Yerthekid: la simplicidad de las formas en armonía tipográfica
Experimentación y diseño con letras, conversamos con uno de los diseñadores más talentosos de México
Este diseñador gráfico y publicista originario de Monterrey (México); decidió en 2008, dedicarse por completo a la exploración tipográfica. Su nombre Yerthekid se remonta a aquella época cuando desarrolló una marca para representar su trabajos personales, muy apegados a estructuras con aspectos muy futuristas (entre las opciones tenía Future Yer o Yerdelfuture, todas con "Yer" como hilo conductor).
Finalmente, su idea evolucionó hasta crear un personaje base con la cualidad de adaptarse desde sus cimientos a diferentes contextos. El resultado final fue un personaje con el concepto de un niño, que puede saltar de estilo a estilo, de nombre a nombre, pero siempre con la capacidad de regresar a sus orígenes. Para saber más de su inspiración, procesos y letras, conversamos con él acerca de su trabajo:
¿Cuál fue tu primer contacto con el mundo del diseño, y cómo supiste que diseñar era lo que querías hacer el resto de tu vida?
Mi primer contacto de manera ultra inconsciente fue de muy niño, tendría como 6 años. Fue por mi abuelo paterno carpintero; los fines de semana iba a su taller a ayudarle a dibujar, medir y recortar cubos de madera. El segundo contacto de forma menos inconsciente, fue cuando de niño compraba tenis para jugar basketball. Me volvía loco juntar dinero para comprar nuevos pares, mi único enfoque para hacerme con unos distintos era la colocación de logo en el tenis, los colores, la silueta, la textura, etc.
Eventualmente fui creciendo y los gustos que tenía de niño (anime, dibujo, basketball) junto a los amigos del barrio, me fueron llevando a otras actividades (skateboard, hip hop, grafiti) que fueron guiándome a estudiar alguna carrera donde pudiera crear.
Aunque no sé si diseñar es algo que quiero seguir haciendo por el resto de mi vida. Si en un par de años sigo con la misma emoción que hoy en día tengo, sin duda estaré. Sino seguro que estaré explorando alguna otra actividad que me resulte igual de satisfactoria.
¿Cuáles fueron los elementos visuales que te inspiraron para adentrarte en el diseño?
La simplicidad de las formas y la fuerza que pueden transmitir. La fluidez, el juego de planos... pero sin duda, lo que más me detonaba eran los códigos visuales y sus decodificaciones. Los easter eggs en videojuegos a base de imágenes, la codificación de tags o piezas en el grafiti e intentar resolverlas para eventualmente crear otras por mi cuenta.
La geometría y las letras son dos elementos primordiales en tu diseño, ¿cómo fue el proceso de encontrarte con ellos y tomarlos como herramientas principales en tu comunicación?
El primer acercamiento que tuve con las letras fue por medio del grafiti, donde la alteración de las formas fue el motivante que tenía y que buscaba. Pasaron cerca de 10 años más para conocer la tipografía como tal en la universidad. Ambas visiones me empujaron a mi yo actual. Al salir de la universidad, las "letras" fueron todo un tema que para ser honesto, jamás pensé proyectarlo al plano profesional. Tenía nulo portafolio para enseñar (más allá de proyectos ficticios), solo salí con una afinidad propulsada por el tema tipográfico y una necesidad de explorar más en ese terreno para ver qué pasaría.
En cuanto a la geometría, siempre estuvo ahí. La necesidad de sentir y pensar que tenía todo controlado en mis exploraciones gracias a la computadora y a la facilidad de utilizar la geometría a mi favor, me daba mayor facilidad de hacer mis procesos largos y buscar alternativas con calma.
¿Cuáles son tus prioridades a la hora de diseñar?
Siempre van cambiando, al menos desde el ángulo personal. A veces necesito legibilidad y reproducción. Otras veces la legibilidad es lo de menos y el alcance que busco es mayoritariamente decorativo. Recuerdo que hubo un tiempo, por ejemplo, donde cada estructura que hacía debía terminar formando un patrón natural.
Tal vez la única prioridad que siempre cargo conmigo es la funcionalidad en blanco y negro, además de la búsqueda de alternativas. Mis procesos son largos, muy cansados pero por lo general termino con una sonrisa.
¿Cómo llegó la influencia japonesa a permear tu trabajo?
Todo empezó con unos ejercicios que empecé a proponer a Joiamagazine para unos headers de varios artistas que saldrían en diferentes ediciones. El trabajo de estos artistas estaba relacionado directa o indirectamente con conceptos asiáticos y se me hizo interesante abordar la tipografía con estas características. El tiempo que duró esa etapa fue linda y tal vez se prolongó más de la cuenta. Todo eran reinterpretaciones de lo que veía; formas que decían algo pero en su mayoría debía decodificarlas para darle sentido a quienes lo vieran.
Háblanos un poco sobre la caligrafía en tu trabajo, ¿qué importancia tiene, tu estilo y cómo la conjugas con el resto de tu trabajo?
En los inicios, la caligrafía era lo más artístico que hacía. Recuerdo que tardé bastante tiempo en sentirme listo y aceptarlo. Todo venía directo de mi mano y batallé mucho con la idea de que no saliera perfecto. Siempre he sido súper obsesivo con los procesos y resultados, así que me reventaba la cabeza no poder solucionar algo. Pasó la vida y fui comprendiendo y aceptando mis limitaciones, comprendí que todo lo que no había podido lograr, en algún momento lo haría y que todo lo que había logrado hasta el momento seguiría cambiando.
En cuanto al estilo creo que es muy libre. Me gusta tomar la inclinación y rapidez al trazar y por lo general intento crear una estructura distinguible a base de ligaduras entre letras, sin importar sin son forzadas o naturales. Lo conjugo con la exploración de formas irregulares y me baso mucho en la fluidez del trazo para llevarlo a otras composiciones.
¿Cuál es el proyecto que más has disfrutado?
Yerthekid en su totalidad. Desde que abordé el concepto hasta verlo funcionando. Tardé más de siete años en tener un logo principal y desde entonces ha sido un despliegue de pruebas, desarrollo, creación de lenguaje, formas de funcionar, experimentación, etc.
Disfruté mucho trabajando con Joia, siento un cariño muy especial para el equipo. Álvaro Fierro, el director de Joia, fue esa persona que vio algo en mí e hizo que pudiera monetizar la dirección que iba tomando. Que te den esa fuerza para seguir y que crean en ti, hace que se refuerce tu confianza para seguir buscando las cosas a tu manera.
¿Con quién o para quién te gustaría desarrollar un proyecto?
Me gusta desarrollar proyectos con gente que quiero y respeto, lo veo fundamental. Justo ahora estoy desarrollando un proyecto con NBG, mi chica y socia, de un estudio de diseño y estrategias de marketing que saldrá muy pronto online. Hace tiempo que venimos pensándolo y decidimos hacerlo junto con otra colega.
Fuera de esto, hay otras colaboraciones en puerta con clientes y amigos dentro del ámbito. Una con Root Rises llamada DXPLDNGR que debe salir en este año, y hay una cápsula que se estrenará pronto en mi website con Spvce pro y 2025mx.
¿Hay alguna área nueva en especial del diseño en la que quisieras profundizar?
Hay varias. Quiero empezar a incursionar en la escultura y el modelado 3D, siento que podría potencializarse todo lo que hago en el terreno físico, aunque también me llama la animación.
Si tuvieras que definir tu trabajo como una figura a color, ¿cuál sería y por qué?
El símbolo de fast forward en blanco sobre fondo negro. Por el dinamismo, la velocidad y la fuerza que tiene.
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