo, tal vez la mejor forma de definirlo sea reconocer lo difícil que es definirlo. A menudo confundido o combinado con el arte moderno, los límites del arte contemporáneo son muy difusos.

En este post explicamos la diferencia entre el arte moderno y contemporáneo y echamos un vistazo a la evolución de este último hasta nuestros días.

Arte moderno vs. Arte contemporáneo

Las palabras “moderno “ y “contemporáneo” son sinónimas, pues ambas se emplean para nombrar fenómenos actuales o recientes. Por ello no sorprende que el arte moderno y el arte contemporáneo se confundan con frecuencia. Irónicamente, el arte moderno es relativamente antiguo, pues nació durante la Revolución Industrial (alrededor de 1860). En el siglo XIX, el compromiso de los artistas con la “mímesis” –la imitación y representación fehaciente de la realidad– comenzó a flaquear. Con el surgimiento de nuevas tecnologías como la fotografía, copiar la realidad dejó de valer la pena. En vez de ello, los artistas comenzaron a pintar de forma más libre y a experimentar con la abstracción, apartándose del arte que se venía produciendo desde hace cientos de años, el cual se enfocaba en la narrativa.

El arte moderno echa mano de múltiples “-ismos”: impresionismo, simbolismo, cubismo, fauvismo, expresionismo y futurismo. A medida que los artistas del siglo XX empezaron a explorar la identidad de sus nuevas obras también comenzaron a cuestionarse “¿qué es el arte y cuál es su función?”. Con la llegada del posmodernismo, el arte se volvió autoconsciente y la división entre las bellas artes y la vida diaria empezó a diluirse. Como ejemplo está Fluxus, un movimiento antiarte que ponía énfasis en el proceso en vez del resultado final. De este modo, muchos artistas empezaron a producir grandes cantidades de obras de arte idénticas, lo cual hizo caer el valor individual de cada objeto.

El pop art, entre cuyos pioneros se encuentran Andy Warhol y Roy Lichtenstein, reproducía la cultura de masas y reinterpretaba los objetos comerciales como obras de arte. En 1964, el crítico de arte Arthur Danto visitó una exposición con las cajas de Brillo de Andy Warhol, montada en la Stable Gallery de Nueva York. Las esculturas, prácticamente indistinguibles de las cajas reales, obligaron a Danto a cuestionarse por qué unas eran piezas de arte y otras objetos ordinarios. Su reflexión está contenida en el ensayo The Artworld.

“Lo que hace al final la diferencia entre una caja de Brillo y una obra de arte consistente de una caja de Brillo es una cierta teoría acerca del arte. Es la teoría la que la eleva hacia el mundo del arte, así como también es ella la que evita que colapse y vuelva a convertirse en el objeto que realmente es. [Las cajas de Brillo de Warhol] no hubieran sido consideradas arte hace cincuenta años. El mundo tiene que estar listo para ciertas cosas, y en el mundo del arte pasa lo mismo. Son las teorías del arte, hoy como siempre, las que hacen que el mundo del arte, y el arte, sean posibles”.

La falta de uniformidad en el arte contemporáneo

El arte contemporáneo evolucionó del posmodernismo y de movimientos como el pop art (el cual renacería después gracias a artistas neo-pop como Jeff Koons) y Fluxus. De acuerdo con los historiadores del arte, el término “arte contemporáneo” se refiere al arte producido en la actualidad o a lo largo de nuestra vida (aunque esta definición se vuelve confusa si consideramos que todos contamos con una interpretación propia acerca de cuándo es esto). De manera general, se considera que el fin del arte moderno ocurre entre finales de los años 60 y principios de los 70, marcando así el comienzo del arte contemporáneo.

El arte contemporáneo experimenta con nuevos medios, como ocurre con el performance, el videoarte, el earth art, la instalación artística, el arte virtual y muchos más. El arte contemporáneo carece de uniformidad y por ello desafía toda definición, abarcando así un gran número de materiales, métodos, conceptos y temáticas. Quizás dos factores de uniformidad sean sus cuestionamientos sobre el presente y la búsqueda de significados, obligando a reflexionar sobre las problemáticas de la sociedad contemporánea e invitando a la gente a pensar. El arte contemporáneo surgió después de los grandes cambios sociales, culturales, políticos y tecnológicos de la década de los 60, algo que se ve reflejado en piezas tempranas.

La participación e intervención de la audiencia

Marcel Duchamp escribió alguna vez: “Considerándolo todo, el acto creativo no solo es ejecutado por el artista; el espectador hace que la obra entre en contacto con el mundo exterior al descifrar e interpretar sus cualidades intrínsecas, y de esta forma contribuye al acto creativo”. Con el arte interactivo y participativo, el rol del espectador en la creación de una pieza ha alcanzado un nuevo nivel: sus acciones forman parte de la obra de arte.

En Rythm 0 (1974), la artista del performance Marina Abramović invitó a varios miembros del público a hacer con ella lo que quisieran usando cualquiera de los 72 objetos dispuestos por ella, entre los que había una pluma, tijeras, cadenas, un hacha y una pistola cargada. El performance terminaba cuando algún individuo se volvía muy agresivo.

La obra Untitled (Portrait of Ross in L.A.) de Félix González-Torres, producida en 1991, está formada por una pila de dulces con un peso total de 79 kilos (el peso promedio de un hombre adulto). En ella, la audiencia es
invitada a tomar algunos dulces de la pieza, ocasionando que la escultura vaya disminuyendo con el tiempo.

La obra pretende ser un retrato alegórico de Ross Laycock, compañero de González-Torres cuyo cuerpo se deterioró drásticamente antes de morir a causa del sida.

ONE & OTHER (2009), de Antony Gormley, es una obra para la cual se invitó a 2400 voluntarios a ocupar el Fourth Plinth de Trafalgar Square (zócalo vacío de dicha plaza londinense, sobre el cual se suelen montar obras itinerantes de arte contemporáneo), un individuo por una hora y a lo largo de 100 días consecutivos.

Movimientos y artistas contemporáneos

El arte conceptual rechaza la idea del arte como mercancía, poniendo al concepto por encima de la estética. Entre los artistas conceptuales más célebres se encuentran Damien Hirst, Ai Wei Wei y Jenny Holzer.

El performance es un tipo de arte que resulta de las acciones llevadas a cabo por el creador y los participantes. Marina Abramović y Yoko Ono han realizado algunos de los performances más memorables de la historia del arte.

Al igual que el performance, la instalación artística consiste en una experiencia inmersiva, cuya finalidad es alterar la percepción espacial del espectador. Yayoi Kusama y Olafur Eliasson han creado varias piezas de instalación famosas.

El earth art es una forma de instalación artística en la cual el artista transforma el paisaje natural para convertirlo en obras de arte, estructuras y esculturas con una ubicación específica. Robert Smithson, Christo y Jeanne-Claude, así como Andy Goldsworthy, son conocidos por sus instalaciones de earth art.

El street art hunde sus raíces en el activismo social y emergió gracias a los movimientos del grafiti de los años 80. Keith Haring y Banksy son dos de los street artists más celebrados.

Versión en español de @art_torres_landa:

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